Fusión del flujo artístico | Entrevista con James Gilbert
From sculpture to performance art, the LA-based artist James Gilbert envisions a fascinatingly unique world through his art. We asked Gilbert about his experiences before and after creation, and his derivation points.
El polifacético artista de Los Ángeles James Gilbert podría ser uno de los talentos transformadores más puros del arte. Lo que el artista toma como inspiración para producir una obra siempre procede de una fusión del “todo”. La fusión de los momentos se vuelve cada vez más fascinante con el toque de Gilbert, al interpretar los materiales a utilizar de un modo que encaja con un proceso de creación sensual, natural y significativo. Por otra parte, lo que James Gilbert presenta está más allá del flujo artístico, sino que es un hito, un testigo y un comentarista de los tiempos que hemos vivido y que vivimos actualmente. El artista afirma: “Para mí, el papel del arte sólo es poderoso en la formación de la conciencia colectiva si estamos activamente comprometidos, prestando atención y dispuestos a pensar profundamente y luego comportarnos en consecuencia”, cuando se le pregunta por su percepción del arte. He aquí una entrevista de infarto con James Gilbert sobre su arte y los aspectos sociales del mismo.
L – Luxiders Magazine
PD – James Gilbert
L: Tu obra se describe a menudo como trascendente, forjando una conexión entre lo visual y lo intangible. ¿Podrías aclarar las fuentes de su inspiración?
JG: No me cuestiono lo que me interesa. Quiero combinar en mi práctica tantas ideas potencialmente disímiles como oportunidades de debate haya. Así es como me muevo a lo largo de mis días: recopilando toda la información posible y basando en ella mi pensamiento y mis acciones. Creo que mi trabajo también tiene que comportarse así: momentos y pistas que merezcan la conversación. Si puedo descifrar el significado de una obra demasiado rápido, no me interesa lo suficiente como para hacerla. Sin embargo, las ideas que perduran y requieren más investigación son las que persigo visualmente.
L: ¿Cómo conociste el arte? ¿Recuerdas algún momento o asunto exacto que te hiciera darte cuenta de que elegirías el camino del arte en tu vida?
JG: No conocía el término “artista” ni el concepto de lo que significaba. Sólo recuerdo claramente que quería hacer cosas y que me interesaba la construcción de objetos, los entornos en los que habitar, la música y una buena historia narrativa. Cuando llegué a la universidad, me di cuenta de que podía hacer obras sobre temas que me importaban, combinando ideas y filosofías que quería debatir y explorar. Fue entonces cuando se volvió emocionante. Dejé de compartimentar los diarios individuales, unos sólo para dibujos y otros para conceptualizaciones y escritos. Cuando lo fusioné todo en un solo diario pude ver cómo surgía una apasionante explosión de temas.
L: Como artista polifacético que produce arte desde esculturas hasta las performances, instalaciones o vídeos, ¿hubo derivaciones que te hicieran explorar stu interés y talento para crear arte en diferentes disciplinas?
JG: Me gustan los momentos. Sobre todo los que dan forma a ideas, acciones y comportamientos de personas y comunidades. No me refiero necesariamente sólo a los acontecimientos importantes de la vida; también puede haber interacciones pequeñas y rápidas que tengan un significado impactante. El dolor, la alegría, la risa, la agonía… nada está fuera de mis límites; si merece la pena pensar en ello y hablar de ello, es aplicable a mi trabajo. El tiempo que pasé estudiando música y literatura y trabajando en teatro y cine me hizo darme cuenta del valor de los resultados tangibles, fundamentados en la historia, la ciencia y la observación de la naturaleza humana. El trabajo tiene que tratar de algo.
L: Observamos que la selección de materiales ocupa un lugar muy importante en tu arte. Afirmas que prefieres las materias primas por su significado metafórico. ¿Puedes decirnos algo más sobre tu percepción de la relación entre obra de arte y materiales?
