Quién es Maria Baoli y por qué deberías conocer su fotografía íntima

Maria Baoli se describe a sí misma como curiosa y ávida de aprender sobre todo tipo de temas, ya sea arte, gastronomía, personas, culturas o vida marina. Le gusta sorprenderse y su trabajo como fotógrafa le permite adentrarse en otras realidades, ficticias o no, para comprender el mundo que le rodea. La fotografía es también para ella una herramienta para comprenderse mejor a sí misma, a través de las capas íntimas e inquietantes de su obra.

Su enfoque único de la sensibilidad hacia sus sujetos le permite crear una conexión con la naturaleza y transmitir múltiples mensajes en una sola foto, mientras que el lento y delicado proceso de creación de sus imágenes a mano añade un valor excepcional a su trabajo. La entrevistamos para saber más sobre su técnica y sus sueños.

ENTREVISTA CON LA FOTÓGRAFA MARIA BAOLI

En su obra personal explora temas como la memoria, la identidad y la cultura. ¿Cómo utiliza la fotografía para expresar estos temas y por qué se inclina por la fotografía frente a otras formas de arte?

El tema de la memoria está profundamente relacionado con la fotografía, tal y como Susan Sontag afirma en su ensayo “En la caverna de Platón”: “Todas las fotografías son memento mori”. Hacer una fotografía es participar en la mortalidad, vulnerabilidad y mutabilidad de otra persona (o cosa). También Roland Barthes, en su Camera Lucida, describió una función central de la fotografía como mostrar “eso-que-ha-sido”. Me gusta reflexionar sobre cómo afecta la fotografía a la memoria. ¿Recuerdo ese momento gracias a la fotografía? ¿Sé cómo era esa persona o es el retrato de esa persona lo que he guardado en mi memoria? Cuando miramos fotos antiguas podemos rastrear una existencia, un tiempo y una cultura que quizá hayan desaparecido pero que de alguna manera se conservan en imágenes. La fotografía ya no se limita estrictamente a una antropología visual tradicional, sino que se utiliza como prisma a través del cual explorar la identidad y la cultura, y es una llave para entrar en mundos que pueden estar ocultos o que se han mantenido en privado. Su capacidad de reproducción, a diferencia de otras formas de arte, lo hace muy atractivo. Dependiendo del tamaño, el papel y la técnica, el significado de una fotografía puede variar. En septiembre empecé a tomar clases de pintura, así que estoy intentando encontrar un equilibrio entre estos dos medios.

Gran parte de tu portafolio está formado por impresiones en cianotipia e imágenes de películas. ¿Es complicado este proceso? Háblanos de ello…

Trabajar con película fotográfica hace que el acto de hacer la foto sea mucho más deliberado, ya que cualquier película tiene un número limitado de disparos y el resultado no es inmediato. Esto hace que todo el proceso sea más consciente y lento, lo cual agradezco. Me encanta pasar tiempo en el cuarto oscuro, es como un tiempo de meditación con un enfoque principal y siempre me fascina cuando las impresiones de gelatina de plata revelan las imágenes. Asimismo, los cianotipos son una técnica muy antigua del siglo XIX y tienen un proceso parecido a la pintura y la artesanía que me gusta mucho. Trabajar con las manos y los pinceles es una auténtica gozada y esta técnica permite muchos experimentos.

El proceso es bastante sencillo, es sobre todo trabajar con papel de gramaje ligero y explorar otros ingredientes lo que lo hace más desafiante (¡y emocionante!).

¿Qué es lo que más te interesa de trabajar con este medio frente a la fotografía digital? ¿Hay algún artista o fotógrafo que inspire tu enfoque?

La fotografía de película permite un enfoque mucho más lento e íntimo. Las fotos se materializan y esta existencia hace que todo el proceso sea más consciente. Hoy en día estamos tan expuestos y acostumbrados a las pantallas que resulta gratificante poder utilizar las manos para crear algo. Admiro mucho a pintores como Andrew Wyeth o Jorg Maldener, pero también fotógrafos como Nan Goldin y Peter Beard han sido clave en mi práctica, sobre todo en las primeras etapas. También soy una gran admiradora del trabajo de mis amigas Anne Sophie Guillet, Laura F. Izuzquiza y Ana Paes, que realmente transmiten emociones.

Tu fotolibro “Wave of Dream” reúne bellas imágenes en blanco y negro y en color de la naturaleza y el cuerpo. ¿Qué influencia tuvo el entorno en este proyecto?

Empecé este proyecto en jardines botánicos, con un planteamiento lineal que luego resultó erróneo. Sin embargo, fue un buen punto de partida, ya que es un espacio donde los humanos quieren preservar la naturaleza de forma artificial. Por tanto, el entorno era muy inspirador, ya que puede adoptar una gran variedad de formas, luces y profundidad, y la fauna y la flora han sido uno de mis principales intereses desde que era niña. Quería reconectar con la naturaleza salvaje de mi infancia, a pesar de haber nacido y crecido en una gran ciudad (Madrid), mis recuerdos más profundos están relacionados con el campo, donde pasaba los fines de semana rodeada de perros, jugando con barro y perdiéndome por los campos.

¿Crees que el entorno influye en el conjunto de tu práctica?

Sin duda. Las reservas de plata están disminuyendo y, desde luego, los productos químicos para procesar películas e impresiones son bastante tóxicos. Fue durante mi primer embarazo cuando empecé a explorar técnicas más respetuosas con el medio ambiente, como los cianotipos, y he probado otras alternativas con café y piel de naranja. Además, me gusta utilizar plantas para dar tono a mis impresiones, ¡no sólo es respetuoso con el medio ambiente, sino que también huele muy bien! Los pequeños gestos tienen su impacto y creo que, más pronto que tarde, la mayoría de los fotógrafos que trabajan con Sustainable Darkroom serán más conscientes de las alternativas menos tóxicas.

¿En qué difiere tu enfoque cuando trabajas en un proyecto por encargo en comparación con tu trabajo personal?

Me gusta tener mi propio punto de vista en los proyectos de encargo, pero también un equilibrio entre el cliente y mi visión, ya que debes entregar los resultados y ambas partes deben estar contentas. Es un ejercicio en el que puedes aprender mucho y te obliga a tener disciplina, mientras que mis proyectos personales pueden ser más intuitivos y no hay presión sobre el resultado, se trata más de una corazonada.

¿Es difícil triunfar como fotógrafa en la era digital?

La fotografía digital ha abierto el acceso a la profesión y algunas plataformas, como Flickr en los viejos tiempos o Instagram ahora, han desempeñado un papel importante en términos de visibilidad y oportunidades. Sin embargo, al mismo tiempo ha aumentado la competencia, así que supongo que se trata más de tener voz y de asegurarse de llegar a la gente adecuada.

Para finalizar, ¿estás trabajando ahora en algún nuevo proyecto del que puedas hablarnos?

Estoy trabajando en el segundo capítulo de The Mirror, “You/ roofs at night”, centrado en jóvenes madres de familias desestructuradas, que se expondrá a finales de año en Bruselas.

+ All Images:
Courtesy by © Maria Baoli

+  Words:
Emily Nicholas
Luxiders Magazine