Die Kunst der Zero-Waste-Couture | Ein Interview mit Haixi Ren
Haixi Ren ist die neueste Designerin, die die Haute Couture im Sturm erobert. Ihre Kreationen haben bereits prominente Persönlichkeiten wie Kendall und Kylie Jenner, Megan Fox, Becky G und viele andere begeistert. Im Zentrum von Rens Arbeit steht das Ziel, eine nachhaltigere Zukunft für die Modebranche zu schaffen. Wir hatten die Gelegenheit, mit Haixi Ren über ihre Arbeit, ihre Inspirationsquellen und ihre zukünftigen Ziele zu sprechen.
Seit der Gründung ihrer Marke REN HAIXI im Jahr 2020 hat sich die in China geborene und in New York lebende Designerin Haixi Ren zu einer prominenten Figur in der Welt der Haute Couture entwickelt. Ihre Arbeiten waren bereits auf den Seiten von Vogue und Sports Illustrated zu sehen oder wurden von Prominenten auf dem roten Teppich getragen. Besonders bekannt wurde Ren als Designerin der viral gegangenen lavendelfarbenen Kleider von Kendall und Kylie Jenner sowie des transparenten schwarzen Tops von Billie Eilish im Werbespot für ihr Parfum No.2.
Ihre Designs besitzen eine ätherische, fast überirdische Anziehungskraft, die sie von bloßer Kleidung zu wahren Kunstwerken erhebt. Die Kombination aus sanften Pastelltönen und wolligen Texturen erinnert beinahe an zarte Pinselstriche auf einer Leinwand – ein Stil, den Ren selbst als ihre „malerische Ästhetik“ bezeichnet. Ihre aktuelle FW24-Kollektion ist ein perfektes Beispiel für diese unverkennbare Handschrift und zeigt zarte Stofflagen, die sich kunstvoll an den Körper der Models schmiegen.
Im Zentrum von Rens Arbeit steht jedoch nicht nur ihre gestalterische Exzellenz oder ihr gekonnter Umgang mit Silhouetten, Texturen und Farben, sondern auch ein kompromissloses Bekenntnis zur Nachhaltigkeit. Als Modedesignerin, die den kreativen Prozess über die reine Produktion stellt, hat Ren traditionelle Schneidetechniken revolutioniert und eine Methode entwickelt, die buchstäblich keinen Abfall produziert.
Wir hatten kürzlich das Vergnügen, mit Ren über ihren bisherigen Werdegang als Designerin, die Bedeutung von Zero-Waste-Design und ihre Zukunftspläne zu sprechen.
Kannst du uns ein wenig über deinen bisherigen Designweg erzählen? Was hat dich dazu bewegt, das Problem der Textilabfälle in deiner Arbeit anzugehen?
Ich habe REN HAIXI im Jahr 2020 gegründet, um einen alternativen Prozess der Kleidungsherstellung mithilfe von Zero-Waste-Design- und Entwicklungsstrategien anzubieten. Als Designerin in großen Modehäusern in New York City wurde ich zunehmend frustriert von dem allgegenwärtigen Problem der Textilabfälle. Durch intensive Recherchen und Nachdenken entdeckte ich, dass die grundlegenden Fehler in der globalen Lieferkette der Modeindustrie liegen. Die meisten Marken folgen einem System, das zwangsläufig zu Abfall führt. Insbesondere die traditionelle Cut-and-Sew-Methode produziert Stoffreste als Nebenprodukt. Vor der Produktion eines Kleidungsstücks werden zahlreiche Muster erstellt – darunter Muslin-Prototypen, Showroom-Muster und TOP-Samples –, von denen viele letztlich auf Deponien landen. Darüber hinaus gibt es Mindestbestellmengen für Rohstoffe, wodurch Marken gezwungen sind, mehr zu bestellen, als sie benötigen, um Großhandelspreise zu erhalten. Auch die Fabriken haben Mindestanforderungen für die Produktion, was zu unverkauften Kleidungsstücken führt – mit finanziellen Belastungen und erheblichem Abfall.
