{"id":57160,"date":"2025-09-01T14:12:12","date_gmt":"2025-09-01T12:12:12","guid":{"rendered":"https:\/\/luxiders.com\/?p=57160"},"modified":"2025-09-02T08:33:05","modified_gmt":"2025-09-02T06:33:05","slug":"fashion-positions-2025-berliner-labels-definieren-die-schnittstelle-von-kunst-und-mode-neu","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/luxiders.com\/de\/fashion-positions-2025-berliner-labels-definieren-die-schnittstelle-von-kunst-und-mode-neu\/","title":{"rendered":"Fashion Positions 2025: Berliner Labels definieren die Schnittstelle von Kunst und Mode neu"},"content":{"rendered":"
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Entdecke Fashion Positions 2025 am Flughafen Tempelhof in Berlin. Vom 11.\u201314. September pr\u00e4sentieren zwanzig Berliner Labels unabh\u00e4ngige Mode als Kunst \u2014 mit Nachhaltigkeit, konzeptionellem Design und gesellschaftlicher Relevanz im Mittelpunkt.<\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n

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Berlin Fashion Week 2025 erweitert ihren Horizont\n<\/h2>\n

Vom 11. bis 14. September 2025 kehrt Fashion Positions in seiner siebten Ausgabe in den Hangar 7 des Flughafens Tempelhof zur\u00fcck \u2014 und verwandelt Berlin erneut in eine B\u00fchne, auf der Kunst und Mode nahtlos ineinandergreifen. Parallel zur Positions Berlin Art Fair pr\u00e4sentiert diese interdisziplin\u00e4re Plattform 20 Berliner Labels und bekr\u00e4ftigt damit die Rolle der Stadt als Hauptstadt f\u00fcr experimentelle, nachhaltige und gesellschaftlich engagierte Mode.<\/p>\n

In einer r\u00e4umlich offenen, installativen Architektur werden Kleidungsst\u00fccke zu weit mehr als Kollektionen: Sie sind konzeptionelle Statements, textile Objekte und k\u00fcnstlerische Ausdrucksformen. Unter dem Motto \u201eCollect Fashion. Wear Art\u201c positioniert die Initiative Mode fernab des schnelllebigen Konsumismus und pl\u00e4diert stattdessen f\u00fcr Handwerkskunst, kritisches Denken und den kulturellen Wert von Kleidung.<\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n

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\u00a9 Photo by Tuan Phong Phan for CBUI<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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Das Beste von Berlins Independent Voices\n<\/h2>\n

Aus einer gro\u00dfen Anzahl von Bewerbungen w\u00e4hlten die Kuratorinnen Diandra Donecker (Villa Grisebach) und Dao Tran (Journalistin, Redakteurin) 20 Labels aus, deren Arbeiten Materialinnovation, \u00e4sthetisches Experiment und soziale Relevanz widerspiegeln. Ihre kombinierte Expertise in bildender Kunst, erz\u00e4hlerischer Redaktion und visueller Kommunikation verleiht dem Event einen pr\u00e4gnanten kuratorischen Blick.<\/p>\n

Die teilnehmenden Labels der kommenden Ausstellung sind:<\/strong><\/p>\n

Alexander Gigl<\/a> ist der Designer hinter dem gleichnamigen Label, das er 2024 w\u00e4hrend seines Studiums gr\u00fcndete. Gigl findet Sch\u00f6nheit in Zerst\u00f6rung und Unvollkommenheit und entwirft Kleidungsst\u00fccke, die Raum f\u00fcr Transformation lassen, sodass Tr\u00e4ger sie k\u00fcnftig rekontextualisieren und neu nutzen k\u00f6nnen. Inspiriert von historischen \u00c4sthetiken und Schneidertechniken verbindet er Vergangenheit und Gegenwart durch eine queere Perspektive.<\/p>\n

