Fashion Positions 2025: Marcas berlinesas redefinen la intersección entre arte y moda

La Semana de la Moda de Berlín 2025 amplía sus horizontes

Del 11 al 14 de septiembre de 2025, Fashion Positions regresa en su séptima edición en el Hangar 7 del Aeropuerto de Tempelhof — transformando una vez más a Berlín en un escenario donde el arte y la moda se fusionan de manera fluida. En paralelo a Positions Berlin Art Fair, esta plataforma interdisciplinaria presenta 20 marcas berlinesas, reafirmando el papel de la ciudad como capital de la moda experimental, sostenible y socialmente comprometida.

En una arquitectura espacialmente abierta, en formato de instalación, las prendas se convierten en algo más que colecciones: son declaraciones conceptuales, objetos textiles y expresiones artísticas. Bajo el lema “Collect Fashion. Wear Art”, la iniciativa sitúa la moda lejos del consumismo acelerado, defendiendo en su lugar la artesanía, el pensamiento crítico y el valor cultural de la indumentaria.

Lo mejor de las voces independientes de Berlin

De un gran número de candidaturas, las curadoras Diandra Donecker (Villa Grisebach) y Dao Tran (periodista, editora) han seleccionado 20 marcas cuyo trabajo refleja innovación material, experimentación estética y relevancia social. Su experiencia combinada en arte, narrativa editorial y comunicación visual aporta una mirada curatorial precisa al evento.

Las marcas participantes en la próxima exposición son:

Alexander Gigl es el diseñador detrás de la marca homónima fundada en 2024 durante sus estudios. Gigl encuentra belleza en la destrucción y en lo inacabado, diseñando prendas que dejan espacio para la transformación, de modo que quienes las visten puedan recontextualizarlas y reutilizarlas en el futuro. Inspirado en estéticas históricas y técnicas de sastrería, combina pasado y presente a través de una lente queer.

La instalación presenta prendas que se transforman de un cuerpo, en forma textil, a otro. Están unidas por cuerdas, que forman parte de una de las prendas. La obra explora el ciclo de destrucción y reconstrucción, destacando el poder transformador de la ropa y del cuerpo —la metamorfosis de una forma que permite la creación de otra.

CBUI es un diseñador de moda con sede en Berlín y raíces vietnamitas. Creció en un tiempo de cambios sociales entre tradición y era digital, y se inspira tanto en la herencia cultural como en el mundo virtual contemporáneo, donde la realidad y lo digital se fusionan cada vez más. La filosofía de diseño de CBui se basa en la observación cercana de lo cotidiano. Descubre poesía en lo inadvertido, belleza en lo absurdo y posibilidades en lo que parece imposible. Elementos inesperados y materiales poco convencionales se transforman en narrativas llevables.

El vestido de la exposición está inspirado en teorías del movimiento del viento y despliega su volumen a través del movimiento de quien lo lleva. En la instalación, donde la prenda se presenta en forma estática, un ventilador genera circulación de aire para revelar su forma característica. A través de una puesta en escena deliberadamente reducida, el vestido se coloca en el centro como obra de arte independiente. Habla de ligereza, movimiento y del diálogo entre tecnología y moda —una silenciosa invitación a reflexionar sobre la influencia de la naturaleza en el diseño.

Claudia Skoda es considerada un ícono de la moda vanguardista berlinesa. En 1975 fundó su propia marca y revolucionó el punto al utilizar materiales no convencionales como lurex, rafia, pajitas o cintas de casete. Tras la caída del Muro de Berlín, permaneció en la ciudad y abrió tiendas en Ku’damm, Mitte y Prenzlauer Berg. Su clientela ha abarcado desde Cate Blanchett hasta Ridley Scott. En 2021, la Kunstbibliothek de Berlín honró su trayectoria con la gran retrospectiva Claudia Skoda. Dressed to Thrill.

En esta edición de Fashion Positions, presenta una técnica de ganchillo desarrollada especialmente que combina la artesanía tradicional con la estética contemporánea. Este nuevo método otorga a los objetos textiles de su instalación una ligereza escultórica y subraya, una vez más, su papel pionero en la intersección entre moda, arte y artesanía.