JG: Considero las materias primas en el contexto de la forma en que describiríamos la propia obra. Esa es la razón por la que considero necesario poder moverme entre materiales: no hay ninguno que dudaría en utilizar si sintiera que aporta algo a una obra, conceptualmente. Los materiales están al servicio de la idea, que siempre es lo más importante. La madera en bruto, por ejemplo, tiene defectos e imperfecciones. También tiene historia y edad. Cuando hago una escultura en madera que trata de la ascendencia o la herencia, creo que las palabras que utilizo son igualmente apropiadas: ¿quién de nosotros no tiene defectos o historia que definan nuestro comportamiento? Cuando coso esculturas de plástico blando, resuenan palabras como fabricado, artificial y producido en serie. Si estoy tiñendo y cosiendo textiles, se trata de un trabajo físico descriptivo. Cuando creo un muro de tierra apisonada, una de las técnicas de construcción más antiguas, quiero que el espectador tenga la opción de pensar realmente qué significa el material y cómo impone ciertas interpretaciones a la obra. Por ejemplo, si ese mismo muro fuera de piedra o de tabletas de chocolate, tendría un significado totalmente distinto, conceptualmente.
L: Tu arte incluye temas como la injusticia racial, cuestiones históricas, división política, etc. ¿Cómo ves el papel del arte en la formación de la conciencia individual y colectiva?
JG: En primer lugar, espero que el público quiera participar. Vivimos en una época en la que el TLTR [demasiado largo para leer] prima sobre la novela completa. Valoro la investigación y siento la responsabilidad de que mi trabajo plantee las preguntas adecuadas sin exponer la mano del autor. Creo que el patrimonio cultural, los artefactos y el arte (en todas sus formas) existen porque queremos entender mejor nuestro tiempo y quizá dejar lecciones a las generaciones futuras. Esto requiere una interpretación históricamente fiable para comprender el contexto en el que se crearon esos objetos. Sin embargo, la interpretación también puede ser peligrosa. Para mí, el papel del arte sólo es poderoso a la hora de moldear la conciencia colectiva si nos comprometemos activamente, prestamos atención y estamos dispuestos a pensar en profundidad para luego comportarnos en consecuencia.
L: En los tumultuosos tiempos que corren, ¿crees que los artistas tienen la responsabilidad de abordar problemas sociales acuciantes?
JG: Sí, y también creo que nadie quiere que le impongan una opinión. Utilizo algo que yo llamo mi mecanismo de defensa visual, el sentido: Me permito abordar temas difíciles y complejos, pero los presento de una manera que suaviza el punto de entrada de la conversación mediante el uso de paletas de colores desenfadadas, la forma y el humor. Fíjate también en mis títulos, dedico tiempo a escribirlos, con la esperanza de que reflejen una perspectiva equilibrada.
L: “Honrar la pena” e interpretarla con humor es una forma muy característica de percibir el mundo. Al observar tus obras, también se aprecia que tienes un estilo propio, fuerte y característico. ¿Cómo se ha desarrollado este estilo personal? ¿Has tenido alguna figura o elemento que le sirviera de inspiración?
JG:Me gusta esta pregunta porque es difícil de responder. La percepción es todo lo que tenemos. Siempre me gustan los artistas reflexivos que también son juguetones o respetuosos en su enfoque. Para mí, honrar la pena con humor es como una conversación imaginaria con alguien a quien no conozco: no empezaría con afirmaciones cerradas o datos pesados, perdería al público demasiado rápido. En lugar de eso, empiezo con una anécdota o una historia que se construye y desarrolla orgánicamente, invitando a un intercambio recíproco de ideas. Para mí, la tristeza y el humor proceden del mismo lugar: ambos son respuestas emocionales. Sin embargo, su percepción es una perspectiva determinada por la persona que eres y el mundo en el que aspiras a vivir. El estilo es cómo te mueves por el mundo. Permito que mi obra se perciba como llena de contradicciones. Es preciso pero intencionadamente imperfecto. Es complejo, serio pero eficaz.
L: ¿Podrías hablarnos de algunas de tus obras de arte que tanto nos gustan? ¿Cuál fue la inspiración, el mensaje que querías transmitir, cómo fue el proceso de creación, y cómo revisarías la obra en circunstancias contemporáneas?
L: “For the First Time I Really Saw Beyond the Appearances”, 2017
JG: Tras realizar una serie de grandes instalaciones sobre la destrucción intencionada del patrimonio cultural y la arquitectura simbólicamente significativa, quise trasladar el tema a objetos más pequeños. Existe una historia arqueológica de objetos que representan la fertilidad, fetiches, rituales simbólicos o entretenimiento, por nombrar algunos. Tenían un significado para el creador y la comunidad. Con la destrucción cultural puede perderse el patrimonio y, por tanto, también la identidad individual. He estado creando objetos ficticios que podrían funcionar de forma similar a los artefactos perdidos: desafían el uso o la interpretación precisos pero, aun así, anticipamos que había una razón inherente para que existieran, sólo tenemos que encontrarla. Así aprendemos más sobre nuestra historia y sobre nosotros mismos.
