Imagine: Coral Reef Regenerative Design | Interview mit Harald Gründl

IMAGINE: CORAL REEF REGENERATIVE DESIGN’

Vom 3. Mai bis zum 23. Juni 2024 fand die Ausstellung „Imagine: Coral Reef Regenerative Design“ im Kunstgewerbemuseum Berlin statt. Diese experimentelle Designausstellung zeigte Korallenriffe in einer Welt, die mit zahlreichen Krisen konfrontiert ist. Das komplexe Ökosystem eines Korallenriffs stirbt aufgrund des vom Menschen verursachten Klimawandels. „Imagine: Coral Reef Regenerative Design“ veranschaulichte dies, indem weiße Papiere gehäkelt und unter UV-Licht präsentiert wurden, um die Korallenbleiche zu simulieren. Die Ausstellung wandte anschließend Designprozesse an, um den Besuchern mögliche Wege zur Rettung der Riffe aufzuzeigen.

Die Ausstellung schuf einen immersiven Raum, in dem Makro-Korallen, basierend auf den offenen Designanweisungen des Projekts „Crochet Coral Reef“ von Christine und Margaret Wertheim (Institute for Figuring), Ereignisse der Korallenbleiche hervorhoben. Das Korallenriff wurde mit Objekten bevölkert, die zentrale Themen der Prinzipien des regenerativen Designs repräsentierten, inspiriert von Andreas Webers Text „Enlivenment“. Diese Exponate dienten als Gesprächsanregungen und ermutigten die Besucher, über die möglichen Rollen nachzudenken, die Design bei der Schaffung regenerativer Zukünfte spielen kann.

Was hat Sie an den Korallenriffen inspiriert?

Das könnte das erste biologische System sein, das vollständig verschwindet. Korallen sind ein sehr intuitives, farbenfrohes und lebendiges Bild. Wenn ich „Korallenriff“ sage, hat jeder sofort dieses Bild von Fischen und all den Farben vor Augen. Der zweite Gedanke ist oft die Korallenbleiche, mit der diese Ökosysteme zunehmend konfrontiert sind. Wir fanden diese doppelte Bildsprache eine interessante Ausgangsbasis, um über ein Thema nachzudenken, das beim Thema regeneratives Design noch recht abstrakt ist.

Ich bin kein Biologe, aber was mich als Designer und in Designserien fasziniert, ist: Wie kann sich ein so lebendiges und reichhaltiges Ökosystem in Gebieten entwickeln, in denen es absolut nichts gibt? Es ist allein die Infrastruktur der Korallen, die dieses unglaubliche Ökosystem hervorbringt. Ich denke, das dient als Metapher dafür, wie wir eine Art florierendes Ökosystem in unserem kulturellen Kontext ermöglichen könnten.

Gab es einen bestimmten Moment, in dem Ihnen plötzlich klar wurde, dass du genau das tun möchten?

In der Vorrecherche zur Ausstellung sind wir auf ein intelligentes Tool des Weltwirtschaftsforums gestoßen. Es ist eine Art Netzwerk-Tool, bei dem jede Eingabe zahlreiche Verbindungen erzeugt. Wir haben uns mit Kreislaufdesign beschäftigt und wohin es führt – und eines der Themen war der Ozean. Das brachte uns auf die verrückte Idee, über das Meer nachzudenken.

Wie hoffen Sie, dass die Menschen auf die Ausstellung reagieren? Möchten Sie eine neue Erkenntnis über regenerative Handlungsmöglichkeiten anstoßen?

Die Ausstellung hat verschiedene Aspekte. Ein Aspekt ist, was wir den „Korallenriff-Raum“ nennen, denn in anderen Ausstellungen war normalerweise alles in einem Raum. Um uns an die Bedingungen des Kunstgewerbemuseums anzupassen, mussten wir die Dinge trennen, was uns dazu brachte, diese immersive Installation in einem Raum mit einer ziemlich schockierenden Projektion von Artenvielfalt im Gegensatz zu vom Menschen geschaffenen Materialien zu gestalten. Der andere Raum ist das, was wir das „Labor für regeneratives Design“ nennen. Dieses Format ist nicht nur eine Ausstellung, sondern umfasst auch die Workshops, die wir mit Universitäten durchführen, wenn die Ausstellung von einem Ort zum anderen zieht.

Man sieht sieben Objekte, die die sieben Prinzipien darstellen, und natürlich ist dies eine laufende Forschung, sodass es sehr schwierig ist, ganz klare Beispiele zu finden, aber wir geben uns große Mühe. Es geht nicht immer darum, zu sagen: „So wird das gemacht“, sondern zum Beispiel ist der Grashandschuh etwas, das die Gemeingüter repräsentiert. Ältere Frauen gehen in den Wald, finden geheime Orte, ernten dort das Gras, bringen es zurück und trocknen es. Natürlich ist dies nicht als Blaupause oder Rezept für Adidas oder Nike gedacht, um ihre Schuhe zu produzieren. Aber ich denke, es sollte eine Inspiration sein, den gesamten Prozess zu betrachten: Welche Materialien werden verwendet und wem gehören sie?