Mira von der Osten es una diseñadora de moda alemana, formada en la Parsons School of Design de Nueva York y fundadora de la marca berlinesa CRUBA. Fundada en 2009 en medio de la energía creativa de Berlín-Mitte, CRUBA se ha consolidado como una voz distintiva dentro de la escena de moda independiente.

Para la instalación de este año, CRUBA utiliza una copia en VHS de la serie de anime Alice in Wonderland (1983). Lo que parece ser una cinta negra revela imágenes vibrantes y florales que, a través de la transformación artística, se convierten en una escenografía alucinatoria. Proyecciones de imágenes dobles florecientes bailan entre la pared y el objeto, mientras que formaciones surrealistas de “rosas” se insertan en la escena como figuras enigmáticas —un guiño visual que evoca los momentos oníricos y ligeramente vertiginosos de la película. La obra juega con la interacción entre realidad e ilusión: la mirada pierde el rastro de comienzos y finales, vagando entre formas claramente reconocibles y patrones abstractos. De este modo, la cinta de vídeo en sí misma se convierte en portadora poética de un nuevo lenguaje visual.

Danny Reinke es cofundador y diseñador de la marca homónima con sede en Berlín, que dirige junto con Julien Kelch. Creció en una familia de pescadores en la Laguna de Szczecin, lo que le permitió desarrollar desde temprana edad una fuerte conciencia hacia la naturaleza, los recursos y la sostenibilidad. Estos valores siguen marcando su trabajo hoy en día —desde el uso de materiales deadstock hasta piezas a medida que enfatizan la longevidad por encima de la producción en masa.

La instalación escenifica una caza simbólica: un cazador se enfrenta a la criatura mítica del unicornio. El suelo, cubierto de corteza, hojas y plantas del bosque, crea un entorno boscoso denso y atmosférico. En contraste con este suelo forestal reconstruido de forma realista se alza la figura surrealista del unicornio, que encarna libertad, inocencia e inalcanzable. The Hunt alude a la eterna tensión entre humanidad y naturaleza, violencia y protección, deseo e intangibilidad. El intento de cazar lo fantástico se convierte en una metáfora del conflicto entre la codicia humana y la búsqueda de libertad.

Impulsada por el deseo de crear mundos y contar historias que reflejen el espectro completo de la experiencia emocional, Elodie Carstensen desarrolla demi-couture donde el neorromanticismo se encuentra con el futurismo. En la intersección de la feminidad moderna y la teatralidad, sus diseños poéticos emergen como consecuencia natural de una sociedad del espectáculo.

Inspirada en la iconografía contradictoria de Juana de Arco —guerrera, santa, bruja, rebelde— JNN D’RC deconstruye su narrativa en fragmentos. La colección fusiona siluetas regias con materiales crudos: sacos de café teñidos se encuentran con sedas fluidas, mientras hojas de oro de 24 quilates envuelven un vestido que se disuelve con cada movimiento —una estatua efímera de una santa que nunca fue solo una cosa. Entre lujo y aspereza, los diseños exploran temas de furia y veneración femenina, ritual y devoción.

Esther Perbandt es la diseñadora detrás de su marca berlinesa de moda y joyería, fundada en 2004. Perbandt no es solo una creadora contemporánea, también es visionaria, performer y artista que trabaja en la intersección de moda y arte. Su obra tiene su origen en su exposición individual en la Galerie Jochen Hempel de Leipzig (2021). Un grave daño por agua en el almacén, meses atrás, requirió días de secado con aire caliente y giros constantes. El resultado fue un nudo textil de gran tamaño, casi irrecuperable, semejante al cabello enmarañado tras un largo viaje en motocicleta. Justo antes de descartar la pieza, surgió la idea de Order/Disorder: una performance en vivo de varios días intentando devolver estructura y orden al caos textil.