L: “A Mystery, Fetish, Neurosis and Fragmentation of Ourselves”, 2017
JG: Cuando tenía unos cuatro o cinco años, siempre me alegraba encontrar espejos de cuerpo entero en los grandes almacenes de ropa, donde podía colocarme a un lado del espejo con la mitad del cuerpo delante y la otra mitad detrás. Mover los brazos y las piernas delante del espejo tenía una simetría engañosa pero juguetona, similar a la de una marioneta bailando o montando en una bicicleta invisible. Me gustaba la percepción de reflejar un movimiento y un comportamiento. Lo veo como una duplicación de uno mismo, un reflejo de la confianza y la identidad personales, de lo que somos o quizá de lo que nos presentamos como tales. Siempre estuvo pensada para mostrarse en el suelo, escondida en un rincón de un espacio expositivo.
L: Kneel, 2020, wood, stain, metal, pigment, wax, 20 x 22 x 22 inches
JG: Este comenzó con una intención diferente. Mientras trabajaba en los pies, los giré para que las partes inferiores quedaran hacia arriba. Era de noche en mi estudio y sólo había dos pequeñas luces encendidas, una de la calle que entraba por una ventana. Los pies hacia arriba me parecían muy vulnerables. En aquel momento había muchos problemas políticos, raciales y de salud en todo el mundo. Reconozco que no hay mucha diferencia de postura entre un momento de contemplación tranquila o un gesto de acatamiento y rendición. En ese momento hice un nuevo boceto y abandoné mi estudio para pasar la noche.
L: “How Much Earth for Sale?”, 2022
JG: Quería utilizar una de las técnicas de construcción más antiguas, la tierra apisonada (tierra compactada para crear una estructura similar al cemento) para examinar los derechos sobre la tierra de los ciudadanos y del propio gobierno. Hice referencia a un caso histórico de 1823 en Estados Unidos en el que el Tribunal Supremo ayudó a crear un monopolio para que el gobierno estadounidense adquiriera tierras de nativos americanos al menor coste posible. Lo veo como un monumento a aquellos con los que no estamos de acuerdo: la tierra divide una casa, la entrada y la salida están bloqueadas y no hay forma de acceder para que la casa sea utilizable. El marco de la casa reproduce el de una pieza del juego de mesa Monopoly y las líneas de la casa están pintadas en un color naranja de advertencia y seguridad. Una casa dividida es un tema fácilmente reconocible en muchos temas que tratamos a diario.
L: “One Blank Round”, 2015
JG: No cuestiono lo que me interesa, así que todo lo que leo en las noticias, libros o escucho en podcasts pueden convertirse en ideas para seguir explorando, incluso temas complejos y difíciles. Había estado leyendo sobre un hombre condenado a la pena capital. En el lugar donde vivía se utilizaba la inyección letal, pero él quería un pelotón de fusilamiento, que había sido declarado ilegal. Su elección tenía por objeto suscitar el mayor interés posible por su caso. Una de las explicaciones que he leído sobre los pelotones de fusilamiento es que varias personas con armas disparan con una sola pistola que contiene una bala real y las restantes tienen balas de fogueo que no causan daño. Esto deja cierta ambigüedad sobre quién efectuó el disparo mortal. Aunque en apariencia esto sólo podría ser sobre el debate en torno a la pena capital, pero también creo que es la discusión más dura en torno a la psicología humana y cómo tratamos de construir justificaciones y metodología para nuestro comportamiento.
L: ¿Cuáles son las luchas a las que más te enfrentas a la hora de crear arte?
JG: La paciencia. Pero tengo la esperanza de una conversación más amplia.
L: ¿Tienes algún próximo proyecto que te gustaría compartir con nosotros?
JG: Estoy trabajando en un proyecto basado en la ascendencia que incorpora escultura, cinética y sonido. Otro proyecto en el que estoy trabajando para finales de otoño será una instalación también sobre la ascendencia, una reinterpretación de las reliquias y su significado asociado en el contexto de la venta al por menor de usar y tirar.