Getrieben von einem starken Willen, diese systemischen Probleme zu lösen, gründete ich REN HAIXI. Meine Mission ist es nicht nur, schöne Produkte zu kreieren, sondern auch ein nachhaltiges Geschäftsmodell zu schaffen. In China aufgewachsen, lernte ich, Materialien zu schätzen und dankbar für das zu sein, was wir haben – eine Tugend, die tief in meinem asiatischen Erbe verwurzelt ist. In weggeworfenen Materialien Schönheit zu finden, ist für mich poetisch, und ich fordere mich selbst heraus, mit „Abfall“ Wunder zu schaffen. Mein fester Glaube daran, den Prozess der Kleidungsherstellung und seine Lieferkette grundlegend zu verändern, motivierte mich zur Gründung meines eigenen Unternehmens. Letztlich kämpfe ich für eine nachhaltigere Zukunft unserer geliebten Modebranche.
Was sind deiner Meinung nach die größten Hindernisse für die breitere Einführung von Zero-Waste-Praktiken in der Mainstream-Mode?
Mein Engagement für Zero-Waste-Praktiken bringt besondere Herausforderungen mit sich – vor allem, wenn es um die Skalierung meiner Arbeit geht. Ein Großteil meiner Arbeit erfolgt intern, um die Integrität dieser nachhaltigen Praktiken zu wahren. Das kann arbeitsintensiv und zeitaufwändig sein. Das Gleichgewicht zwischen Wachstum und den Prinzipien der Nachhaltigkeit zu halten, erfordert ständige Innovation und Hingabe. Trotz dieser Hürden bestärken mich die positiven Auswirkungen und die Unterstützung, die ich erhalte, in meinem Engagement – und machen jede Mühe lohnenswert.
„In weggeworfenen Materialien Schönheit zu finden, ist für mich poetisch, und ich fordere mich selbst heraus, mit »Abfall« Wunder zu schaffen.“
„Letztlich kämpfe ich für eine nachhaltigere Zukunft unserer geliebten Modebranche.“
Kannst du ein besonders herausforderndes Projekt beschreiben, bei dem du traditionelle Modepraktiken überdenken musstest, um Zero Waste zu erreichen?
Meine SS24-Kollektion hatte einen besonderen Platz in meinem Herzen, weil ich mich herausgefordert habe, Materialien zu verwenden, die außerhalb meiner Komfortzone lagen, um entspanntere Silhouetten zu kreieren. Ich fühle mich von Natur aus zu leichteren Materialien wie Spitze, Tüll und Seide hingezogen. Für SS24 wollte ich jedoch Wolle und von Herrenmode inspirierte Stoffe verwenden. Es war eine Herausforderung, mit schwereren Materialien Zero Waste zu erreichen, da meine charakteristische Textiltechnik nur mit leichten Stoffen funktioniert. Nach monatelangen Experimenten mit karierter Wolle erfand ich schließlich eine malerische Wolltechnik, die sich als besonders beliebt bei Musikern erwies.
Du hast gesagt, dass dein Ansatz für Nachhaltigkeit im Design darin besteht, den menschlichen Körper als „Form“ zu nutzen. Kannst du deinen Designprozess vom Konzept bis zum fertigen Produkt beschreiben?
Ich habe ein einzigartiges Maßanfertigungsmodell entwickelt und Zero-Waste-Textiltechniken geschaffen, um aus Stoffresten Couture-Stücke herzustellen. Inspiriert vom abstrakten Expressionismus betrachte ich Mode als eine Form künstlerischen Ausdrucks, wobei der menschliche Körper als dreidimensionale Leinwand dient. Ich habe ein charakteristisches Textil geschaffen, das auf den Körper „gemalt“ werden kann – mithilfe einer besonderen Sticktechnik, die das Material zu sinnlichen und intellektuellen Silhouetten formt und den individuellen Ausdruck stärkt.
Du interessierst dich auch für Kunstgeschichte. Gibt es bestimmte Künstler:innen oder Kunstbewegungen, die dich inspirieren?
Ich war schon immer von Joan Mitchell inspiriert, mein Textildesign ist stark vom abstrakten Expressionismus beeinflusst. Ich betrachte den Herstellungsprozess eines Kleidungsstücks wie das Formen einer Skulptur.
Kannst du eine besonders bereichernde Kollektion oder ein Projekt nennen – und warum war es für dich bedeutend?