En la performance de tres días, la propia Esther Perbandt se convierte en parte del enredo. Vestida con un traje de cuerpo completo, camaleónico, confeccionado con las mismas tiras de algodón negro, se funde visualmente con la obra. Como componente vivo de la escultura, permanece dentro de ella —peinando, ordenando, desenredando. Una exploración física y a la vez meditativa entre la estructura y el caos.

Fiona Bennett es una visionaria y reconocida artista de sombreros a nivel internacional. Con un refinado sentido estético y funcional, crea piezas únicas que no solo son estilosas, sino también significativas, reinterpretando de manera contemporánea un oficio casi olvidado. Como sombrerera de alta costura, cuenta con coleccionistas en todo el mundo.

Con su colección Survival Hat, Fiona Bennett narra historias de resiliencia y autodescubrimiento. Los sombreros actúan como oasis protectores en tiempos turbulentos, invitando a quienes los llevan a cuestionar su identidad, descubrir su fuerza interior y encontrar el coraje para enfrentar los desafíos de la vida. Materiales cuidadosamente seleccionados reúnen sostenibilidad y funcionalidad. El fieltro duradero y objetos encontrados inesperados se funden en obras de arte portables. Enfatizan la conexión con la tierra y con los demás, haciendo de cada Survival Hat un compañero para el cuerpo, la mente y el alma.

FORMAT: es una marca berlinesa de joyería que explora la identidad, la transformación y la expresión individual desde una perspectiva interdisciplinar. Fundada en 2025 por Izabella Haldzinska y Antonia Sieve —un dúo de diseñadoras queer que se conocieron durante sus estudios de moda y que desde entonces desarrollan sus visiones juntas— la firma se define como inclusiva, gender-neutral y accesible.

Liminal Forms nos invita a percibir el espacio, el cuerpo y el objeto como un diálogo constante: un momento de transformación en el que la joyería se convierte en portadora de identidad y en un medio de comunicación no verbal entre material, portador y entorno. Esculturas de musgo suspendidas, delicadamente sujetas a finos cables de acero, acompañadas de cimientos de hormigón cubiertos de musgo. La materialidad cruda de la arquitectura brutalista se encuentra con la vitalidad del musgo y las plantas —una tensión simbiótica entre industria y naturaleza. Todo ello acompañado por un paisaje sonoro de atmósferas urbanas, voces fragmentadas y sutiles capas sonoras.

Haderlump Atelier Berlin fue fundado en 2021 en Berlín. La firma concibe la moda como un medio artístico que cuenta historias y conecta formas textiles con profundidad conceptual. Frente a la instalación en papel —compuesta por nueve narrativas sobre Haderlump Atelier Berlin— se alzan tres vestidos que representan las tres últimas colecciones de la marca. La instalación hace referencia a la colección más reciente: el desfile Primavera/Verano 2026 “EX LIBRIS”, en el que se utilizaron dos cajas de papel de 4×3 metros como escenografía en la pasarela. Los vestidos expuestos son: Look 26 de SS26 “EX LIBRIS”, un vestido confeccionado en ramio (un tejido similar al lino); Look 26 de AW26 “SOLIVAGANT”, un vestido de una sola manga en denim gris; y Look 21 de SS25 “AERO”, un vestido blanco hecho a partir de un antiguo paracaídas.

Karen Jessen, originaria de Frisia del Norte, se formó como modista en Berlín antes de estudiar diseño de moda y patronaje. En 2012 fundó su propia marca. Su espectro creativo abarca moda, vestuario y diseño de interiores, situando sus obras entre la escultura y el arte portable.

Una instalación textil translúcida a gran escala se despliega con una presencia flotante en el espacio. Paneles de delicadas telas generan una sensación poética de movimiento —una aparición frágil que llena la sala de ligereza y tensión contenida. Luftgewächs abre un espacio donde los textiles trascienden su papel convencional —no como decoración, sino como una fuerza artística estructural y con identidad propia.