Die Installation zeigt Kleidungsst\u00fccke, die sich von einem K\u00f6rper in Textilform in einen anderen verwandeln. Sie sind durch Seile verbunden, die Teil eines der Kleidungsst\u00fccke sind. Das Werk untersucht den Zyklus von Zerst\u00f6rung und Rekonstruktion und hebt die transformative Kraft von Kleidung und K\u00f6rper hervor \u2014 die Metamorphose einer Form, die die Entstehung einer neuen erm\u00f6glicht.<\/p>\n

CBUI<\/a> ist ein in Berlin lebender Modedesigner mit vietnamesischen Wurzeln. Aufgewachsen in einer Zeit des sozialen Wandels zwischen Tradition und digitalem Zeitalter, sch\u00f6pft er gleicherma\u00dfen Inspiration aus kulturellem Erbe und der zeitgen\u00f6ssischen virtuellen Welt, in der Realit\u00e4t und Digitalit\u00e4t zunehmend verschmelzen. CBUIs Designphilosophie wurzelt in der genauen Beobachtung des Allt\u00e4glichen. Er entdeckt Poesie im \u00dcbersehenen, Sch\u00f6nheit im Absurden und M\u00f6glichkeiten im scheinbar Unm\u00f6glichen. Unerwartete Elemente und unkonventionelle Materialien verwandeln sich in tragbare Erz\u00e4hlungen.<\/p>\n

Das Kleid der Ausstellung ist von Theorien der Windbewegung inspiriert und entfaltet sein Volumen durch die Bewegung des Tr\u00e4gers. In der Installation, in der das Kleid statisch pr\u00e4sentiert wird, erzeugt ein Ventilator Luftzirkulation, um seine charakteristische Form sichtbar zu machen. Durch die bewusst reduzierte Inszenierung wird das Kleid als eigenst\u00e4ndiges Kunstwerk in den Mittelpunkt gestellt. Es spricht von Leichtigkeit, Bewegung und vom Dialog zwischen Technologie und Mode \u2014 eine stille Einladung, \u00fcber den Einfluss der Natur im Design nachzudenken.<\/p>\n

Claudia Skoda<\/a> gilt als Ikone der Berliner Avantgarde-Mode. 1975 gr\u00fcndete sie ihr eigenes Label und revolutionierte die Strickmode, indem sie unkonventionelle Materialien wie Lurex, Bast, Trinkhalme oder Magnetb\u00e4nder verwendete. Nach dem Mauerfall blieb sie in Berlin und er\u00f6ffnete L\u00e4den am Ku\u2019damm, in Mitte und im Prenzlauer Berg. Zu ihrer Kundschaft geh\u00f6rten Pers\u00f6nlichkeiten wie Cate Blanchett oder Ridley Scott. 2021 w\u00fcrdigte die Kunstbibliothek Berlin ihr Werk mit der gro\u00dfen Retrospektive \u201eClaudia Skoda. Dressed to Thrill\u201c.<\/p>\n

Bei den FASHION POSITIONS 2025 pr\u00e4sentiert sie eine speziell entwickelte H\u00e4keltechnik, die traditionelles Handwerk mit zeitgen\u00f6ssischer \u00c4sthetik verbindet. Diese neue Methode verleiht den textilen Objekten ihrer Installation eine skulpturale Leichtigkeit und unterstreicht erneut ihre Pionierrolle an der Schnittstelle von Mode, Kunst und Handwerk.<\/p>\n

Mira von der Osten ist eine deutsche Modedesignerin, ausgebildet an der Parsons School of Design in New York, und Gr\u00fcnderin des Berliner Labels CRUBA<\/a>. 2009 gegr\u00fcndet, mitten in der kreativen Energie von Berlin-Mitte, hat sich CRUBA seitdem zu einer unverwechselbaren Stimme innerhalb der unabh\u00e4ngigen Modeszene entwickelt.<\/p>\n

