Decoración superior | La Belleza de la Artesanía
La artesanía en diseño de interiores y decoración es un arte que se ha puesto en peligro en nuestra era industrial debido a los nuevos procesos de mecanización, producción y comercio global. Artesanía significa hacer un producto con cuidado, habilidad e ingenio. Un artesano es alguien que ve lo que hace como ciencia y arte. Crean productos con pasión, orgullo y cuidado. Y están constantemente buscando formas de mejorar su arte. Los artesanos y artesanas exploran constantemente su dominio y están profundamente conectados con su trabajo.
Al observar el mundo del comercio minorista, la pérdida de la artesanía se hace evidente en calles comerciales dominadas por H&M o Zara y sus colecciones de moda producidas para las masas. Ikea ha borrado igualmente a los artesanos independientes del mundo de la decoración de interiores y los muebles, con una producción que es incomparablemente rápida y barata. Los artesanos y artesanas del pasado producirían una sola pieza a mano, la examinarían y volverían a la mesa de trabajo para mejorarla a la perfección. Cada artículo es hecho exactamente como el diseñador lo había planeado y es perfectamente único. Ninguna otra pieza será exactamente igual.
Con las repercusiones de la producción en masa llamando a nuestra puerta, es hora de que reposicionemos nuestros valores y revivamos el arte perdido de las cosas hechas a mano. Al apoyar a los artistas por encima de las corporaciones, estamos respetando el valor de los materiales, el valor de la mano de obra y el valor del tiempo. Los artesanos crean desde un lugar de pasión, no un lugar de codicia. Compra menos y siente que tienes más con piezas cuyo propósito y estilo están perfectamente entrelazados, piezas que durarán toda la vida. Apoya a diseñadores que trabajan en armonía con la naturaleza y hacen hermosos objetos de diseño, no cosas descartables.
Para orientarte, hemos seleccionado una lista de productores internacionales independientes, artesanos y fabricantes ilustrados que están emergiendo como una fuerza autónoma en el diseño contemporáneo. Apoya la innovación y celebra una nueva generación de diseñadores en ascenso. Estos fabricantes están a la vanguardia de un movimiento que desafía la cadena tradicional de producción y distribución.
Khaled El Mays (Beirut, Líbano)
El diseñador libanés Khaled El Mays destaca por un trabajo abarca la artesanía tradicional y la conciencia del lujo dentro de un marco contemporáneo innovador. Desde 2014, The Mays ha estado dando conferencias en la Universidad Libanesa junto con su Atelier. El estudio multidisciplinario divide sus energías entre dos lados de la fabricación, ambos con el objetivo de apoyar a la comunidad local. Trabajar con artesanos locales en el valle de Bekaa permite el desarrollo del negocio manteniendo sus estructuras, y las piezas se desarrollan de forma orgánica entre los artesanos y el diseñador. En segundo lugar, Mays asegura que los diseños se procesen formalmente de la manera más lujosa, utilizando solo los mejores materiales y los mejores proveedores disponibles.
Los diseños de muebles de El Mays se basan en formas secuenciales repetitivas y siempre mantienen una composición equilibrada única. Su trabajo representa un código lingüístico de su propia cultura. Usar símbolos e información visual para comunicar una herencia compleja. Desde la maravilla arquitectónica de las formas abiertas hasta las líneas diagonales que se cruzan y divergen, las referencias históricas y las bóvedas de crucería hacen que El Mays diseñe objetos de arte. Como parte del progreso de residencia de EDIT Napoli, El Mays ha trabajado con artesanos del Quartieri Spagnioli, un área de clase trabajadora con antiguas tradiciones en cuero y herrajes. Creó una pequeña colección de mesas de café, que presentan referencias arquitectónicas mediterráneas y del Medio Oriente, que sirve como un recordatorio de las conexiones culturales entre las dos regiones.
© Khaled El Mays
© Khaled El Mays
Anna Badur (Berlin, Germany)
Con sede en Berlín, la diseñadora independiente Anna Badur crea muebles, textiles y accesorios decorativos para el hogar inspirados en elementos y procesos naturales. Badur se graduó con un B.A. de Diseño Industrial y de Comunicación en la Universidad de las Artes Braunschweig. Posteriormente obtuvo una maestría en diseño contextual en 2012 de Design Academy Eindhoven en los Países Bajos.
Estableciendo su propio estudio de diseño en Berlín en 2013, completó un programa de artista en residencia el mismo año en la fábrica de porcelana de Cmielow en Polonia. Desde entonces, continuó trabajando con este medio en su ciudad, en la fábrica de porcelana Kahla en Berlín. Los diseños de Badur se basan constantemente en procesos, inspirados en la zona costera de su tierra natal en el noroeste de Alemania, un área formada por la lluvia y las mareas del Mar del Norte. Su trabajo creativo parece reflejar el ritmo de la naturaleza a través de una estética elegante y delicada.
Badur señala: "El ambiente tiene una belleza melancólica, que de alguna manera es misteriosa y profundamente banal. Esta atmósfera única puede provocar una sensación de soledad, pero ofrece espacio para la poesía y la creación".
