Die visuelle Dimension der Kunst erweitern | Interview mit Seldon Yuan

Mit seinem Spiel mit den Sphären der Kunst trifft der Künstler Seldon Yuan genau ins Schwarze. Ausgehend von seiner persönlichen Geschichte hat Yuan seine Kunst darauf ausgerichtet, Räume für künstlerischen Ausdruck zu erweitern. Dabei verbindet er Elemente des Absurden und Surrealen mit einem einzigartigen Umgang mit Sprache, die er in eindrucksvoller Weise in visuelle Ebenen übersetzt. Der in New York ansässige Künstler wurde an renommierten Kunsthochschulen wie der Carnegie Mellon University, dem Hunter College und den Beaux-Arts de Paris ausgebildet. Mit einem äußerst vielseitigen Portfolio – von Poesie über Möbel bis hin zu Performances – verkörpert er das inspirierende Beispiel eines facettenreichen Künstlers. Als Luxiders Magazine wollten wir Seldons anregende Perspektive und seine Erfahrungen mit der Kunst im Detail beleuchten und haben ein aufrüttelndes Interview mit diesem bemerkenswerten Künstler geführt.

Luxiders Magazine (L)
Seldon Yuan (SY)

L: Sie bezeichnen Ihre Kunst als eine Angelegenheit persönlicher Geschichte. Welche Geschichte in Ihrem Leben hat dazu geführt, dass Sie Ihre Erfahrungen in hybride Werke verwandelt haben, in denen Sie Worte mit visuellen Elementen verbinden?

SY: Als ich jung war, hatte ich zwei getrennte Ausdrucksformen: Schreiben und bildende Kunst. Vieles meiner Arbeit bezieht sich auf persönliche Erlebnisse, die dann entweder in Text oder in visuelle Kunst übersetzt werden. Irgendwann hatte ich das Gefühl, dass das geschriebene Wort auf Papier nicht ausreichte, um das auszudrücken und zu erforschen, was ich inhaltlich und formal sagen wollte. Ich wollte mehr Komplexität und Bedeutung erzeugen. Schließlich fand ich einen einzigartigen Weg, Text und Bild so zu verbinden, dass es keine bloße Illustration war – beide Teile trugen zu etwas Neuem bei und erweiterten die Bedeutung über das hinaus, was jeder Teil für sich hätte leisten können. Ich hatte das Gefühl, dass es visuell neue Räume für Text gab, die bisher noch niemand erschlossen hatte, besonders im Hinblick darauf, wie wir lesen und wie die Art des Lesens mit dem Inhalt zusammenhängt. Gleichzeitig ging es mir auch darum, eine persönliche Erfahrung zu schaffen, die nicht einfach durch ein Bild oder reinen Text ersetzt werden kann.

L: Beim Entstehen Ihres ganz eigenen Stils – gab es Vorbilder oder Einflüsse, die für Ihre Entwicklung wichtig waren?

SY: Ich hatte viele Einflüsse aus Kunst, Musik und Literatur, die mich in meiner Jugend geprägt haben – viele davon sind für mich heute nicht mehr so bedeutend, aber sie haben zu dem beigetragen, was ich heute bin. Ich habe irgendwann erkannt, dass mich die Werke, die mich wirklich berührten, weniger allein fühlen ließen – zum Beispiel „Der Fänger im Roggen“ von J.D. Salinger, Bücher von Charles Bukowski, „Kind of Blue“ von Miles Davis, Gemälde von Francis Bacon, Kunst von Tom Friedman oder auch das Skateboarden. Rückblickend war das wohl genau das, was ich – damals unbewusst, heute bewusst – selbst mit meiner Kunst erreichen wollte. Letztlich habe ich verstanden, dass ich meinen eigenen Stil, meine eigene Stimme und meine eigenen Ideen finden muss. Und dass das nicht nur in Ordnung, sondern absolut notwendig ist.

L: Beim Betrachten Ihrer Arbeiten wirken die Worte sehr intim und aufrichtig. Lassen Sie die Poesie in ihrer Ursprünglichkeit stehen, wenn Sie sie mit visuellen Elementen verbinden, oder überarbeiten Sie sie, um sie dem Konzept anzupassen?

SY: Die Poesie oder die Formulierungen entstehen immer zuerst. Sie sind meist der Auslöser für das Werk. Oft schreibe ich frei oder führe ein Tagebuch, entweder per Hand oder am Computer, um etwas Interessantes zu erzeugen. Danach überlege ich, wie sich das in einen visuellen Kontext überführen lässt, der keine bloße Illustration ist. Wie können das Visuelle und die Worte jeweils etwas Eigenes beitragen und gemeinsam etwas ausdrücken, das keiner der beiden Teile für sich allein schaffen könnte?

L: Auch wenn Sie Ihre Kunst als „persönlich“ definieren, trägt sie für uns eine soziale Relevanz. Welche gesellschaftlichen Botschaften vermitteln Sie durch Ihre Werke?

SY: In meinen neueren Zeichnungen beschäftige ich mich mit Themen wie Emotionen, Tod, existenziellen Fragen, Zeit, Buddhismus und Nihilismus – oft mit einem dunklen Sinn für Humor. Für mich geht es häufig darum, ein gewisses Maß an Frieden und Verständnis für die Kürze, die Herausforderungen und die Absurdität des Lebens zu finden.

