{"id":57161,"date":"2025-09-01T14:12:12","date_gmt":"2025-09-01T12:12:12","guid":{"rendered":"https:\/\/luxiders.com\/?p=57161"},"modified":"2025-10-07T11:01:13","modified_gmt":"2025-10-07T09:01:13","slug":"fashion-positions-2025-marcas-berlinesas-redefinen-la-interseccion-entre-arte-y-moda","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/luxiders.com\/es\/fashion-positions-2025-marcas-berlinesas-redefinen-la-interseccion-entre-arte-y-moda\/","title":{"rendered":"Fashion Positions 2025: Marcas berlinesas redefinen la intersecci\u00f3n entre arte y moda"},"content":{"rendered":"
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Descubre Fashion Positions 2025 en el Aeropuerto de Tempelhof, Berl\u00edn. Del 11 al 14 de septiembre, veinte marcas berlinesas presentar\u00e1n moda independiente como arte, con la sostenibilidad, el dise\u00f1o conceptual y la relevancia social en primer plano.<\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n

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La Semana de la Moda de Berl\u00edn 2025 ampl\u00eda sus horizontes\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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Del 11 al 14 de septiembre de 2025, Fashion Positions<\/strong> regresa en su s\u00e9ptima edici\u00f3n en el Hangar 7 del Aeropuerto de Tempelhof \u2014 transformando una vez m\u00e1s a Berl\u00edn en un escenario donde el arte y la moda se fusionan de manera fluida. En paralelo a Positions Berlin Art Fair, esta plataforma interdisciplinaria presenta 20 marcas berlinesas, reafirmando el papel de la ciudad como capital de la moda experimental, sostenible y socialmente comprometida.<\/p>\n

En una arquitectura espacialmente abierta, en formato de instalaci\u00f3n, las prendas se convierten en algo m\u00e1s que colecciones: son declaraciones conceptuales, objetos textiles y expresiones art\u00edsticas. Bajo el lema \u201cCollect Fashion. Wear Art\u201d, la iniciativa sit\u00faa la moda lejos del consumismo acelerado, defendiendo en su lugar la artesan\u00eda, el pensamiento cr\u00edtico y el valor cultural de la indumentaria.<\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n

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Lo mejor de las voces independientes de Berlin\n<\/h2>\n

De un gran n\u00famero de candidaturas, las curadoras Diandra Donecker (Villa Grisebach) y Dao Tran (periodista, editora) han seleccionado 20 marcas cuyo trabajo refleja innovaci\u00f3n material, experimentaci\u00f3n est\u00e9tica y relevancia social. Su experiencia combinada en arte, narrativa editorial y comunicaci\u00f3n visual aporta una mirada curatorial precisa al evento.<\/p>\n

Las marcas participantes en la pr\u00f3xima exposici\u00f3n son:<\/p>\n

Alexander Gigl<\/a> es el dise\u00f1ador detr\u00e1s de la marca hom\u00f3nima fundada en 2024 durante sus estudios. Gigl encuentra belleza en la destrucci\u00f3n y en lo inacabado, dise\u00f1ando prendas que dejan espacio para la transformaci\u00f3n, de modo que quienes las visten puedan recontextualizarlas y reutilizarlas en el futuro. Inspirado en est\u00e9ticas hist\u00f3ricas y t\u00e9cnicas de sastrer\u00eda, combina pasado y presente a trav\u00e9s de una lente queer.<\/p>\n

La instalaci\u00f3n presenta prendas que se transforman de un cuerpo, en forma textil, a otro. Est\u00e1n unidas por cuerdas, que forman parte de una de las prendas. La obra explora el ciclo de destrucci\u00f3n y reconstrucci\u00f3n, destacando el poder transformador de la ropa y del cuerpo \u2014la metamorfosis de una forma que permite la creaci\u00f3n de otra.<\/p>\n