F\u00fcr die diesj\u00e4hrige Installation verwendet CRUBA eine VHS-Kopie der Anime-Serie \u201eAlice im Wunderland\u201c (1983). Was zun\u00e4chst wie ein schwarzes Band wirkt, offenbart lebendige, florale Bildwelten, die durch k\u00fcnstlerische Transformation zu einer halluzinatorischen Szenerie werden. Projektionen von erbl\u00fchenden Doppelbildern tanzen zwischen Wand und Objekt, w\u00e4hrend surreale \u201eRosenformationen\u201c sich wie r\u00e4tselhafte Figuren einf\u00fcgen \u2014 ein visueller Wink, der an die traumhaften und leicht schwindelerregenden Momente des Films erinnert. Das Werk spielt mit dem Zusammenspiel von Realit\u00e4t und Illusion: Der Blick verliert den Anfang und das Ende aus den Augen und wandert zwischen klar erkennbaren Formen und abstrakten Mustern. So wird das Videoband selbst zu einem poetischen Tr\u00e4ger einer neuen visuellen Sprache.<\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n

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\u00a9 Photo by Kai Witjes for Claudia Skoda<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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\u00a9Photo by Matt Jelonek\/Getty Images for Danny Reinke <\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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\u00a9 Photo by Fre\u0301de\u0301ric Hermann for Elodie Carstensen<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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\u00a9 Photo by Sylwia Makris for Esther Perbandt<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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Danny Reinke<\/a> ist Mitgr\u00fcnder und Designer des gleichnamigen Berliner Labels, das er gemeinsam mit Julien Kelch f\u00fchrt. Aufgewachsen in einer Fischerfamilie an der Szczeciner Lagune, entwickelte er fr\u00fch ein Bewusstsein f\u00fcr Natur, Ressourcen und Nachhaltigkeit. Diese Werte pr\u00e4gen bis heute seine Arbeit \u2014 von der Verwendung von Deadstock-Materialien bis hin zu ma\u00dfgeschneiderten St\u00fccken, die Langlebigkeit \u00fcber Massenproduktion stellen.<\/p>\n

Die Installation inszeniert eine symbolische Jagdszene: Ein J\u00e4ger steht der mythischen Kreatur des Einhorns gegen\u00fcber. Der Boden, bedeckt mit Rindenmulch, Bl\u00e4ttern und Waldpflanzen, schafft eine dichte, atmosph\u00e4rische Waldszenerie. Im Kontrast zu diesem realistisch rekonstruierten Waldboden steht die surreale Figur des Einhorns, die Freiheit, Unschuld und das Unantastbare verk\u00f6rpert. Die Jagd verweist auf die ewige Spannung zwischen Mensch und Natur, Gewalt und Schutz, Begehren und Unber\u00fchrbarkeit. Der Versuch, das Fantastische zu jagen, wird zur Metapher f\u00fcr den Konflikt zwischen menschlicher Gier und der Suche nach Freiheit.<\/p>\n

Elodie Carstensen<\/a> erschafft demi-couture, in der Neo-Romantik auf Futurismus trifft. Im Spannungsfeld zwischen moderner Weiblichkeit und Theatralik entstehen poetische Designs als nat\u00fcrliche Konsequenz einer Gesellschaft des Spektakels.<\/p>\n

Inspiriert von der widerspr\u00fcchlichen Ikonografie der Johanna von Orl\u00e9ans \u2013 Kriegerin, Heilige, Hexe, Rebellin \u2013 dekonstruiert JNN D\u2019RC ihre Erz\u00e4hlung in Fragmente. Die Kollektion verbindet royale Silhouetten mit rohen Materialien: gef\u00e4rbte Kaffees\u00e4cke treffen auf flie\u00dfende Seide, w\u00e4hrend 24-kar\u00e4tiges Blattgold ein Kleid umh\u00fcllt, das sich bei jeder Bewegung aufl\u00f6st \u2013 eine verschwindende Statue einer Heiligen, die nie nur das eine war. Zwischen Luxus und Rauheit erforschen die Designs Themen wie weibliche Wut und Verehrung, Ritual und Hingabe.<\/p>\n

Esther Perbandt<\/a> gr\u00fcndete 2004 ihr gleichnamiges Mode- und Schmucklabel in Berlin. Sie ist nicht nur Designerin, sondern auch Vision\u00e4rin, Performerin und K\u00fcnstlerin an der Schnittstelle von Mode und Kunst.<\/p>\n