Impulsada por el deseo de reclamar y reescribir la narrativa de la feminidad, Lilian Brade desafía conscientemente los tabúes que rodean al cuerpo femenino y queer. Su trabajo subvierte las nociones tradicionales de belleza y presenta la feminidad en todas sus facetas. Nacimiento, desarrollo, sexualidad, maternidad, muerte, renacimiento: este es el ciclo que explora en “The Feminine Urge”, una obra interdisciplinar que une moda, performance y cine. En su centro: la monstruosidad femenina.

Marie-Louise Müller x Ute Faber es otra de las diseñadoras presentes en esta exposición. Esta creadora de slow fashion, originaria de Hessen y actualmente afincada en Berlín, confecciona prendas a mano que son tanto conceptuales como emocionalmente expresivas. Su trabajo parte de la convicción de que la responsabilidad puede alimentar la creatividad, dado que se espera de los diseñadores un compromiso real con prácticas sostenibles. Dentro de las tradiciones de la alta costura y fiel a sus principios —como trabajar exclusivamente con tejidos naturales e incorporar prácticas de upcycling— se esfuerza por tomar decisiones que reflejen cuidado, intención y la justificación de un lugar a largo plazo en la industria.

Su trabajo ha sido presentado en Der Berliner Salon (2025) y premiado con el galardón a la Mejor Artesanía en Neo.Fashion (2024) —experiencias que han reforzado su compromiso con el slow fashion.

Maximilian Gedra, diseñador detrás de su marca de alta costura, ha llevado una firma radicalmente vanguardista a la escena internacional. Nacido en Mannheim e influenciado profundamente por la vibrante cultura avant-garde de Berlín, Gedra desarrolló desde temprano una pasión por deconstruir las estéticas tradicionales de la moda.

La instalación artística THE COUTURE OF REBIRTH crea un espacio donde la moda, el arte y la precisión artesanal convergen en un juego conceptual. En su centro destacan dos piezas de alta costura, notables no solo por su materialidad, sino también por su claridad formal y profundidad de detalle: una confeccionada con más de 35.000 botones reciclados cosidos a mano, y otra compuesta por 26.000 imperdibles dispuestos manualmente. Tras ellas se despliega una composición espacial tridimensional —una traducción inmersiva del vocabulario estético de la marca: material, estructura, forma.

La firma berlinesa Nadine Aurin, fundada en 2024, apuesta por el diseño conceptual que reflexiona de manera crítica y sensible sobre cuestiones sociales y políticas. Aquí, la moda se entiende como un medio de reflexión, activismo y cambio. Weib (Mujer) crea un contraste impactante entre delicadeza y resistencia, nostalgia y ruptura. La instalación invita a los espectadores a cuestionar las estructuras de poder que permiten y ocultan actos de violencia en lo privado. Es una exploración artística sobre el papel de la mujer dentro de un sistema que a menudo no logra protegerla adecuadamente.

Fundada en 2023 en Berlín por Estelle Adeline Trasoglu, Plaid-à-Porter es una carta de amor a las historias invisibles de los textiles vintage. Tapices franceses, plaids de ganchillo, colchas de patchwork centenarias —reliquias de vidas pasadas— no son meramente reciclados aquí, sino transformados ritualmente. Cada pieza se convierte en arte portable, en una historia que se viste, en una celebración de la artesanía tradicional.

A través de su proyecto Dangerous Liaisons encontramos una escena íntima —a medio camino entre el siglo XVIII y el presente. Una mesa cubierta con manteles de ganchillo antiguos. Sobre ella: una novela epistolar abierta, dos copas de vino, cubiertos de plata pesada, la dulce abundancia de las uvas. Una carta manuscrita relata deseo y traición.

RauFaser es una marca berlinesa que conecta arte, comunidad y artesanía para crear moda como forma de expresión individual. Cuatro looks completos, moldeados en resina epoxi, aparecen congelados sobre sillas monobloc blancas —un instante suspendido de la vida cotidiana. Detrás, un espejo de lámina reflectante reproduce la escena, integrando al visitante en la obra. La mirada reflejada no solo permite posicionarse dentro de la instalación, sino también verse como parte de RAUFASER y fotografiar la experiencia. La instalación subraya la idea central de la marca: la moda como experiencia colectiva e interactiva que conecta en lugar de excluir.