CBUI<\/a> es un dise\u00f1ador de moda con sede en Berl\u00edn y ra\u00edces vietnamitas. Creci\u00f3 en un tiempo de cambios sociales entre tradici\u00f3n y era digital, y se inspira tanto en la herencia cultural como en el mundo virtual contempor\u00e1neo, donde la realidad y lo digital se fusionan cada vez m\u00e1s. La filosof\u00eda de dise\u00f1o de CBui se basa en la observaci\u00f3n cercana de lo cotidiano. Descubre poes\u00eda en lo inadvertido, belleza en lo absurdo y posibilidades en lo que parece imposible. Elementos inesperados y materiales poco convencionales se transforman en narrativas llevables.<\/p>\n

El vestido de la exposici\u00f3n est\u00e1 inspirado en teor\u00edas del movimiento del viento y despliega su volumen a trav\u00e9s del movimiento de quien lo lleva. En la instalaci\u00f3n, donde la prenda se presenta en forma est\u00e1tica, un ventilador genera circulaci\u00f3n de aire para revelar su forma caracter\u00edstica. A trav\u00e9s de una puesta en escena deliberadamente reducida, el vestido se coloca en el centro como obra de arte independiente. Habla de ligereza, movimiento y del di\u00e1logo entre tecnolog\u00eda y moda \u2014una silenciosa invitaci\u00f3n a reflexionar sobre la influencia de la naturaleza en el dise\u00f1o.<\/p>\n

Claudia Skoda<\/a> es considerada un \u00edcono de la moda vanguardista berlinesa. En 1975 fund\u00f3 su propia marca y revolucion\u00f3 el punto al utilizar materiales no convencionales como lurex, rafia, pajitas o cintas de casete. Tras la ca\u00edda del Muro de Berl\u00edn, permaneci\u00f3 en la ciudad y abri\u00f3 tiendas en Ku\u2019damm, Mitte y Prenzlauer Berg. Su clientela ha abarcado desde Cate Blanchett hasta Ridley Scott. En 2021, la Kunstbibliothek de Berl\u00edn honr\u00f3 su trayectoria con la gran retrospectiva Claudia Skoda. Dressed to Thrill.<\/em><\/p>\n

En esta edici\u00f3n de Fashion Positions, presenta una t\u00e9cnica de ganchillo desarrollada especialmente que combina la artesan\u00eda tradicional con la est\u00e9tica contempor\u00e1nea. Este nuevo m\u00e9todo otorga a los objetos textiles de su instalaci\u00f3n una ligereza escult\u00f3rica y subraya, una vez m\u00e1s, su papel pionero en la intersecci\u00f3n entre moda, arte y artesan\u00eda.<\/p>\n

Mira von der Osten es una dise\u00f1adora de moda alemana, formada en la Parsons School of Design de Nueva York y fundadora de la marca berlinesa CRUBA<\/a>. Fundada en 2009 en medio de la energ\u00eda creativa de Berl\u00edn-Mitte, CRUBA se ha consolidado como una voz distintiva dentro de la escena de moda independiente.<\/p>\n

Para la instalaci\u00f3n de este a\u00f1o, CRUBA utiliza una copia en VHS de la serie de anime Alice in Wonderland<\/em> (1983). Lo que parece ser una cinta negra revela im\u00e1genes vibrantes y florales que, a trav\u00e9s de la transformaci\u00f3n art\u00edstica, se convierten en una escenograf\u00eda alucinatoria. Proyecciones de im\u00e1genes dobles florecientes bailan entre la pared y el objeto, mientras que formaciones surrealistas de \u201crosas\u201d se insertan en la escena como figuras enigm\u00e1ticas \u2014un gui\u00f1o visual que evoca los momentos on\u00edricos y ligeramente vertiginosos de la pel\u00edcula. La obra juega con la interacci\u00f3n entre realidad e ilusi\u00f3n: la mirada pierde el rastro de comienzos y finales, vagando entre formas claramente reconocibles y patrones abstractos. De este modo, la cinta de v\u00eddeo en s\u00ed misma se convierte en portadora po\u00e9tica de un nuevo lenguaje visual.<\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n