Ihre Arbeit geht auf ihre Einzelausstellung in der Galerie Jochen Hempel in Leipzig (2021) zur\u00fcck. Ein schwerer Wasserschaden im Lager erforderte tagelanges Trocknen mit Hei\u00dfluft und st\u00e4ndiges Wenden. Das Ergebnis war ein fast unrettbarer, \u00fcberdimensionierter Textilknoten \u2013 wild verfilzt wie Haare nach einer langen Motorradfahrt. Kurz bevor das St\u00fcck entsorgt werden sollte, entstand die Idee zu ORDER \/ DISORDER: eine mehrt\u00e4gige Live-Performance, die versuchte, dem Textilchaos wieder Struktur und Ordnung zu geben.<\/p>\n

In der dreit\u00e4gigen Performance wurde Esther Perbandt selbst Teil des Geflechts. Gekleidet in ein cham\u00e4leonartiges Ganzk\u00f6rperkost\u00fcm aus denselben schwarzen Baumwollstreifen verschmolz sie visuell mit der Arbeit. Als lebendiger Bestandteil der Skulptur blieb sie im Inneren \u2014 k\u00e4mmend, sortierend, entwirrend. Eine physische wie meditative Auseinandersetzung mit Struktur und Chaos.<\/p>\n

Fiona Bennett<\/a> ist eine vision\u00e4re und international renommierte Hutmacherin. Mit feinem Gesp\u00fcr f\u00fcr \u00c4sthetik und Funktionalit\u00e4t schafft sie einzigartige H\u00fcte, die nicht nur stilvoll, sondern auch bedeutungsvoll sind, und interpretiert ein fast vergessenes Handwerk zeitgem\u00e4\u00df neu. Als Haute-Couture-Hutmacherin hat sie Sammler auf der ganzen Welt.<\/p>\n

Mit ihrer Kollektion \u201eSurvival Hat\u201c erz\u00e4hlt Fiona Bennett Geschichten von Resilienz und Selbstfindung. Die H\u00fcte fungieren als sch\u00fctzende Oasen in turbulenten Zeiten und laden Tr\u00e4ger dazu ein, ihre Identit\u00e4t zu hinterfragen, innere St\u00e4rke zu entdecken und den Mut zu finden, den Herausforderungen des Lebens zu begegnen. Sorgf\u00e4ltig ausgew\u00e4hlte Materialien vereinen Nachhaltigkeit und Funktionalit\u00e4t. Langlebiger Filz und unerwartete Fundst\u00fccke verschmelzen zu tragbaren Kunstwerken, die die Verbindung zur Erde und zueinander betonen. Jeder Survival Hat wird so zu einem Begleiter f\u00fcr K\u00f6rper, Geist und Seele.<\/p>\n

FORMAT:<\/a> ist ein Berliner Schmucklabel, das Identit\u00e4t, Transformation und individuelle Ausdruckskraft aus einer interdisziplin\u00e4ren Perspektive erforscht. 2025 von Izabella Haldzinska und Antonia Sieve gegr\u00fcndet \u2014 einem queeren Designerinnen-Duo, das sich w\u00e4hrend des Modestudiums kennenlernte \u2014 versteht sich das Label als inklusiv, genderneutral und zug\u00e4nglich.<\/p>\n

\u201eLiminal Forms\u201c l\u00e4dt dazu ein, Raum, K\u00f6rper und Objekt als fortlaufenden Dialog wahrzunehmen: ein Moment der Transformation, in dem Schmuck zum Tr\u00e4ger von Identit\u00e4t und zum nonverbalen Medium zwischen Material, Tr\u00e4ger und Umwelt wird. Schwebende Mooskulpturen, zart befestigt an feinen Stahlseilen, treffen auf moosbedeckte Betonfundamente. Die rohe Materialit\u00e4t brutaler Architektur begegnet der Vitalit\u00e4t von Moos und Pflanzen \u2014 eine symbiotische Spannung zwischen Industrie und Natur. Begleitet wird die Installation von einer Klanglandschaft aus urbanen Atmosph\u00e4ren, fragmentierten Stimmen und subtilen Soundebenen.<\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n

