Viktor & Rolf. Declaraciones de moda | En el High Museum of Art, Atlanta

Durante la última década, los museos se han convertido en espacios clave para pensar la moda más allá de la pasarela. Exposiciones monográficas dedicadas a diseñadores como Alexander McQueen, Rei Kawakubo, Hussein Chalayan, Martin Margiela, Issey Miyake o, más recientemente, Iris van Herpen han demostrado que la moda no produce únicamente imágenes o tendencias, sino sistemas de pensamiento. Lejos de funcionar como simples retrospectivas, estas muestras han abordado el cuerpo, la identidad, el tiempo, la materialidad y la tecnología desde una perspectiva crítica y experimental, situando la moda en diálogo directo con la escultura, la arquitectura, la performance y la teoría contemporánea.

Instituciones europeas como el Victoria and Albert Museum de Londres, el Musée des Arts Décoratifs y el Palais Galliera de París, el MoMu de Amberes o el Centraal Museum de Utrecht han desempeñado un papel fundamental en este giro, sosteniendo de forma constante exposiciones que entienden la moda como una práctica cultural compleja, atravesada por la historia del arte, la literatura, la política y la investigación material. En Estados Unidos, museos como el Metropolitan Museum of Art o el Museum of Fine Arts, Boston, han seguido caminos similares, contribuyendo a consolidar un marco en el que la moda puede examinarse con la misma profundidad crítica que otras disciplinas artísticas.

Es en este contexto donde Viktor&Rolf. Fashion Statements llega al High Museum of Art de Atlanta y marca la primera gran retrospectiva del dúo neerlandés en Estados Unidos. En exhibición del 10 de octubre de 2025 al 8 de febrero de 2026, la muestra no solo recorre más de tres décadas del trabajo de Viktor Horsting y Rolf Snoeren, sino que también inaugura una nueva etapa institucional definida por un compromiso sostenido del museo con la moda.

Comisariada por Thierry-Maxime Loriot en colaboración con la Kunsthalle de Múnich, donde la exposición se presentó por primera vez en febrero de 2024, la muestra reúne más de cien obras que condensan el singular universo creativo de Viktor & Rolf, un territorio híbrido en el que la alta costura se cruza con el arte conceptual, la performance, la escenografía y una reflexión crítica sobre el propio sistema de la moda. Desde la década de 1990, el dúo ha desarrollado una práctica profundamente experimental, arraigada en ideas abstractas que se materializan a través de una artesanía extrema y un dominio técnico excepcional.

En lugar de seguir una narrativa estrictamente cronológica, Fashion Statements se articula en ocho capítulos temáticos: Fashion Artists, Russian Dolls, Fashion Statements, The Dolls, Zen Garden, Performing Fashion, Viktor & Rolf on Stage y Upcycling Couture. Esta estructura permite al espectador comprender la coherencia interna de su obra, así como la recurrencia de determinados gestos, obsesiones y estrategias formales. La moda se presenta aquí como un lenguaje autónomo, capaz de construir sus propios relatos y de cuestionar los límites entre objeto, cuerpo e imagen.

Uno de los ejes centrales de la exposición es la concepción que Viktor & Rolf tienen del desfile como acto performativo. Para los diseñadores, la pasarela nunca ha sido un espacio puramente comercial, sino un escenario para la narración y la tensión simbólica. A lo largo de su trayectoria, han transformado el desfile en una arena teatral donde se representan oposiciones como romance y poder, exceso y contención, clasicismo y rebeldía. En el contexto museístico, estas prendas se liberan del ritmo acelerado del calendario de la moda y se observan desde una mirada más lenta y reflexiva, lo que permite al público adentrarse en los procesos conceptuales y técnicos que hay detrás de cada pieza.