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\u00a9Photo by Matt Jelonek\/Getty Images for Danny Reinke <\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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\u00a9 Photo by Fre\u0301de\u0301ric Hermann for Elodie Carstensen<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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\u00a9 Photo by Sylwia Makris for Esther Perbandt<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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Danny Reinke<\/a> es cofundador y dise\u00f1ador de la marca hom\u00f3nima con sede en Berl\u00edn, que dirige junto con Julien Kelch. Creci\u00f3 en una familia de pescadores en la Laguna de Szczecin, lo que le permiti\u00f3 desarrollar desde temprana edad una fuerte conciencia hacia la naturaleza, los recursos y la sostenibilidad. Estos valores siguen marcando su trabajo hoy en d\u00eda \u2014desde el uso de materiales deadstock hasta piezas a medida que enfatizan la longevidad por encima de la producci\u00f3n en masa.<\/p>\n

La instalaci\u00f3n escenifica una caza simb\u00f3lica: un cazador se enfrenta a la criatura m\u00edtica del unicornio. El suelo, cubierto de corteza, hojas y plantas del bosque, crea un entorno boscoso denso y atmosf\u00e9rico. En contraste con este suelo forestal reconstruido de forma realista se alza la figura surrealista del unicornio, que encarna libertad, inocencia e inalcanzable. The Hunt<\/em> alude a la eterna tensi\u00f3n entre humanidad y naturaleza, violencia y protecci\u00f3n, deseo e intangibilidad. El intento de cazar lo fant\u00e1stico se convierte en una met\u00e1fora del conflicto entre la codicia humana y la b\u00fasqueda de libertad.<\/p>\n

Impulsada por el deseo de crear mundos y contar historias que reflejen el espectro completo de la experiencia emocional, Elodie Carstensen<\/a> desarrolla demi-couture donde el neorromanticismo se encuentra con el futurismo. En la intersecci\u00f3n de la feminidad moderna y la teatralidad, sus dise\u00f1os po\u00e9ticos emergen como consecuencia natural de una sociedad del espect\u00e1culo.<\/p>\n

Inspirada en la iconograf\u00eda contradictoria de Juana de Arco \u2014guerrera, santa, bruja, rebelde\u2014 JNN D\u2019RC deconstruye su narrativa en fragmentos. La colecci\u00f3n fusiona siluetas regias con materiales crudos: sacos de caf\u00e9 te\u00f1idos se encuentran con sedas fluidas, mientras hojas de oro de 24 quilates envuelven un vestido que se disuelve con cada movimiento \u2014una estatua ef\u00edmera de una santa que nunca fue solo una cosa. Entre lujo y aspereza, los dise\u00f1os exploran temas de furia y veneraci\u00f3n femenina, ritual y devoci\u00f3n.<\/p>\n

Esther Perbandt<\/a> es la dise\u00f1adora detr\u00e1s de su marca berlinesa de moda y joyer\u00eda, fundada en 2004. Perbandt no es solo una creadora contempor\u00e1nea, tambi\u00e9n es visionaria, performer y artista que trabaja en la intersecci\u00f3n de moda y arte. Su obra tiene su origen en su exposici\u00f3n individual en la Galerie Jochen Hempel de Leipzig (2021). Un grave da\u00f1o por agua en el almac\u00e9n, meses atr\u00e1s, requiri\u00f3 d\u00edas de secado con aire caliente y giros constantes. El resultado fue un nudo textil de gran tama\u00f1o, casi irrecuperable, semejante al cabello enmara\u00f1ado tras un largo viaje en motocicleta. Justo antes de descartar la pieza, surgi\u00f3 la idea de Order\/Disorder<\/em>: una performance en vivo de varios d\u00edas intentando devolver estructura y orden al caos textil.<\/p>\n

En la performance de tres d\u00edas, la propia Esther Perbandt se convierte en parte del enredo. Vestida con un traje de cuerpo completo, camale\u00f3nico, confeccionado con las mismas tiras de algod\u00f3n negro, se funde visualmente con la obra. Como componente vivo de la escultura, permanece dentro de ella \u2014peinando, ordenando, desenredando. Una exploraci\u00f3n f\u00edsica y a la vez meditativa entre la estructura y el caos.<\/p>\n