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\u00a9 Photo by Tommy Lee John for FORMAT<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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\u00a9 Photo by Marc Aldinger for Haderlump<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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\u00a9 Photo by Ines Bahr for Haderlump<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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\u00a9 Photo by Iona Dutz for Show Studio Karen Jessen <\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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\u00a9 Photo by Iona Dutz for Show Studio Karen Jessen <\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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Haderlump Atelier Berlin<\/a> wurde 2021 in Berlin gegr\u00fcndet. Das Label versteht Mode als k\u00fcnstlerisches Medium, das Geschichten erz\u00e4hlt und textile Formen mit konzeptioneller Tiefe verbindet.<\/p>\n

Vor der Papierinstallation \u2014 bestehend aus neun Narrativen \u00fcber Haderlump Atelier Berlin \u2014 stehen drei Kleider, die die letzten drei Kollektionen des Labels repr\u00e4sentieren. Die Installation verweist auf die j\u00fcngste Kollektion: die Fr\u00fchjahr\/Sommer-Show 2026 \u201eEX LIBRIS\u201c, bei der zwei 4×3 Meter gro\u00dfe Papierboxen als B\u00fchnendesign eingesetzt wurden. Gezeigt werden: Look 26 aus SS26 \u201eEX LIBRIS\u201c, ein Kleid aus Ramie (einem leinen\u00e4hnlichen Stoff); Look 26 aus AW26 \u201eSOLIVAGANT\u201c, ein ein\u00e4rmliges Kleid aus grauem Denim; und Look 21 aus SS25 \u201eAERO\u201c, ein wei\u00dfes Kleid aus einem alten Fallschirm.<\/p>\n

Karen Jessen<\/a>, urspr\u00fcnglich aus Nordfriesland, lie\u00df sich in Berlin zur Schneiderin ausbilden, bevor sie Modedesign und Schnitttechnik studierte. 2012 gr\u00fcndete sie ihr eigenes Label. Ihr kreatives Spektrum umfasst Mode, Kost\u00fcm- und Interior-Design, ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Skulptur und tragbarer Kunst.<\/p>\n

Eine gro\u00dfformatige, durchscheinende Textilinstallation entfaltet sich schwebend im Raum. Zarte Stoffbahnen erzeugen eine poetische Bewegung \u2014 eine fragile Erscheinung, die den Raum mit Leichtigkeit und stiller Spannung f\u00fcllt. Luftgew\u00e4chs<\/em> \u00f6ffnet einen Raum, in dem Textilien ihre konventionelle Rolle \u00fcberschreiten \u2014 nicht als Dekoration, sondern als selbstbewusste, strukturelle k\u00fcnstlerische Kraft.<\/p>\n

Getrieben vom Wunsch, die Erz\u00e4hlung von Weiblichkeit zur\u00fcckzufordern und neu zu schreiben, stellt Lilian Brade<\/a> bewusst Tabus um den weiblich gelesenen und queeren K\u00f6rper infrage. Ihre Arbeit unterl\u00e4uft traditionelle Sch\u00f6nheitsvorstellungen und pr\u00e4sentiert Weiblichkeit in all ihren Facetten.<\/p>\n

Geburt, Entwicklung, Sexualit\u00e4t, Mutterschaft, Tod, Wiedergeburt \u2014 dieser Zyklus wird in \u201eThe Feminine Urge\u201c erforscht, einem interdisziplin\u00e4ren Werk, das Mode, Performance und Film vereint. Im Zentrum: monstr\u00f6se Weiblichkeit.<\/p>\n