Ich begann mit Strickdesign, als ich mein MFA-Studium an der Parsons School aufnahm. Meine SS23-Kollektion ist meine allererste Strickkollektion, die ich an der Dubied-Strickmaschine gefertigt habe. Es war sehr erfüllend, neue Fähigkeiten zu erlernen und mit neuen Techniken schöne Kleidungsstücke zu schaffen.
„In der Mode gibt es keine Abkürzung. Der einzige Weg zum Erfolg besteht darin, kontinuierlich zu entwerfen und genug Arbeiten zu produzieren, um daraus die besten auszuwählen und eine Identität aufzubauen.“
Du hast oft gesagt, dass sich die Modeindustrie auf das Kreieren und nicht auf das Produzieren konzentrieren muss. Warum, denkst du, ist die Branche so produktionsgetrieben?
Das traditionelle Großhandelsmodell erfordert eine große Anzahl an SKUs – eine Marke muss genügend Produkte entwerfen, damit Einkäufer eine Auswahl treffen und im Einzelhandel eine Geschichte erzählen können. Sobald ein Modell in Produktion geht, verlangen die meisten Fabriken Mindestmengen – was gerade für junge Designer eine Herausforderung ist. Viele Kleidungsstücke landen im Müll, bevor sie überhaupt den Einzelhandel erreichen.
Ich war besonders fasziniert von deiner SS21- und Capsule-Kollektion. Einige Stücke erinnerten an Elemente aus der Natur, wie Moos oder Blumenfelder. War das beabsichtigt? Versuchst du, mit jeder Kollektion bestimmte Geschichten oder Themen zu vermitteln?
Ich versuche, mit jeder Kollektion unterschiedliche Ideen und Konzepte zu vermitteln und dennoch der malerischen Ästhetik von REN HAIXI treu zu bleiben. Ich liebe den Rechercheprozess – jede Kollektion ist meine Neuinterpretation einer Bewegung oder eines Ereignisses aus der Kunstgeschichte. Meine SS21-Kollektion war von den Philosophien hinter der reinen Kunst inspiriert, wie sie zuerst von Clement Greenberg formuliert wurden. So wie Greenberg die flache Leinwand versteht, begreife ich den Körper als Raum, um eine bestehende Kleidungsform zu reproduzieren, neu zu gestalten, auszudrücken und zu analysieren. Deshalb habe ich neue Textilien geschaffen, die auf den Körper „gemalt“ werden können.
Du hast früher dein Interesse an Interior Design bekundet. Gibt es Elemente aus deiner Modedesign-Arbeit – wie deine einzigartige Textil- und Strukturverwendung – die du gerne im Interior Design weiterentwickeln würdest?
Ja, da mein Kreationsprozess dem Bildhauen ähnelt, glaube ich, dass es sehr spannend wäre, Möbel, Tapeten, Teppiche und Wohnaccessoires mit meinen Textilien zu gestalten. Indem ich die Menge der Stickereien anpasse, kann ich die Steifheit des Stoffes steuern. Es wäre wunderbar, eine Kollektion weicher Skulpturen und geformter Möbelstücke mit meiner einzigartigen, malerischen Ästhetik zu erschaffen.
Du hast deine Marke kurz nach deinem Uni-Abschluss im Jahr 2020 gegründet und seitdem viele beeindruckende Erfolge erzielt. Welchen Rat würdest du jungen Modedesigner:innen geben, die sich in der Branche einen Namen machen wollen?
In der Mode gibt es keine Abkürzungen. Der einzige Weg zum Erfolg ist, kontinuierlich zu entwerfen und genug Arbeiten zu produzieren, um daraus die besten auszuwählen und eine eigene Identität zu entwickeln. Auf der anderen Seite ist Networking wirklich wertvoll, wenn man selbst etwas anzubieten hat – es sollte jedoch niemals als Abkürzung zum Erfolg gesehen werden, ohne zuvor harte Arbeit zu leisten. In der Modebranche, die von Natur aus gemeinschaftlich geprägt ist, ist es entscheidend, frühzeitig ein eigenes Unterstützungsnetzwerk aufzubauen und kontinuierlich von den Menschen zu lernen, die man bewundert.