L: Beim Betrachten Ihrer visuellen Poesie stoße ich auf das Werk mit der Aufschrift „This is success.“ auf gelbem Papier. In derselben Serie erwähnten Sie auch das Thema „Perfektion“. Wie definieren Sie als Künstler Erfolg und Perfektion in der Kunst? Leiten Sie dies aus den Reaktionen des Publikums ab oder aus der inneren Zufriedenheit während des Schaffensprozesses?

SY: Meine Einstellung hat sich im Laufe der Jahre verändert. Früher war mir das alles nicht so wichtig – ich konzentrierte mich mehr darauf, innovativ zu sein, und legte mehr Wert auf formale Aspekte. Heute freue ich mich, wenn die Leute lachen, denn ich weiß, dass das eine ehrlichere Reaktion auf die Arbeit ist als „Das ist schön“, „Das gefällt mir“ oder „Ich mag es sehr“.

Was den Erfolg betrifft: Erfolg bedeutet für mich heute einfach, die Fähigkeit und Zeit zu haben, weiterhin etwas zu schaffen, das mich interessiert – und sonst nichts. Der Akt des Schaffens selbst ist die Belohnung. Allerdings wäre es natürlich auch schön, wenn die Arbeit mehr finanziellen Erfolg bringen würde!

Was „Perfektion“ angeht, versuche ich inzwischen, das Unperfekte mehr zuzulassen und mehr Menschlichkeit in der Arbeit sichtbar zu machen. Beim Werk „everything is perfect“ gibt es mehrere mögliche Interpretationen. Eine wäre: Je öfter man es sagt, desto weniger glaubwürdig klingt es. Eine andere: Es ist so chaotisch und unperfekt, dass genau das es perfekt macht. Oder auch: Es ist eine Unwahrheit, weil es so schlampig dargestellt wurde. Die Interpretation überlasse ich Ihnen.

L: Lassen Sie uns über einige Botschaften sprechen, die uns besonders angesprochen haben. Was genau möchten Sie mit diesen Aussagen ausdrücken?

L: „I am the ocean“

SY: Für mich wirkte die Zeichnung anfangs lustig: ein Glas Wasser mit einem verrückten Kinderstrohhalm, auf dem steht: „I am the ocean.“ Das Glas Wasser hält sich für einen riesigen, nahezu grenzenlosen, tiefen und kraftvollen Ozean. Ich spiele mit der Idee, dass wir größer sein könnten oder sein wollen, als wir tatsächlich sind. Ob das berechtigt oder einfach nur eine Illusion ist, bleibt der Interpretation überlassen.

L: „Not enough time“

SY: Diese Zeichnung zeigt ein analoges Ziffernblatt, aus dem ein Stück herausgeschnitten wurde, mit der Aufschrift „not enough time“. Für mich bezieht sie sich auf den Mangel an Zeit in meinem Leben und darauf, wo diese Zeit bleibt. Sie erinnert mich an die alte Videospielfigur Pac-Man, die alle Punkte fressen muss — aber hier gibt es eine Anspielung darauf, Zeit zu verschlingen. Gleichzeitig stellt sich die Frage, ob Zeitabschnitte, die buchstäblich fehlen, überhaupt noch zählen, wenn dort keine Zahlen mehr stehen.

L: „There is no end to hunger“

SY: Diesen Satz habe ich schon vor langer Zeit für ein Gedicht geschrieben, aber irgendwie fand ich es witzig, ihn mit einer Reihe von Schlangen zu kombinieren, die sich gegenseitig fressen. Offensichtlich geht es darum, dass wir, solange wir leben, irgendwann immer wieder hungrig sein werden. Wann wird eine dieser Schlangen jemals satt, wenn in jeder eine andere steckt? Werden sie jemals aufhören, die vor ihnen liegende zu fressen? Hören sie auf zu fressen, während sie selbst gefressen werden? Macht es überhaupt Sinn zu essen, wenn man gerade selbst gegessen wird?

L: „I need your touch“

SY: Ich verwende oft Pflanzen und andere Dinge aus der natürlichen Welt als Stellvertreter für Menschen und Emotionen. Offensichtlich ist es ironisch, dass ein Kaktus mit scharfen Stacheln sagt: „Ich möchte deine Berührung.“ Aber ist diese Bitte ein Trick? Ist sie aufrichtig? Oder handelt es sich um ein unbewusstes selbstsabotierendes Verhalten?

L: „For never winning an award“

SY: Ich fand es lustig, eine Auszeichnung für jemanden zu entwerfen, der noch nie eine Auszeichnung gewonnen hat — natürlich liegt diese Auszeichnung dann auch umgekippt auf der Seite.

Hier ist dein Text in sauberem HTML und auf Deutsch übersetzt:

L: Haben Sie zukünftige Projekte in Planung, und worauf werden Sie sich dabei thematisch und inhaltlich konzentrieren?
SY: Ja. Ich habe mehrere abgeschlossene Buchprojekte, für die ich derzeit nach Verlagen suche: einen Roman, ein illustriertes Kinderbuch (oder vielleicht ist es eher für Erwachsene?), ein Gedichtband und ein Kartenbuch über die Urbanisierung von New York City – sowie weitere Buchprojekte in verschiedenen Entwicklungsstadien. Gleichzeitig arbeite ich weiter an meiner Kunst. Außerdem bin ich dabei, ein Buch mit meinen Zeichnungen zusammenzustellen. Ich habe auch ein Taschen- und Rucksacklabel namens SSCY, für das ich gerade neue Produkte entwickle. Ich versuche ständig, so viele Ideen wie möglich umzusetzen.

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+ Interview:

Tolga Rahmalaroglu
Luxiders Magazine Contributor