Ich denke, Design muss zu besser informierten Entscheidungen führen. Es muss die gesamte Wertschöpfungskette mitgestalten. Ich glaube, manchmal wollen Designer einfach eine einfache Lösung, also wählen sie Bioplastik, aber ich glaube nicht, dass es so einfach ist.

Es gab viel unterschiedliche Forschung und technische Informationen in der Ausstellung. Wie war die Zusammenarbeit zwischen allen Beteiligten?

Als wir letztes Jahr mit den Ausstellungen begannen, war es diese immersive Installation. Wir haben gesagt, dass wir eine experimentelle Ausstellung wollten, und ich denke, das ist uns besonders durch die Architektur der Ausstellung gelungen. Außerdem sagten wir, dass wir möchten, dass sie selbstlernend ist. Das ist eines der natürlichen Prinzipien. Wir wollten eine Art Offenheit und Ungeplantheit ermöglichen. Einer dieser Aspekte war die Zusammenarbeit mit Studierenden. In Berlin hatten wir das nicht, aber ich bin wirklich dankbar für die Zusammenarbeit mit anderen Abteilungen des Kunstgewerbemuseums. Die Kuratorin des Museums hat eine moderne Plattform geschaffen, die sehr gut passt. Sie hat wirklich wunderbare Objekte aus der Renaissance gefunden. Diese stellen moderne Design-Theorien in Frage, da wir einst glaubten, die Natur durch das Hinzufügen von Gold und das Erzählen mythologischer Geschichten noch schöner machen zu können. Es ist erstaunlich, dass ein Handwerker die äußere Schale entfernen konnte und nur die Perlenoberfläche übrig ließ. Dies verdeutlicht die Notwendigkeit interdisziplinärer Forschung. Museen hinterfragen manchmal nicht, wie wir die Natur heute verschönern würden. Es ist entscheidend, vergangene Praktiken zu überdenken und zu verstehen, wie wir sie in unsere heutige Gesellschaft reintegrieren können. Wir müssen sehr schnell bessere Lösungen finden.

Könnten Sie mir etwas über Ihre Entscheidung erzählen, die Ausstellung zu einer Wanderausstellung zu machen?

Die Wanderausstellung war eine Möglichkeit, die uns von unseren Auftraggebern gegeben wurde. Wenn Österreich Ausstellungen finanziert, geschieht dies manchmal in einem fast kolonialen Stil, um zu zeigen, wie gut wir sind – mit unseren Produkten, unserer Kunst und unserer Architektur. Diese Ausstellung arbeitet bewusst gegen diesen Ansatz, indem sie an Orte geht, ohne „besser“ als der Ort selbst zu sein. Für Belgrad arbeiten wir an einem der Exponate mit einer Organisation namens Co/Rizom zusammen. Es ist ein Netzwerk, das sehr talentierte individuelle Handwerkskünste abdeckt, hauptsächlich in der Balkanregion und in Tirana. In Belgrad werden wir eines dieser Exponate aktivieren, um dort einen Einfluss zu schaffen.

Die nächsten Stationen sind Delhi und Bangalore, eine Hightech-Stadt. Es ist inspirierend, lokale Partner zu finden und den richtigen Ort für die Präsentation der Ausstellung zu wählen.

Was ist Ihre Vision für zukünftige Projekte?

Wir haben die sieben Prinzipien, die aus einem Buch eines deutschen Philosophen und Biologen übersetzt wurden, der die Natur beschreibt. Wir versuchen, die Frage zu stellen: „Was ist regeneratives Design?“ Die einfachste Antwort, die wir gefunden haben, ist, diese Prinzipien der Natur und des Designs anzuwenden. Das ist eine sehr kurze Antwort, die jedoch viel Komplexität mit sich bringt.

In den Workshops mit den Studierenden bekommt jede Gruppe nur eines der Prinzipien. Natürlich besteht die nächste Stufe darin, mehr Prinzipien zu integrieren.

Ich unterrichte Designtheorie an der Universität für angewandte Kunst und habe ein Projekt vorgeschlagen, bei dem ich Studierende betreue, die bereit sind, sich selbst herauszufordern, indem sie mehr als ein Projekt übernehmen. Dies entwickelt sich zu einem Bildungsprojekt.

Es ist schwierig, es ist herausfordernd, aber ich denke, es ist auch inspirierend.

Gab es einen bestimmten Grund, warum Sie sich für das Häkeln entschieden haben?