La experiencia expositiva se ve además enriquecida por proyecciones animadas creadas específicamente para la muestra por Rodeo FX, el estudio de efectos visuales responsable de producciones como Blade Runner 2049, Stranger Things y Game of Thrones. Estas intervenciones digitales amplifican las dimensiones teatrales y ficticias del trabajo de Viktor & Rolf, situando al visitante en un espacio intermedio entre la prenda, la imagen y la escenografía.

Sin embargo, Viktor & Rolf. Fashion Statements es más que una exposición emblemática. Es el proyecto inaugural del Lauren Amos Fashion Project, una iniciativa plurianual hecha posible gracias a una donación multimillonaria de la empresaria de moda, filántropa y miembro veterana del consejo del High Museum, Lauren Amos. Este hito marca el primer programa integral dedicado a la moda en los casi cien años de historia de la institución y representa un cambio estructural en la forma en que la moda se posiciona dentro del museo.

Lejos de apoyar exposiciones aisladas, la iniciativa establece un marco a largo plazo que incluye financiación para futuras muestras, programas públicos y la creación de un puesto curatorial dedicado exclusivamente a la moda. A través de este modelo, la moda deja de ser un acontecimiento puntual para convertirse en un campo sostenido de investigación y reflexión dentro del museo.

La donación también reconoce el compromiso previo del High Museum con la moda. En la última década, exposiciones como Iris van Herpen: Transforming Fashion (2015–2016), The Rise of Sneaker Culture (2016) y Virgil Abloh: Figures of Speech (2019–2020) demostraron la capacidad de la institución para abordar la moda desde perspectivas tecnológicas, escultóricas, urbanas y culturales, al tiempo que atraía a públicos diversos y nuevos. El Lauren Amos Fashion Project consolida esta trayectoria y le otorga continuidad.

Con este nuevo marco, el High Museum se posiciona como un participante activo en la conversación internacional sobre moda y museos, fortaleciendo las conexiones transatlánticas y situando a Atlanta como un nodo cultural relevante dentro de este diálogo. La moda deja de tratarse como un complemento del programa museístico para asumirse como una herramienta crítica para comprender el presente e imaginar transformaciones futuras.

En este sentido, Viktor & Rolf. Fashion Statements funciona como una declaración de intenciones. No solo celebra la trayectoria de uno de los dúos de moda más influyentes y conceptualmente rigurosos de los últimos treinta años, sino que también reafirma el lugar de la moda dentro del museo como práctica artística, intelectual y cultural con entidad propia.

Para comprender mejor la visión que sustenta el Lauren Amos Fashion Project, conversamos con Lauren Amos sobre por qué esta iniciativa llega en un momento clave para el High Museum, el papel de los comisarios en la configuración del discurso de la moda y cómo el compromiso institucional a largo plazo puede transformar la manera en que la moda se entiende dentro del museo.

Entrevista con Lauren Amos

¿Qué te motivó a crear el Lauren Amos Fashion Project en este momento de la historia del High Museum?

Sentí que era el momento adecuado. El High está creciendo, el público tiene curiosidad y la moda se ha convertido en una forma muy poderosa de relacionarse con la cultura hoy. Quería ayudar a crear algo duradero, no solo una exposición, sino un compromiso real con la moda como parte del futuro del museo. Este proyecto consiste en darle a la moda el espacio y la seriedad que merece, sin dejar de mantenerla accesible y emocional.

 

¿Qué crees que esta iniciativa puede aportar de nuevo o diferente respecto a exposiciones y programas de moda anteriores?

La mayor diferencia es la continuidad. En lugar de momentos puntuales de moda, esto crea un marco permanente, con alguien pensando en moda a tiempo completo y construyendo ideas durante años, no solo durante meses. Eso permite que las exposiciones profundicen más, se conecten entre sí y exploren la moda como algo más que objetos hermosos. Se trata de ideas, proceso y significado.

 

Viktor & Rolf ha inaugurado el proyecto. ¿Por qué su trabajo era el punto de partida adecuado para este nuevo capítulo?

