Imagine: Diseño regenerativo de arrecifes de coral | Entrevista con Harald Gründl

IMAGINE: DISEÑO REGENERATIVO DE ARRECIFES DE CORAL

Del 3 de mayo al 23 de junio de 2024, la exposición ‘Imagine: Coral Reef Regenerative Design’ tuvo lugar en el Kunstgewerbemuseum de Berlín. Esta exposición de diseño experimental retrató los arrecifes de coral en un mundo que enfrenta múltiples crisis. El complejo ecosistema de un arrecife de coral está muriendo debido al cambio climático provocado por el hombre. ‘Imagine: Coral Reef Regenerative Design’ demuestra esto al tejer papeles blancos y exponerlos bajo luz ultravioleta para simular el blanqueamiento de los arrecifes. Posteriormente, la exposición aplica procesos de diseño para mostrar a los espectadores posibles caminos para salvar los arrecifes.

La exposición creó un espacio inmersivo donde macro-corales, basados en las instrucciones de diseño abierto del proyecto “Crochet Coral Reef” de Christine y Margaret Wertheim (Institute for Figuring), destacaron el problema que supone el blanqueamiento de corales. El arrecife de coral se pobló con objetos que representaban temas centrales de los principios del diseño regenerativo, inspirados en el texto Enlivenment de Andreas Weber. Estas exposiciones sirvieron como iniciadores de conversaciones, alentando a los visitantes a reflexionar sobre los posibles roles que el diseño puede desempeñar en la creación de futuros regenerativos.

¿Qué fue lo que te inspiró acerca de los arrecifes de coral?

Este podría ser el primer sistema biológico que va a desaparecer por completo. El coral es una imagen muy intuitiva, colorida y vivaz. Cuando digo arrecife de coral, todos tienen esta imagen de peces nadando y todos esos colores. Lo segundo que podrías pensar es en el blanqueamiento de corales, que es algo que los ecosistemas enfrentan cada vez más. Encontramos que esta doble imagen era una configuración interesante para pensar en un tema que todavía es bastante abstracto cuando hablamos de diseño regenerativo.

No soy biólogo, pero lo que me fascina como diseñador y en la serie de diseño es: ¿cómo puede un ecosistema tan vivo y rico formarse en áreas donde no hay absolutamente nada? Entonces, solo es la infraestructura de los corales, la que produce este increíble ecosistema. Creo que esto sirve como una metáfora cuando piensas en cómo podríamos permitir este tipo de ecosistema floreciente en nuestro contexto cultural.

¿Hubo algún momento en particular en el que te diste cuenta de que esto era lo que querías hacer?

En la investigación preliminar de la exposición, nos encontramos con una herramienta de inteligencia del Foro Económico Mundial. Es una especie de herramienta de red donde al presionar cualquier cosa se crean todas estas otras relaciones. Investigamos el diseño circular y hacia dónde va, y uno de esos caminos va hacia el océano. Esto fue lo que nos llevó a esta idea tan loca de pensar en el mar.

¿Cómo esperas que reaccione la gente ante la exposición? ¿Tu objetivo es inspirar la realización de nuevas formas regenerativas de actuar?

La exposición tiene diferentes aspectos. Un aspecto es lo que llamamos la sala del arrecife de coral, porque generalmente en las otras exposiciones todo estaba en una sola sala. Así que, al adaptarnos a estas condiciones en el Kunstgewerbemuseum, tuvimos que separar las cosas, lo que nos llevó a tener esta instalación más inmersiva en una sala con una proyección bastante impactante de estos tipos de biodiversidad frente a materiales producidos por el hombre apilándose. La otra sala es lo que llamamos el laboratorio de diseño regenerativo. Este formato no es solo una exposición, sino que también cubre los talleres que hacemos con universidades cuando la exposición se traslada de un lugar a otro.

Ves siete objetos que representan los siete principios y, por supuesto, esto es una investigación en curso, por lo que es muy difícil encontrar ejemplos realmente audaces, pero lo intentamos con mucho esfuerzo.