Fundada en 2024 por Cristian Huygens y Natalia Golubenko, Selva Huygens es una firma berlinesa que fusiona moda sostenible con diseño vanguardista. Cristian, originario de Argentina, aporta una formación en arquitectura y diseño industrial. Natalia, formada en periodismo internacional, integra arte multimedia, performance y moda.

La instalación Just Born exhibe los materiales utilizados al trabajar con piezas de automóviles recicladas: parachoques, puertas, maleteros, faros y varios componentes plásticos, que cumplen funciones tanto estructurales como estéticas. En el centro se alza un maniquí que lleva un look de la colección prêt-à-porter, combinado con un parachoques de BMW reformado y termoformado como escultura portable —un símbolo de la transformación de los desechos industriales en moda funcional y arte usable.

A través de su narrativa artística, Vanessa Baernthol reflexiona sobre la fusión de artefactos temidos con la gracia del pasado en un contexto contemporáneo. La instalación “Born In Two” interpreta el inédito Twin Look de la colección SS26 VENEER. Gemelo, nacimiento, tejido: extraído del telar, desenrollado, deshilachado, transformado en vestido, en forma, en presencia. Dualidad y opuestos en equilibrio. Conexión, curiosidad, liberación. La transformación como clave de la libertad interior. Facetas del yo —conscientemente vividas, conscientemente ocultas. Momentos que se repiten, se asemejan —pero nunca se duplican.

Desde 2025, Yannic Pretzlaff ha desarrollado obras en la intersección de moda, escultura y espacio. Formado como sastre y con estudios de diseño de moda en la Universität der Künste Berlin, entiende la indumentaria como un medio para negociar cuestiones formales y espaciales. Las obras seleccionadas documentan el camino hacia la prenda final: siluetas experimentales y estudios de material forman la base de sus diseños modulares y transformables en el espíritu de Constructed Comfort, explorando la tensión entre soporte y libertad, cuerpo y espacio. Su enfoque combina una artesanía precisa con investigación conceptual, utilizando material, forma y silueta como punto de partida para crear prendas como experimentos arquitectónicos y portables —autónomas como objeto, pero totalmente funcionales.

Este año también se presenta una exhibición especial de Caroline Kynast: MÄNNERSACHE, una exploración fotográfica de la masculinidad como realidad creativa, observable y escenificada. Una parte de los ingresos de las obras expuestas se destinará a una causa benéfica —reforzando el fundamento ético del evento.

Por qué Fashion Positions importa

En una era de greenwashing y moda rápida, Fashion Positions insiste en la autenticidad. Sus presentaciones en formato de instalación resisten la simplificación, exigiendo tiempo y atención. Cada prenda se convierte en un diálogo: entre material y creador, entre forma y sociedad, entre arte y quien la viste. Como parte de la Berlin Art Week 2025, la plataforma continúa refinando su papel como un puente único entre disciplinas. Desde su fundación en 2019, Fashion Positions ha ofrecido a las marcas de moda independientes un espacio fuera de los formatos puramente comerciales. “Desde el principio, nuestro objetivo fue presentar la moda en un contexto que no la redujera a función o comercio”, explica Kristian Jarmuschek, fundador de Fashion Positions. “Estas marcas trabajan de forma creativa, conceptual, piensan socialmente y diseñan con convicción — y eso merece un espacio.”

En este espíritu, el evento trata la moda como una fuerza cultural: una forma de arte que responde a los desafíos sociales y medioambientales. Los visitantes experimentan las marcas berlinesas no como productos, sino como ideas tejidas en textiles —una invitación a reflexionar sobre sostenibilidad, identidad y las narrativas que cargan las prendas.

Junto a la exposición, la Fashion Passion Shop permite a los visitantes comprar piezas seleccionadas directamente de las marcas. Esta experiencia comercial se alinea con el espíritu del evento: slow fashion, elecciones conscientes, arte portable.