En 2014, Badur participó en la BIO 50, la 24ª Bienal de Diseño de Lubljana en Eslovenia, donde trabajó en colaboración con el albañil local Beno Ogrin. La pareja trabajó con piedra natural eslovena que celebra tanto la artesanía de la mampostería de piedra como el hermoso paisaje de Eslovenia.
© Anna Badur
MASQUESPACIO (Valencia, España)
Masquespacio es una consultora creativa galardonada creada en 2010 por Anna Milena Hernández Palacios y Cristophe Penasse. Combinando las dos disciplinas de sus fundadores, la agencia de diseño española crea proyectos de interior a través de un enfoque único que da como resultado conceptos frescos e innovadores recompensados con un continuo reconocimiento internacional en diseño especializado.
Vino Veritas, un restaurante ecológico español ubicado en Oslo, Noruega, fue diseñado por el estudio valenciano. Palacios utilizó paredes y techo de madera blanqueada y un piso de roble macizo. Para reflejar el menú andaluz, el diseñador trajo un balcón andaluz con barandas, cestas, persianas de esparto y baldosas de arcilla española. Destacó la artesanía tradicional al presentar elementos como la rafia hecha a mano, lámparas de esparto y cordón, mesas de madera maciza y textiles diseñados por Palacios. Para completar el espacio, lo infundió con el color de la vida, a través de plantas verdes y tapicería turquesa.
La lámpara Wink de Masquespacio y la colección Arco se exhibieron en la edición 2018 de Maison et Objet en París. Para el espacio de 100m2 diseñado para Kento, el equipo de diseño utilizó materiales como mosaicos para los pisos y algunas paredes, paneles de madera semicirculares cuidadosamente diseñados y espejos para crear una perspectiva infinita para el techo. Lo que es notable de este espacio es el exitoso unísono de elementos de diseño postmodernos, que recuerdan el estilo de Memphis, con la artesanía del refinamiento japonés para crear un estilo que se refleje hoy en día.
© Masquespacio
© Masquespacio
Chmara.Rosinke (Viena, Austria)
Los diseñadores Ania Rosinke y Maciej Chmara fundieron su estudio en 2012 en Viena, Austria. Su estudio de diseño Chmara dirige y ejecuta objetos, interiores e instalaciones desde el concepto hasta la creación. El trabajo de Rosinke se caracteriza por formas simples y poéticas; conciencia ecológica y estética que remonta los objetos a sus arquetipos fundacionales.
"Cada objeto debe poder funcionar como un logotipo. Tiene que ser fácilmente comprensible en su forma básica pero aún reconocible” - dicen los diseñadores.
Los proyectos notables incluyen Mobile Hospitality (2011), una cocina móvil de madera con una estética DIY que celebra la alegría de la cultura gastronómica. Este proyecto ganó numerosos premios, incluido el Premio DMY International Design Festival 2012, y se agregó a la colección permanente del Museo de Artes Aplicadas de Viena.
Timber Daybed for Hermès (2014), un simple sofá cama arbolado con pantallas textiles plegables. Fue finalista en el prestigioso concurso Prix Emil Hermès ese mismo año. Este diseño destaca por su simplicidad y equilibrio, y su presencia abrumadora. La experiencia del dúo de diseño es reconocible a través de su capacidad para diseccionar estos "arquetipos" tradicionales de objetos de interiorismo y reinventarlos para un consumidor del siglo XXI. El portfolio de Chmara.Rosinke ejemplifica tanto obras que pueden ser independientes como obras de arte. Todas proporcionan un uso práctico para la vida cotidiana.
© Chmara.Rosinke
© Chmara.Rosinke
Yuno Glasswear ©Chmara.Rosinke
Confalonieri (Milán, Italia)
Nacida en Vimercate, Italia, en 1980, Serena Confalonieri estudió diseño de interiores en el Politecnico di Milano, graduándose con una maestría en 2006. Posteriormente trabajó en numerosas prácticas de diseño en Milán, Barcelona y Berlín. Estableciendo su propio estudio en Milán en 2011, desde entonces se ha dedicado al diseño de productos, textiles y gráficos, dirección de arte e interiores.
Independientemente del medio, el trabajo de Confalonieri está marcado por un estilo gráfico único que se realza con formas, colores y texturas en negrita. Sus proyectos sobresalientes hasta la fecha incluyen la Colección Masai, una iniciativa de floreros y espejos coloridos inspirados en la cultura tribal; la colección de sobremesa de acero Kyma for Sambonet, inspirada en las olas del mar; Architypes, una fachada gráfica e instalación interior para Archiproducts en Milán que juega en un patrón geométrico audaz; y las sillas Ula y Baba de My Home Collection, inspiradas en la moda (todo en 2017). Ya sea vidrieras, porcelana, trabajos en cuero o madera, sus objetos de diseño artesanal son piezas de una imaginación desenfrenada que merecen nuestro reconocimiento en tiempos de producción en masa.
© Confalonieri
+ Textos: Ella Kraimer
Ella Kraimer es estudiante de Comunicación Visual en Berlín, con la misión de incitar un cambio social positivo a través de su trabajo creativo. Le apasiona promover una cultura sostenible desde cero, comenzando por cambiar la forma en que consumimos y creamos.
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