Creo que no siempre se trata de decir “mira, así es como vamos a hacerlo”, pero por ejemplo, el zapato de pasto es algo que representa los bienes comunes. Entonces, las mujeres mayores van al bosque, encuentran el lugar secreto y allí cosechan la hierba, luego la llevan de vuelta y la secan. Por supuesto, no es un tipo de plan o receta para que Adidas o Nike produzcan sus zapatos. Pero creo que debería ser una inspiración para mirar todo el proceso de qué tipo de materiales se utilizan y a quién pertenecen.

Creo que el diseño debe ser una toma de decisiones más informada. Necesita diseñar toda la cadena de valor también. A veces los diseñadores solo quieren una solución sencilla, así que eligen bioplástico, pero no creo que sea tan fácil.

Hubo mucha investigación diferente e información técnica en la exposición. ¿Cómo fue la experiencia de colaboración entre todos?

Cuando comenzamos las exposiciones el año pasado, fue esta instalación inmersiva. Dijimos que queríamos una exposición experimental de una manera que creo que hemos logrado, especialmente a través de la arquitectura de la exposición. Lo otro que dijimos es que queríamos que fuera auto-aprendizaje. Este es uno de los principios naturales. Queríamos este tipo de apertura y de cosas no planeadas. Así que una de estas cosas fue la colaboración con estudiantes. No tuvimos esto en Berlín, pero estoy muy agradecido por la colaboración con otras bandas del Kunstgewerbemuseum. La curadora del museo construyó una plataforma humana moderna que encaja muy bien. Encontró objetos realmente maravillosos de la Renacimiento. Esto desafía las teorías del diseño moderno, ya que antes creíamos que podíamos hacer la naturaleza aún más hermosa poniéndole oro y contando historias mitológicas. Es una locura que un artesano pudiera quitar la cáscara exterior, dejando solo la superficie de la perla. Esto resalta la necesidad de una investigación interdisciplinaria. Los museos a veces no se conectan ni cuestionan cómo embelleceríamos la naturaleza hoy en día. Revisar las prácticas pasadas y entender cómo reintegrarlas en nuestra sociedad actual es crucial. Tenemos que encontrar mejores soluciones muy rápido.

¿Podrías contarnos algo sobre tu decisión de hacerla una exposición itinerante?

La exposición itinerante fue una posibilidad dada por nuestros clientes. Cuando Austria empieza a financiar exposiciones, a veces se presenta como una especie de cosa relacionada con estilo colonial para mostrar lo buenos que somos y nuestros productos, nuestro arte y nuestra arquitectura. Esta exposición está realmente trabajando conscientemente en contra de eso, yendo a algún lugar y siendo más inteligentes que el lugar. Para Belgrado, estamos colaborando en una de las exhibiciones con una organización llamada Co/Rizom. Es una red que cubre artesanías individuales muy talentosas, principalmente en la región de los Balcanes y en Tirana. En Belgrado, activaremos una de estas exhibiciones para crear un impacto allí.

Las siguientes paradas son Delhi y Bangalore, que es una ciudad de alta tecnología. Es inspirador encontrar socios locales y encontrar el lugar adecuado para mostrarla.

¿Cuál es tu visión para futuros proyectos?

Tenemos los siete principios y estos fueron traducidos de un libro de un filósofo y biólogo alemán que describe la naturaleza. Intentamos preguntar “¿Qué es el diseño regenerativo?” La respuesta más simple que encontramos es aplicar estos principios de la naturaleza y el diseño. Esta es una respuesta muy corta que conlleva mucha complejidad.

Con los talleres de estudiantes, a cada grupo de estudiantes solo se le asigna uno de los principios. Por supuesto, el siguiente nivel es integrar más principios.

Estoy enseñando teoría del diseño en la Universidad de Artes Aplicadas y propuse un proyecto donde me encargo de los estudiantes que están dispuestos a desafiarse a sí mismos tomando más de un proyecto. Esto se convierte en un proyecto educativo. Es difícil, es desafiante, pero también creo que es inspirador.

