Die andere Mode

Der Begriff „Fashion“ leitet sich vom altfranzösischen Wort „façon“ ab, das so viel wie „machen“ oder „herstellen“ bedeutet. Ursprünglich verband er unterschiedlichste handwerkliche und kreative Disziplinen miteinander. Von Beginn an umfasste er Handwerker, Kunstschaffende, Erfinder und all jene, die sich als Schöpfer neuer Dinge verstanden. Auch wenn diese ursprüngliche Bedeutung bis heute erhalten geblieben ist, steht „Fashion“ inzwischen vor allem für eine Industrie, die Kleidung und Accessoires produziert. Häufig wird Mode mit dem ständigen Kreislauf wechselnder Trends gleichgesetzt, die von den Modehäusern in Paris, Mailand, Berlin oder New York bestimmt werden und den unersättlichen Konsum immer weiter antreiben. Mode sind glamouröse Models, die in luxuriösen Kreationen über die Laufstege schreiten. Mode sind aber auch die ausbeuterischen Textilfabriken in Ländern des Globalen Südens, in denen Menschen unter schwierigen Bedingungen unzählige Kleidungsstücke herstellen, die anschließend in Kaufhäusern am anderen Ende der Welt verkauft werden. Und Mode sind ebenso die gewaltigen Mengen alter und neuer Kleidung, die sich auf Mülldeponien türmen und dort für immer in Vergessenheit geraten.

Innerhalb und außerhalb der Modebranche herrscht weitgehend Einigkeit darüber, dass sich die Industrie verändern muss, um jene Werte der Kreativität und künstlerischen Ausdruckskraft zu bewahren, auf denen sie einst gegründet wurde. Gleichzeitig gilt es, den Auswirkungen eines rein profitorientierten Wirtschaftssystems entgegenzuwirken, das die Branche zunehmend in eine Maschinerie verwandeln kann, deren einziges Ziel darin besteht, möglichst große Mengen minderwertiger Produkte herzustellen und Gewinne zu maximieren. Doch Überzeugungen allein führen nicht zwangsläufig zu schnellem Handeln. Während die Aussicht auf Veränderung allmählich auch die etablierte Modeindustrie erreicht, ist in den vergangenen Jahren eine neue Generation von Marken und Designern entstanden, die ökologische Verantwortung und ethische Grundsätze in den Mittelpunkt ihrer Arbeit stellt. Es bleibt die Hoffnung, dass der Wandel der Modebranche zwar langsam voranschreitet, aber dennoch unaufhaltsam an Bedeutung gewinnt. Von diesem Optimismus getragen, richten wir unseren Blick auf aufstrebende Designerinnen und Designer, die das Potenzial haben, diesen Wandel entscheidend mitzugestalten.

Willkommen bei „The Other Fashion“. In dieser Reihe stellen wir drei unterschiedliche Designer und Marken vor, die neu definieren, was es bedeutet, die Modeindustrie zum Positiven zu verändern. Manche machen die tief verwurzelten Ungleichheiten einer weltweit gefeierten Branche sichtbar. Andere entwerfen Kleidung, die dem allgegenwärtigen Problem der textilen Verschwendung entgegenwirken soll. Wieder andere entwickeln Schuhe, die es ihren Trägerinnen und Trägern ermöglichen sollen, einen positiven Beitrag zum Umweltschutz zu leisten. Begleiten Sie uns auf einer Entdeckungsreise zu den Geschichten, Inspirationen und Philosophien hinter diesen außergewöhnlichen Modekonzepten. Wir würdigen kreative Visionäre, die etablierte Konventionen hinterfragen, neue Perspektiven eröffnen und ihren ganz eigenen Weg jenseits der traditionellen Modeindustrie gehen.

MENSCHLICHE BERÜHRUNG

In ihrer Abschlussarbeit an der University of Edinburgh schreibt Juliet Seger: „Der Faktor menschlicher Arbeit wurde als Verbindung zwischen Nähtechnologie und Kleidungskonsum identifiziert. Dennoch scheint dieser Zusammenhang in der öffentlichen Wahrnehmung weitgehend unsichtbar zu bleiben, da die Verkaufszahlen trotz möglicher Menschenrechtsverletzungen, die gewissermaßen in den Kleidungsstücken selbst stecken, weiter steigen.“ (Seger 2021: 253).

Segers damaliges Abschlussprojekt Human Touch verfolgte das Ziel, etwas sichtbar zu machen, das eigentlich offensichtlich ist und in der Modeindustrie dennoch allzu häufig übersehen wird: Kleidung wird von Menschen hergestellt, die oftmals unter schwierigen Bedingungen arbeiten und für ihre Arbeit nur wenig Entlohnung oder Anerkennung erhalten. In derselben wissenschaftlichen Arbeit stellt Seger eine außergewöhnliche Technik der Kleidungsherstellung vor, die sie „Paint-Sewing“ nennt. Bei diesem Verfahren bedecken die Schneiderinnen und Schneider ihre Finger vor und während des Nähens mit Farbe. Das Ergebnis ist ein Kleidungsstück, das auf den ersten Blick vollkommen gewöhnlich erscheint. Erst die sichtbaren Fingerabdrücke offenbaren mit bemerkenswerter Deutlichkeit, wie viel menschliche Arbeit, Zeit und Energie in seiner Herstellung stecken.