Fiona Bennett<\/a> es una visionaria y reconocida artista de sombreros a nivel internacional. Con un refinado sentido est\u00e9tico y funcional, crea piezas \u00fanicas que no solo son estilosas, sino tambi\u00e9n significativas, reinterpretando de manera contempor\u00e1nea un oficio casi olvidado. Como sombrerera de alta costura, cuenta con coleccionistas en todo el mundo.<\/p>\n

Con su colecci\u00f3n Survival Hat, Fiona Bennett narra historias de resiliencia y autodescubrimiento. Los sombreros act\u00faan como oasis protectores en tiempos turbulentos, invitando a quienes los llevan a cuestionar su identidad, descubrir su fuerza interior y encontrar el coraje para enfrentar los desaf\u00edos de la vida. Materiales cuidadosamente seleccionados re\u00fanen sostenibilidad y funcionalidad. El fieltro duradero y objetos encontrados inesperados se funden en obras de arte portables. Enfatizan la conexi\u00f3n con la tierra y con los dem\u00e1s, haciendo de cada Survival Hat un compa\u00f1ero para el cuerpo, la mente y el alma.<\/p>\n

FORMAT:<\/a> es una marca berlinesa de joyer\u00eda que explora la identidad, la transformaci\u00f3n y la expresi\u00f3n individual desde una perspectiva interdisciplinar. Fundada en 2025 por Izabella Haldzinska y Antonia Sieve \u2014un d\u00fao de dise\u00f1adoras queer que se conocieron durante sus estudios de moda y que desde entonces desarrollan sus visiones juntas\u2014 la firma se define como inclusiva, gender-neutral y accesible.<\/p>\n

Liminal Forms nos invita a percibir el espacio, el cuerpo y el objeto como un di\u00e1logo constante: un momento de transformaci\u00f3n en el que la joyer\u00eda se convierte en portadora de identidad y en un medio de comunicaci\u00f3n no verbal entre material, portador y entorno. Esculturas de musgo suspendidas, delicadamente sujetas a finos cables de acero, acompa\u00f1adas de cimientos de hormig\u00f3n cubiertos de musgo. La materialidad cruda de la arquitectura brutalista se encuentra con la vitalidad del musgo y las plantas \u2014una tensi\u00f3n simbi\u00f3tica entre industria y naturaleza. Todo ello acompa\u00f1ado por un paisaje sonoro de atm\u00f3sferas urbanas, voces fragmentadas y sutiles capas sonoras.<\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n

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\u00a9 Photo by Tommy Lee John for FORMAT<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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\u00a9 Photo by Marc Aldinger for Haderlump<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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\u00a9 Photo by Ines Bahr for Haderlump<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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\u00a9 Photo by Iona Dutz for Show Studio Karen Jessen <\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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Haderlump Atelier Berlin<\/a> fue fundado en 2021 en Berl\u00edn. La firma concibe la moda como un medio art\u00edstico que cuenta historias y conecta formas textiles con profundidad conceptual. Frente a la instalaci\u00f3n en papel \u2014compuesta por nueve narrativas sobre Haderlump Atelier Berlin\u2014 se alzan tres vestidos que representan las tres \u00faltimas colecciones de la marca. La instalaci\u00f3n hace referencia a la colecci\u00f3n m\u00e1s reciente: el desfile Primavera\/Verano 2026 \u201cEX LIBRIS\u201d, en el que se utilizaron dos cajas de papel de 4×3 metros como escenograf\u00eda en la pasarela. Los vestidos expuestos son: Look 26 de SS26 \u201cEX LIBRIS\u201d, un vestido confeccionado en ramio (un tejido similar al lino); Look 26 de AW26 \u201cSOLIVAGANT\u201d, un vestido de una sola manga en denim gris; y Look 21 de SS25 \u201cAERO\u201d, un vestido blanco hecho a partir de un antiguo paraca\u00eddas.<\/p>\n

Karen Jessen<\/a>, originaria de Frisia del Norte, se form\u00f3 como modista en Berl\u00edn antes de estudiar dise\u00f1o de moda y patronaje. En 2012 fund\u00f3 su propia marca. Su espectro creativo abarca moda, vestuario y dise\u00f1o de interiores, situando sus obras entre la escultura y el arte portable.<\/p>\n