Marie-Louise M\u00fcller<\/a> x Ute Faber ist ebenfalls Teil der Ausstellung. Die Slow-Fashion-Designerin aus Hessen, heute in Berlin ans\u00e4ssig, fertigt handgemachte Kleidungsst\u00fccke, die sowohl konzeptuell gepr\u00e4gt als auch emotional ausdrucksstark sind. Sie glaubt, dass Verantwortung Kreativit\u00e4t antreiben kann, da nachhaltige Praktiken zunehmend von Designer:innen erwartet werden. Innerhalb der Traditionen der Haute Couture, ausschlie\u00dflich mit Naturstoffen und Upcycling arbeitend, trifft sie Entscheidungen, die Achtsamkeit und Best\u00e4ndigkeit ausdr\u00fccken.<\/p>\n

Ihre Arbeiten wurden 2025 beim Berliner Salon gezeigt und 2024 bei Neo.Fashion mit dem Best Craftsmanship Award ausgezeichnet.<\/p>\n

Maximilian Gedra<\/a>, Designer des gleichnamigen High-Fashion-Labels, bringt eine radikal avantgardistische Handschrift in die internationale Modeszene. Geboren in Mannheim und gepr\u00e4gt von Berlins pulsierender Avantgarde-Kultur, entwickelte er fr\u00fch eine Leidenschaft f\u00fcr die Dekonstruktion traditioneller Mode\u00e4sthetik.<\/p>\n

Die Installation THE COUTURE OF REBIRTH<\/em> schafft einen Raum, in dem Mode, Kunst und Handwerkspr\u00e4zision in ein konzeptionelles Spiel eintreten. Im Zentrum stehen zwei Couture-St\u00fccke, bemerkenswert nicht nur durch ihre Materialit\u00e4t, sondern auch durch formale Klarheit und Detailtiefe: eines aus \u00fcber 35.000 handgen\u00e4hten Upcycling-Kn\u00f6pfen, das andere aus 26.000 von Hand arrangierten Sicherheitsnadeln. Dahinter entfaltet sich eine dreidimensionale Raumkomposition \u2014 eine immersive \u00dcbersetzung der \u00e4sthetischen Sprache des Labels: Material, Struktur, Form.<\/p>\n

Das Berliner Label Nadine Aurin<\/a> wurde 2024 gegr\u00fcndet und steht f\u00fcr konzeptionelles Design, das gesellschaftliche und politische Themen kritisch und sensibel reflektiert. Mode wird hier als Medium f\u00fcr Reflexion, Aktivismus und Ver\u00e4nderung verstanden.<\/p>\n

Weib<\/em> schafft einen markanten Kontrast zwischen Zartheit und Widerstand, Nostalgie und Bruch. Die Installation fordert Betrachter:innen auf, Machtstrukturen zu hinterfragen, die private Gewaltakte erm\u00f6glichen und verschleiern.<\/p>\n

Gegr\u00fcndet 2023 in Berlin von Estelle Adeline Trasoglu, ist Plaid-\u00e0-Porter<\/a> eine Liebeserkl\u00e4rung an die unsichtbaren Geschichten von Vintage-Textilien. Franz\u00f6sische Gobelins, handgeh\u00e4kelte Plaids, hundert Jahre alte Patchwork-Quilts \u2014 Relikte vergangener Leben \u2014 werden hier nicht nur recycelt, sondern rituell transformiert. Jedes St\u00fcck wird zur tragbaren Geschichte, zur Feier traditioneller Handwerkskunst.<\/p>\n

In \u201eDangerous Liaisons\u201c entsteht eine intime Szene \u2014 irgendwo zwischen dem 18. Jahrhundert und der Gegenwart. Ein Tisch, bedeckt mit antiken H\u00e4keldecken. Darauf: ein aufgeschlagenes Briefroman, zwei Weingl\u00e4ser, schweres Silber, s\u00fc\u00dfe Traubenf\u00fclle. Ein handgeschriebener Brief erz\u00e4hlt von Begehren und Verrat.<\/p>\n

RauFaser<\/a> ist ein Berliner Label, das Kunst, Gemeinschaft und Handwerk verbindet, um Kleidung als Form individueller Ausdruckskraft zu schaffen.<\/p>\n