Inzwischen hat sich Seger mit ihrer Freundin und Designerkollegin Christina Albrecht zusammengeschlossen, um Human Touch als unabhängige Modemarke zu etablieren, die in der Berliner Modeszene zunehmend Aufmerksamkeit erregt. Ihr Geschäftsmodell ist ebenso ungewöhnlich wie ihr kreativer Ansatz. Mit Pop-up-Stores, Workshops und Live-Performances, bei denen Seger ihre Paint-Sewing-Technik vor Publikum demonstriert, schaffen sie unmittelbare Begegnungen zwischen Mode, Handwerk und Konsumenten. Dieses flexible Konzept ist entscheidend für die zentrale Mission der Marke. Seger und Albrecht erklären:

„Unser Publikum für die Perspektive der Textilarbeiterinnen und Textilarbeiter zu sensibilisieren, spielt dabei eine wichtige Rolle. Eines unserer Ziele ist es, unseren Kundinnen und Kunden Wissen und Empathie zu vermitteln, damit sie Kleidung anhand ihres tatsächlichen Wertes beurteilen. Dazu gehören die eingesetzten materiellen Ressourcen sowie die geistige und handwerkliche Arbeit, die in jedem Kleidungsstück steckt, und nicht allein der häufig irreführende Preis oder das Markenetikett. Diese flexible Struktur ermöglicht es uns, unterschiedliche Ansätze auszuprobieren, um mit unserem Publikum in Kontakt zu treten und gleichzeitig unser eigenes Wissen zu vertiefen.“

Während der Berlin Fashion Week Frühjahr/Sommer 2024 präsentierten die Designerinnen ihre neuesten Arbeiten. Neben Entwürfen aus ihrer aktuellen Kollektion zeigten sie auch Human Touch Remedy, eine Linie, die sich ausschließlich dem Upcycling von Vintage- und Secondhandkleidung widmet.

„Diese Stücke lassen sich schneller herstellen, weshalb wir sie zu einem erschwinglicheren Preis anbieten können. Dadurch wird auch unser Konzept für mehr Menschen zugänglich. Gleichzeitig empfinden wir es als eine Hommage an die handwerklichen Fähigkeiten der Menschen, die das jeweilige Kleidungsstück ursprünglich gefertigt haben. Mehrmals im Jahr veröffentlichen wir kleine Kollektionen mit einzigartigen Einzelstücken, die wir hauptsächlich über unseren Webshop oder bei Pop-up-Veranstaltungen verkaufen.“

Die Designerinnen erkennen im Upcycling nicht nur eine Möglichkeit, die eigene Marke verantwortungsbewusster zu gestalten, sondern auch ein Potenzial für die gesamte Modeindustrie.

„Manchmal fühlt sich Upcycling in der Mode wie ein Tropfen auf den heißen Stein an. Doch wir erinnern uns immer wieder daran, dass die Nachfrage der Konsumenten das Angebot tatsächlich verändern kann und dass wir uns noch ganz am Anfang dieses Wandels befinden. Upcyclingmode muss zu einem selbstverständlichen Bestandteil des Massenmarktes werden. Deshalb ist jede Marke und jeder Designer, der sich diesem Ansatz verschreibt, entscheidend, um dieses Ziel zu erreichen.“

Ihre Haltung zum Upcycling führt unmittelbar zum Kern dessen, wofür Human Touch steht: dem Engagement für eine verantwortungsvollere Modeindustrie, die nicht nur ihre ökologischen Auswirkungen berücksichtigt, sondern sich ebenso mit den gravierenden Ungerechtigkeiten und Ungleichheiten des globalen Modemarktes auseinandersetzt.

„HUMAN TOUCH möchte jene Menschen sichtbar machen, die in der Bekleidungsindustrie arbeiten und deren Leistungen häufig übersehen oder lediglich mit Mitleid betrachtet werden. Wir wollen zeigen, dass Nähen keineswegs eine Tätigkeit ist, die nur geringe Qualifikationen erfordert. Es ist so viel mehr. Angesichts der grundlegenden Bedeutung menschlicher Arbeit und der unglaublich großen Zahl von Menschen, die weltweit Kleidung nähen, sollte die Nähtechnologie als soziale Technologie anerkannt werden. Sie verdient es, genauer untersucht und wertgeschätzt zu werden, denn sie kann ein entscheidender Hebel sein, um ein gerechteres und besseres Modesystem zu schaffen.“

REWILD THE RUN: SNEAKER VON KIKI GRAMMATOPOULOS

Hast du dich jemals gefragt, ob sich unsere alltäglichen Kleidungsstücke und Accessoires so weiterentwickeln lassen, dass sie aktiv zum Schutz der Natur beitragen können? Genau diese Überlegung inspirierte die in Großbritannien lebende Designerin Kiki Grammatopoulos. Als sie ihre Kreation 2023 auf der Milan Design Week vorstellte, sorgte sie für großes Aufsehen. Auch ein Jahr später fasziniert das Projekt noch immer durch seine außergewöhnliche Originalität.