Una instalaci\u00f3n textil transl\u00facida a gran escala se despliega con una presencia flotante en el espacio. Paneles de delicadas telas generan una sensaci\u00f3n po\u00e9tica de movimiento \u2014una aparici\u00f3n fr\u00e1gil que llena la sala de ligereza y tensi\u00f3n contenida. Luftgew\u00e4chs abre un espacio donde los textiles trascienden su papel convencional \u2014no como decoraci\u00f3n, sino como una fuerza art\u00edstica estructural y con identidad propia.<\/p>\n

Impulsada por el deseo de reclamar y reescribir la narrativa de la feminidad, Lilian Brade<\/a> desaf\u00eda conscientemente los tab\u00faes que rodean al cuerpo femenino y queer. Su trabajo subvierte las nociones tradicionales de belleza y presenta la feminidad en todas sus facetas. Nacimiento, desarrollo, sexualidad, maternidad, muerte, renacimiento: este es el ciclo que explora en \u201cThe Feminine Urge\u201d, una obra interdisciplinar que une moda, performance y cine. En su centro: la monstruosidad femenina.<\/p>\n

Marie-Louise M\u00fcller<\/a> x Ute Faber es otra de las dise\u00f1adoras presentes en esta exposici\u00f3n. Esta creadora de slow fashion, originaria de Hessen y actualmente afincada en Berl\u00edn, confecciona prendas a mano que son tanto conceptuales como emocionalmente expresivas. Su trabajo parte de la convicci\u00f3n de que la responsabilidad puede alimentar la creatividad, dado que se espera de los dise\u00f1adores un compromiso real con pr\u00e1cticas sostenibles. Dentro de las tradiciones de la alta costura y fiel a sus principios \u2014como trabajar exclusivamente con tejidos naturales e incorporar pr\u00e1cticas de upcycling\u2014 se esfuerza por tomar decisiones que reflejen cuidado, intenci\u00f3n y la justificaci\u00f3n de un lugar a largo plazo en la industria.<\/p>\n

Su trabajo ha sido presentado en Der Berliner Salon (2025) y premiado con el galard\u00f3n a la Mejor Artesan\u00eda en Neo.Fashion (2024) \u2014experiencias que han reforzado su compromiso con el slow fashion.<\/p>\n

Maximilian Gedra<\/a>, dise\u00f1ador detr\u00e1s de su marca de alta costura, ha llevado una firma radicalmente vanguardista a la escena internacional. Nacido en Mannheim e influenciado profundamente por la vibrante cultura avant-garde de Berl\u00edn, Gedra desarroll\u00f3 desde temprano una pasi\u00f3n por deconstruir las est\u00e9ticas tradicionales de la moda.<\/p>\n

La instalaci\u00f3n art\u00edstica THE COUTURE OF REBIRTH crea un espacio donde la moda, el arte y la precisi\u00f3n artesanal convergen en un juego conceptual. En su centro destacan dos piezas de alta costura, notables no solo por su materialidad, sino tambi\u00e9n por su claridad formal y profundidad de detalle: una confeccionada con m\u00e1s de 35.000 botones reciclados cosidos a mano, y otra compuesta por 26.000 imperdibles dispuestos manualmente. Tras ellas se despliega una composici\u00f3n espacial tridimensional \u2014una traducci\u00f3n inmersiva del vocabulario est\u00e9tico de la marca: material, estructura, forma.<\/p>\n

La firma berlinesa Nadine Aurin<\/a>, fundada en 2024, apuesta por el dise\u00f1o conceptual que reflexiona de manera cr\u00edtica y sensible sobre cuestiones sociales y pol\u00edticas. Aqu\u00ed, la moda se entiende como un medio de reflexi\u00f3n, activismo y cambio. Weib<\/em> (Mujer) crea un contraste impactante entre delicadeza y resistencia, nostalgia y ruptura. La instalaci\u00f3n invita a los espectadores a cuestionar las estructuras de poder que permiten y ocultan actos de violencia en lo privado. Es una exploraci\u00f3n art\u00edstica sobre el papel de la mujer dentro de un sistema que a menudo no logra protegerla adecuadamente.<\/p>\n