Vier vollst\u00e4ndige Looks, geformt in Epoxidharz, sind auf wei\u00dfen Monoblockst\u00fchlen eingefroren \u2014 ein erstarrter Schnappschuss des Alltags. Dahinter spiegelt reflektierende Folie die Szene und integriert die Besucher:innen in das Werk. Die Spiegelung l\u00e4dt nicht nur zur Selbstpositionierung ein, sondern auch dazu, sich als Teil von RauFaser zu sehen und die Erfahrung fotografisch festzuhalten. Die Installation verdeutlicht die zentrale Idee der Marke: Mode als kollektives, interaktives Erlebnis, das verbindet statt auszugrenzen.<\/p>\n

Gegr\u00fcndet 2024 von Cristian Huygens und Natalia Golubenko, ist Selva Huygens<\/a> ein Berliner Label, das nachhaltige Mode mit avantgardistischem Design verbindet. Cristian, urspr\u00fcnglich aus Argentinien, bringt einen Hintergrund in Architektur und Industriedesign mit. Natalia, ausgebildet in internationalem Journalismus, integriert multimediale Kunst, Performance und Mode.<\/p>\n

Die Installation Just Born<\/em> zeigt Materialien aus der Arbeit mit recycelten Autoteilen: Sto\u00dfstangen, T\u00fcren, Kofferraumdeckel, Scheinwerfer und verschiedene Kunststoffelemente, die sowohl strukturelle als auch \u00e4sthetische Funktionen \u00fcbernehmen. Im Zentrum steht eine Schaufensterpuppe mit einem Look aus der Ready-to-Wear-Kollektion, kombiniert mit einer umgeformten BMW-Sto\u00dfstange als tragbare Skulptur \u2013 ein Symbol f\u00fcr die Transformation von Industrieabfall in funktionale Mode und tragbare Kunst.<\/p>\n

Durch ihre k\u00fcnstlerische Erz\u00e4hlung reflektiert Vanessa Baernthol<\/a> die Verschmelzung gef\u00fcrchteter Artefakte mit der anmutigen Ber\u00fchrung der Vergangenheit im zeitgen\u00f6ssischen Kontext.<\/p>\n

Die Installation Born In Two<\/em> interpretiert den unver\u00f6ffentlichten Twin Look aus der SS26-Kollektion \u201eVENEER\u201c. Zwilling, Geburt, Stoff \u2014 vom Webstuhl genommen, entrollt, aufgetrennt, in ein Kleid, eine Form, eine Pr\u00e4senz verwandelt. Dualit\u00e4t und Gegens\u00e4tze im Gleichgewicht. Verbindung, Neugier, Befreiung. Transformation als Schl\u00fcssel zur inneren Freiheit. Facetten des Selbst \u2014 bewusst gelebt, bewusst verborgen. Wiederkehrende, \u00e4hnliche Momente \u2014 doch niemals identisch.<\/p>\n

Seit 2025 entwickelt Yannic Pretzlaff<\/a> Arbeiten an der Schnittstelle von Mode, Skulptur und Raum. Als gelernter Schneider und gepr\u00e4gt durch sein Modestudium an der Universit\u00e4t der K\u00fcnste Berlin versteht er Kleidung als Medium zur Auseinandersetzung mit formalen und r\u00e4umlichen Fragen.<\/p>\n

Die ausgew\u00e4hlten Arbeiten dokumentieren den Weg zum fertigen Kleidungsst\u00fcck: experimentelle Silhouetten und Materialstudien bilden die Grundlage f\u00fcr Pretzlaffs modulare, transformierbare Designs im Sinne von \u201eConstructed Comfort\u201c, die die Spannung zwischen Halt und Freiheit, K\u00f6rper und Raum erforschen. Sein Ansatz verbindet pr\u00e4zises Handwerk mit konzeptioneller Forschung. Material, Form und Silhouette werden zum Ausgangspunkt f\u00fcr Kleidung als architektonisches, tragbares Experiment \u2014 autonom als Objekt und zugleich voll funktional.<\/p>\n