Bei der Gestaltung der Ausstellung wussten wir, dass wir unserem eigenen Titel folgen wollten. Das Häkeln der Korallenstrukturen faszinierte uns, weil es über die typische Designarbeit am Computer hinausgeht. Es gibt nur zwei Möglichkeiten, wie diese Häkelmuster wachsen und hyperbolische Formen erzeugen. Wir experimentierten mit diesen Formen und versuchten zu verstehen, welche Art von neuen, formgebenden Übungen daraus entstehen könnten. Wir fanden es interessant, wie sie sich je nach Raumaufteilung unterschieden. Wir wählten biologisch abbaubares Material, das aus einem natürlichen Kreislauf stammt. Es wurde anspruchsvoller, als wir begannen, diese Todesphase der Korallen nachzubilden, die eintritt, wenn die Korallenbleiche beginnt. Sie stoßen die Algen aus und werden weiß. In „Chasing Coral“ gibt es eine unglaubliche Sequenz, in der die Korallen im UV-Licht in diesen Blau-, Weiß- und Violett-Tönen leuchten, und wir wollten dies nachbilden. Wir fanden unterschiedliche Papierqualitäten, die verschiedene Arten von Weiß aufwiesen. Es war ein experimenteller Prozess, es gab viel Ausprobieren und Lernen, und natürlich dauerte diese Art der Produktion – das Häkeln – mehrere Wochen.

Gab es weitere große Herausforderungen, mit denen Sie zu kämpfen hatten?

Bei einer Wanderausstellung ist es ziemlich schwierig, an jedem Ort einen ähnlichen Ausdruck zu erzielen, und so entschieden wir uns für die Idee, einfach schwarze Räume zu verwenden, was sehr gut funktioniert. Man muss die Wände nicht schwarz streichen. Hier verschwenden Ausstellungen oft viele Materialien und Ressourcen. UV-Licht setzt alles in die gleiche Atmosphäre, und man verbraucht sehr wenig Energie, viel weniger als mit einem normalen Scheinwerfer.

Die Ausstellung wurde von vielen technischen Informationen begleitet. Wie haben Sie das Gleichgewicht zwischen Informationen und visuellen Eindrücken gefunden?

Dieses Gleichgewicht zu finden, ist eine Herausforderung. Der Schlüssel liegt im Übergang von degenerativen zu regenerativen Praktiken. Viele sehen Nachhaltigkeit als das Ziel, aber es ist nur ein Schritt auf dem Weg zu dem, was wir erreichen müssen. Die Menschen denken oft, dass „grün“ ausreicht, aber Nachhaltigkeit, selbst mit den Zielen der Vereinten Nationen, ist lediglich ein Übergang und nicht das endgültige Ziel.

Was war Ihr Lieblingsaspekt der Ausstellung? Worauf sind Sie am meisten stolz?

Ich bin ziemlich stolz darauf, dass die Ausstellung die Menschen auf unterhaltsame und inspirierende Weise zu verschiedenen ernsten Fragen über die Zukunft anregt. Wir hatten große Bedenken, da es nur sieben Exponate gab. Aber dann bekamen wir Feedback von Besuchern, dass es gut war, dass es nur sieben waren, weil sie anfingen, darüber nachzudenken, welche Exponate fehlen könnten. Ich denke, das hat ziemlich gut funktioniert, und wir werden sehen, wie wir es in Zukunft weiterentwickeln.

Haben Sie eine positive Erwartung in Bezug auf die Korallenriffe und die Fähigkeit der Menschheit zur Regeneration?

Ich denke, die Bereitschaft, so wunderschöne Ökosysteme zu retten, ist groß. Ich sehe es als eine Metapher dafür, was Design leisten kann. Es schafft diese schöne Zukunft, in die wir investieren können und die uns gefällt.

Haben Sie Reaktionen erhalten, die Ihnen besonders aufgefallen sind?

Für mich ist das schönste Erlebnis dieser Austausch mit lokalen Akteuren. Es gab eine Geschichte in Sarajevo. Die Kunstuniversität hat einen Designkurs, den sie nachhaltiges Design nannten. Nach der Ausstellung sagte der Professor zu mir, vielleicht sollten wir es in regeneratives Design umbenennen.

Wo sehen Sie die Korallenriffe in 10 Jahren?

Die entscheidenden Fragen sind, welche Praktiken wir abschaffen wollen und welche Veränderungen wir anstreben. Wenn Menschen aus ihren gewohnten Rollen heraustreten, erkennen sie die Notwendigkeit, schädliche Praktiken aufzugeben. Wir stecken in veralteten Geschäftskonzepten fest, nicht weil wir es nicht besser wissen, sondern weil uns das Vertrauen in Alternativen fehlt. Das ist eine typische Übergangsphase. Ich hoffe, dass diese Initiative einige dazu ermutigt, diese Alternativen auszuprobieren.

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