Fundada en 2023 en Berl\u00edn por Estelle Adeline Trasoglu, Plaid-\u00e0-Porter<\/a> es una carta de amor a las historias invisibles de los textiles vintage. Tapices franceses, plaids de ganchillo, colchas de patchwork centenarias \u2014reliquias de vidas pasadas\u2014 no son meramente reciclados aqu\u00ed, sino transformados ritualmente. Cada pieza se convierte en arte portable, en una historia que se viste, en una celebraci\u00f3n de la artesan\u00eda tradicional.<\/p>\n

A trav\u00e9s de su proyecto Dangerous Liaisons<\/em> encontramos una escena \u00edntima \u2014a medio camino entre el siglo XVIII y el presente. Una mesa cubierta con manteles de ganchillo antiguos. Sobre ella: una novela epistolar abierta, dos copas de vino, cubiertos de plata pesada, la dulce abundancia de las uvas. Una carta manuscrita relata deseo y traici\u00f3n.<\/p>\n

RauFaser<\/a> es una marca berlinesa que conecta arte, comunidad y artesan\u00eda para crear moda como forma de expresi\u00f3n individual. Cuatro looks completos, moldeados en resina epoxi, aparecen congelados sobre sillas monobloc blancas \u2014un instante suspendido de la vida cotidiana. Detr\u00e1s, un espejo de l\u00e1mina reflectante reproduce la escena, integrando al visitante en la obra. La mirada reflejada no solo permite posicionarse dentro de la instalaci\u00f3n, sino tambi\u00e9n verse como parte de RAUFASER y fotografiar la experiencia. La instalaci\u00f3n subraya la idea central de la marca: la moda como experiencia colectiva e interactiva que conecta en lugar de excluir.<\/p>\n

Fundada en 2024 por Cristian Huygens y Natalia Golubenko, Selva Huygens<\/a> es una firma berlinesa que fusiona moda sostenible con dise\u00f1o vanguardista. Cristian, originario de Argentina, aporta una formaci\u00f3n en arquitectura y dise\u00f1o industrial. Natalia, formada en periodismo internacional, integra arte multimedia, performance y moda.<\/p>\n

La instalaci\u00f3n Just Born<\/em> exhibe los materiales utilizados al trabajar con piezas de autom\u00f3viles recicladas: parachoques, puertas, maleteros, faros y varios componentes pl\u00e1sticos, que cumplen funciones tanto estructurales como est\u00e9ticas. En el centro se alza un maniqu\u00ed que lleva un look de la colecci\u00f3n pr\u00eat-\u00e0-porter, combinado con un parachoques de BMW reformado y termoformado como escultura portable \u2014un s\u00edmbolo de la transformaci\u00f3n de los desechos industriales en moda funcional y arte usable.<\/p>\n

A trav\u00e9s de su narrativa art\u00edstica, Vanessa Baernthol<\/a> reflexiona sobre la fusi\u00f3n de artefactos temidos con la gracia del pasado en un contexto contempor\u00e1neo. La instalaci\u00f3n \u201cBorn In Two\u201d interpreta el in\u00e9dito Twin Look de la colecci\u00f3n SS26 VENEER. Gemelo, nacimiento, tejido: extra\u00eddo del telar, desenrollado, deshilachado, transformado en vestido, en forma, en presencia. Dualidad y opuestos en equilibrio. Conexi\u00f3n, curiosidad, liberaci\u00f3n. La transformaci\u00f3n como clave de la libertad interior. Facetas del yo \u2014conscientemente vividas, conscientemente ocultas. Momentos que se repiten, se asemejan \u2014pero nunca se duplican.<\/p>\n

Desde 2025, Yannic Pretzlaff<\/a> ha desarrollado obras en la intersecci\u00f3n de moda, escultura y espacio. Formado como sastre y con estudios de dise\u00f1o de moda en la Universit\u00e4t der K\u00fcnste Berlin, entiende la indumentaria como un medio para negociar cuestiones formales y espaciales. Las obras seleccionadas documentan el camino hacia la prenda final: siluetas experimentales y estudios de material forman la base de sus dise\u00f1os modulares y transformables en el esp\u00edritu de Constructed Comfort, explorando la tensi\u00f3n entre soporte y libertad, cuerpo y espacio. Su enfoque combina una artesan\u00eda precisa con investigaci\u00f3n conceptual, utilizando material, forma y silueta como punto de partida para crear prendas como experimentos arquitect\u00f3nicos y portables \u2014aut\u00f3nomas como objeto, pero totalmente funcionales.<\/p>\n