Viktor & Rolf me parecieron el punto de partida perfecto por el trabajo en sí y por la persona que lo ha hecho realidad. Thierry-Maxime Loriot es un gran amigo y un verdadero visionario, y entiende a Viktor & Rolf y su universo de una forma profundamente personal. Esta exposición es, en gran medida, su creación y viene acompañada de una enorme dosis de pensamiento, confianza e intimidad con los diseñadores.

Empezar el proyecto así me parecía importante. Era una forma de comenzar con intención, y con fuerza. Esta muestra lanza una declaración, no solo a Atlanta sino a nivel internacional, de que el High se toma la moda en serio. Elegir a Viktor & Rolf a través de la mirada de Thierry marca el tono de lo que representa este proyecto: ambición, rigor y un punto de vista claro.

 

La iniciativa incluye la financiación de un nuevo puesto curatorial dedicado a la moda. ¿Qué papel crees que desempeñan los comisarios a la hora de dar forma a cómo se entiende la moda histórica y críticamente?

Los comisarios aportan contexto. Ayudan a contar la historia que hay detrás de la ropa: por qué importa, de dónde viene y a qué está respondiendo. Un comisario dedicado exclusivamente a la moda puede construir ese relato a lo largo del tiempo, conectando a los diseñadores con la historia, el arte, la política y la cultura. Ese tipo de visión a largo plazo es lo que eleva la moda dentro de un museo.

 

¿Cómo ves que este proyecto contribuya al futuro de las exposiciones y del discurso sobre la moda?

Espero que muestre lo que es posible cuando la moda se trata como una conversación seria y sostenida. No como algo temporal o decorativo, sino como algo que merece estudiarse y revisitarse. Si anima a otras instituciones a invertir más profundamente en la moda, tanto curatorial como intelectualmente, sería increíblemente significativo.

 

Tu trabajo abarca emprendimiento, filantropía y defensa cultural. ¿Cómo conecta este proyecto con tu propio recorrido en la moda?

Mi vida cambió al estar expuesta a ciertos diseñadores, artistas y arquitectos, y he visto cómo el trabajo creativo puede transformar lo que una persona cree posible. Cada día, estudiantes recorren el High, y una sola exposición puede cambiar la trayectoria de alguien, o simplemente su estado de ánimo ese día. La moda tiene el poder de hacer eso. A través de mi trabajo con Wish y Antidote lo he vivido de primera mano. Ver a alguien pasar de empaquetar cajas a diseñar para grandes creadores es algo profundamente significativo para mí. Veo la misma posibilidad en estas exposiciones: inspirar, abrir puertas y cambiar vidas de manera silenciosa.

 

¿Imaginas que el Lauren Amos Fashion Project construya conexiones con instituciones o diseñadores europeos, y fomente el diálogo entre culturas de moda a ambos lados del Atlántico?

Sin duda. La moda siempre ha sido global, y muchos de los diseñadores e instituciones que me inspiran están en Europa. Veo este proyecto como un puente, creando un diálogo real entre culturas de moda europeas y estadounidenses.

Al mismo tiempo, es importante sentar a Atlanta en la mesa. Atlanta es una ciudad extraordinaria con una profunda influencia cultural, creatividad e historia, y merece formar parte de estas conversaciones. Este proyecto no consiste solo en importar ideas, sino en posicionar a Atlanta como un participante activo en el diálogo global sobre la moda.

 

Después de Viktor & Rolf, ¿qué direcciones o voces te interesaría explorar en futuras exposiciones?

Una de las partes más emocionantes de este proyecto es que está liderado por el comisariado. Mi papel es apoyar la visión y crear las condiciones para que pueda suceder un trabajo reflexivo y ambicioso. Me interesa ver una variedad de voces y enfoques, consolidados y emergentes, locales e internacionales, que sigan desafiando cómo se entiende la moda. Lo que más me importa es que cada exposición aporte un punto de vista sólido y sume algo significativo a la conversación más amplia.