¿Hubo alguna razón por la que decidiste usar crochet?

Cuando diseñamos la exposición, sabíamos que queríamos seguir nuestro propio título. El tejer las estructuras de coral nos intrigó porque va más allá del trabajo de diseño típico hecho en un ordenador. Solo hay dos formas en las que estos patrones de crochet crecen, creando formas hiperbólicas. Experimentamos con estas formas, tratando de entender qué tipo de nuevo ejercicio de adaptación sería. Nos pareció interesante cómo variaban según la disposición de la sala. Elegimos material biodegradable que proviene de un ciclo natural. Se volvió más avanzado cuando queríamos recrear esta situación de muerte de los corales, que ocurre cuando empieza el blanqueamiento. Comienzan a expulsar las algas y se vuelven blancos. En Chasing Coral hay una secuencia increíble donde el coral comienza a verse bajo la luz ultravioleta en estos tonos azul, blanco y violeta, y queríamos recrearlo. Encontramos diferentes calidades de este papel, que son diferentes tipos de blanco. Fue un proceso experimental, mucho juego y aprendizaje y, por supuesto, este tipo de producción de crochet llevó semanas.

¿Hubo otros grandes desafíos con los que luchaste?

Cuando tienes una exposición itinerante, lograr una expresión similar dependiendo del lugar es bastante difícil, así que optamos por la idea de tener solo salas negras, y esto funciona bastante bien. No es necesario pintar las paredes de negro. Aquí es donde las exposiciones también desperdician muchos materiales y recursos. La luz UV pone todo en el mismo tono y se usa muy poca energía, mucho menos que un foco normal.

La exposición fue acompañada de mucha información técnica. ¿Cómo equilibraste la información y las imágenes?

Equilibrar esto es un desafío. La clave está en la transición de prácticas degenerativas a regenerativas. Muchos ven la sostenibilidad como el objetivo, pero es solo un paso hacia lo que necesitamos lograr. Las personas a menudo piensan que “lo verde” es suficiente, pero la sostenibilidad, incluso con los objetivos de las Naciones Unidas, es solo una transición, no el objetivo final.

¿Cuál fue tu aspecto favorito de la exposición? ¿De qué te sientes más orgulloso?

Estoy bastante orgulloso de que parece atraer a las personas hacia diversas preguntas serias sobre el futuro de una manera entretenida e inspiradora. Tuvimos mucho miedo de que solo hubiera siete exhibiciones. Pero luego recibimos comentarios de la gente que decían que estaba bien que fueran solo siete, porque empezaron a pensar en lo que faltaba. Creo que eso funcionó bastante bien y veremos cómo lo hacemos en el futuro.

¿Tienes una expectativa positiva sobre los arrecifes y la capacidad de la humanidad para regenerarlos?

Creo que la disposición a salvar ecosistemas tan hermosos es alta. Creo que es una metáfora de lo que el diseño puede hacer. Crea este futuro hermoso en el que podemos creer y nos gusta.

¿Has tenido alguna respuesta que te haya impresionado?

Para mí, la experiencia más hermosa es este intercambio con actores locales. Hubo una historia en Sarajevo. La universidad de arte tiene un curso de diseño y lo llamaron diseño sostenible. Luego, después de la exposición, el profesor me dijo que tal vez deberíamos renombrarlo como diseño regenerativo.

¿Dónde ves los arrecifes de coral en 10 años?

Las preguntas clave son qué prácticas queremos eliminar y qué cambios buscamos. Si las personas salen de sus roles habituales, verán la necesidad de abandonar las prácticas dañinas. Estamos atrapados en conceptos de negocios obsoletos, no porque no sepamos mejor, sino porque nos falta confianza en las alternativas. Esta es una fase típica de transición. Espero que esta iniciativa anime a algunos a probar estas alternativas.

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