In diesem Jahr pr\u00e4sentiert Caroline Kynast zudem eine Sonderausstellung: M\u00c4NNERSACHE<\/em>, eine fotografische Erkundung von M\u00e4nnlichkeit als kreative, beobachtbare und inszenierte Realit\u00e4t. Ein Teil des Erl\u00f6ses aus den gezeigten Arbeiten kommt einem wohlt\u00e4tigen Zweck zugute \u2014 ein weiterer Ausdruck der ethischen Ausrichtung der Veranstaltung.<\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n

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\u00a9 Stefanie Ritter for Lilian Brade<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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\u00a9 Photo by Stefano Giovanni Giuliano for Maximilian Gedra<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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\"Maximilian<\/div>
\u00a9 Photo by Stefano Giovanni Giuliano for Maximilian Gedra<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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\u00a9 Photo by Svenja Blobel for Plaid-\u00e0-Porter<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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Warum Fashion Positions wichtig ist\n<\/h2>\n

In einer \u00c4ra von Greenwashing<\/a> und Fast Fashion setzt Fashion Positions auf Authentizit\u00e4t. Die installativen Pr\u00e4sentationen widersetzen sich jeder Vereinfachung und fordern Zeit und Aufmerksamkeit. Jedes Kleidungsst\u00fcck wird zu einem Dialog: zwischen Material und Macher, zwischen Form und Gesellschaft, zwischen Kunst und Tr\u00e4ger. Als Teil der Berlin Art Week 2025 sch\u00e4rft die Plattform weiterhin ihre Rolle als einzigartige Br\u00fccke zwischen den Disziplinen. Seit seiner Gr\u00fcndung im Jahr 2019 bietet Fashion Positions unabh\u00e4ngigen Modelabels eine B\u00fchne au\u00dferhalb rein kommerzieller Formate. \u201eVon Anfang an war unser Ziel, Mode in einem Kontext zu zeigen, der sie nicht auf Funktion oder Kommerz reduziert\u201c, erkl\u00e4rt Kristian Jarmuschek, Gr\u00fcnder von Fashion Positions. \u201eDiese Labels arbeiten kreativ, konzeptionell, denken gesellschaftlich und gestalten mit \u00dcberzeugung \u2014 und das verdient Raum.\u201c<\/p>\n

In diesem Geist versteht die Veranstaltung Mode als kulturelle Kraft: als Kunstform, die auf soziale und \u00f6kologische Herausforderungen reagiert. Besucher:innen erleben Berliner Labels nicht als Produkte, sondern als in Textilien verwobene Ideen \u2014 eine Einladung, \u00fcber Nachhaltigkeit, Identit\u00e4t und die Geschichten, die Kleidung transportiert, nachzudenken.<\/p>\n

Begleitend zur Ausstellung erm\u00f6glicht der Fashion Passion Shop den Besucher:innen, ausgew\u00e4hlte St\u00fccke direkt von den Labels zu erwerben. Dieses Einkaufserlebnis steht im Einklang mit dem Ethos des Events: Slow Fashion, bewusste Entscheidungen, tragbare Kunst.<\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n

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\"Yannic<\/div>
\u00a9 Andreas Hofrichter for Yannic Pretzlaff<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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\u00a9 Mario Ilic for Yanic Pretzlaff<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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\n<\/i>\u00a9 Sylwia Makris for Esther Perbandt<\/i><\/strong><\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n ","protected":false},"excerpt":{"rendered":"","protected":false},"author":2,"featured_media":57205,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"_acf_changed":false,"footnotes":""},"categories":[1221,1194],"tags":[],"class_list":{"0":"post-57160","1":"post","2":"type-post","3":"status-publish","4":"format-standard","5":"has-post-thumbnail","7":"category-kunst-kultur","8":"category-nachhaltig-luxus-mode"},"acf":[],"yoast_head":"Fashion Positions: Die Schnittstelle von Kunst und Mode neu definiert<\/title>\n<meta name=\"description\" content=\"Entdecke Fashion Positions 2025. Vom 11.\u201314. 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