Este a\u00f1o tambi\u00e9n se presenta una exhibici\u00f3n especial de Caroline Kynast: M\u00c4NNERSACHE, una exploraci\u00f3n fotogr\u00e1fica de la masculinidad como realidad creativa, observable y escenificada. Una parte de los ingresos de las obras expuestas se destinar\u00e1 a una causa ben\u00e9fica \u2014reforzando el fundamento \u00e9tico del evento.<\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n

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\u00a9 Stefanie Ritter for Lilian Brade<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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\u00a9 Stefanie Ritter for Lilian Brade<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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\u00a9 Photo by Stefano Giovanni Giuliano for Maximilian Gedra<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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\"Maximilian<\/div>
\u00a9 Photo by Stefano Giovanni Giuliano for Maximilian Gedra<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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\"Plaid-\u00e0-Porter\"<\/div>
\u00a9 Photo by Svenja Blobel for Plaid-\u00e0-Porter<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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Por qu\u00e9 Fashion Positions importa\n<\/h2>\n

En una era de greenwashing<\/a> y moda r\u00e1pida, Fashion Positions insiste en la autenticidad. Sus presentaciones en formato de instalaci\u00f3n resisten la simplificaci\u00f3n, exigiendo tiempo y atenci\u00f3n. Cada prenda se convierte en un di\u00e1logo: entre material y creador, entre forma y sociedad, entre arte y quien la viste. Como parte de la Berlin Art Week 2025, la plataforma contin\u00faa refinando su papel como un puente \u00fanico entre disciplinas. Desde su fundaci\u00f3n en 2019, Fashion Positions ha ofrecido a las marcas de moda independientes un espacio fuera de los formatos puramente comerciales. \u201cDesde el principio, nuestro objetivo fue presentar la moda en un contexto que no la redujera a funci\u00f3n o comercio\u201d, explica Kristian Jarmuschek, fundador de Fashion Positions. \u201cEstas marcas trabajan de forma creativa, conceptual, piensan socialmente y dise\u00f1an con convicci\u00f3n \u2014 y eso merece un espacio.\u201d<\/p>\n

En este esp\u00edritu, el evento trata la moda como una fuerza cultural: una forma de arte que responde a los desaf\u00edos sociales y medioambientales. Los visitantes experimentan las marcas berlinesas no como productos, sino como ideas tejidas en textiles \u2014una invitaci\u00f3n a reflexionar sobre sostenibilidad, identidad y las narrativas que cargan las prendas.<\/p>\n

Junto a la exposici\u00f3n, la Fashion Passion Shop permite a los visitantes comprar piezas seleccionadas directamente de las marcas. Esta experiencia comercial se alinea con el esp\u00edritu del evento: slow fashion, elecciones conscientes, arte portable.<\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n

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\u00a9 Andreas Hofrichter for Yannic Pretzlaff<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n
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\u00a9 Mario Ilic for Yanic Pretzlaff<\/figcaption><\/figure> <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n \n\n
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Hightlight Image:<\/i>
\n<\/i>\u00a9 Sylwia Makris for Esther Perbandt<\/i><\/strong><\/p>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/div>\n <\/section>\n ","protected":false},"excerpt":{"rendered":"","protected":false},"author":13,"featured_media":57206,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"_acf_changed":false,"footnotes":""},"categories":[378,130],"tags":[],"class_list":{"0":"post-57161","1":"post","2":"type-post","3":"status-publish","4":"format-standard","5":"has-post-thumbnail","7":"category-arte-cultura","8":"category-moda-sostenible-lujo"},"acf":[],"yoast_head":"Fashion Positions 2025: la intersecci\u00f3n entre arte y moda<\/title>\n<meta name=\"description\" content=\"Descubre Fashion Positions 2025. 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