Kiki nennt ihre Kreation „Rewild the Run“. Die Sneaker zeichnen sich durch ihre auffälligen, leuchtend blauen Sohlen aus, die mit einem Geflecht aus geschwungenen, stachelartigen Strukturen versehen sind. Diese erinnern an die Hufe und das Fell von Tieren. Die Idee dahinter ist ebenso einfach wie visionär: Beim täglichen Joggen oder Spazierengehen sollen die Schuhe Samen aufnehmen und an anderen Orten wieder abgeben. Auf diese Weise könnten ihre Trägerinnen und Träger zur Wiederherstellung urbaner Ökosysteme beitragen.

Dieser natürliche Prozess der Samenverbreitung wird als Epizoochorie bezeichnet. Dabei haften Samen an der Körperoberfläche von Tieren und werden über größere Entfernungen transportiert. In städtischen Gebieten wird dieser Mechanismus jedoch häufig durch die fortschreitende Bebauung beeinträchtigt, die natürliche Lebensräume zerstört und ökologisch wichtige Schlüsselarten verdrängt.

Kikis Entscheidung für den Begriff „Rewilding“, also die Wiederherstellung natürlicher Ökosysteme, ist deshalb besonders treffend. Gleichzeitig verweist er auf das umfassendere Konzept des Urban Rewilding, das darauf abzielt, der Natur in unseren Städten wieder mehr Raum zu geben. Die Designerin erklärt:

„Ich wollte Urban Rewilding mit diesen Sneakern demokratisieren. Das Projekt überträgt das Konzept auf eine kleinere, lokale Ebene und macht auf unsere oft eingeschränkte Verbindung zur Natur in städtischen Umgebungen aufmerksam. Gerade in Städten ist unser Bewusstsein für natürliche Kreisläufe besonders schwach ausgeprägt. Menschen über Mode und Sport einzubeziehen, eröffnet deshalb eine einzigartige Möglichkeit, selbst aktiv zu werden. Wenn jeder einen Beitrag leisten kann, fördern wir eine tiefere Verbindung zur wilden Natur unserer Städte und können gemeinsam mehr für die Umwelt bewirken.“

Kiki betont außerdem, wie wichtig die Beteiligung jedes Einzelnen an der ökologischen Wiederherstellung urbaner Räume ist. Dabei verweist sie auf London, die Stadt, in der sie ursprünglich die Idee für ihre Sneaker entwickelte:

„Wie jede Großstadt hat auch London erhebliche Schäden an seinen lokalen Ökosystemen erlebt. Das stellt uns vor Herausforderungen, eröffnet aber gleichzeitig neue Möglichkeiten. Es ist entscheidend geworden, uns für grünere Städte einzusetzen, unabhängig davon, wo wir leben. Indem wir Menschen ermutigen, sich persönlich an Renaturierungsmaßnahmen zu beteiligen, können wir gemeinsam dazu beitragen, unsere städtischen Ökosysteme wiederherzustellen und zu stärken. Ob in London oder anderswo.“

Die „Rewild the Run“-Sneaker gehören zudem zu einer wachsenden Zahl innovativer Designkonzepte, die sich von natürlichen Strukturen inspirieren lassen und auf Biomimikry setzen. Bei diesem Gestaltungsansatz dienen biologische Formen, Prozesse und Funktionsweisen als Vorbilder für technische und kreative Entwicklungen.

Für einen frühen Prototyp ihrer Schuhe verwendete Kiki Klettverschlüsse, eines der bekanntesten Beispiele für Biomimikry im Produktdesign.

„Ich begann damit, Klettverschlussstreifen an meinen vorhandenen Schuhen zu befestigen, um zu beobachten, welche Pflanzenteile sich während meiner Spaziergänge und Laufeinheiten daran sammelten. Dieses Experiment erinnerte mich daran, dass der Klettverschluss selbst ein Beispiel für Biomimikry ist. Dadurch wurde mein Interesse geweckt, genauer zu untersuchen, wie sich Biomimikry als Designwerkzeug einsetzen lässt, insbesondere bei Projekten mit ökologischem Schwerpunkt. Tatsächlich hat sie sich aber auch für viele andere Bereiche des Designs als unglaublich wertvoll erwiesen.“

Bislang befinden sich die Sneaker noch im Konzeptstadium. Kiki arbeitet weiterhin an der Weiterentwicklung ihres Entwurfs und untersucht, wie sich praktische Herausforderungen lösen lassen. Dazu gehört beispielsweise das Risiko, unbeabsichtigt Samen invasiver Pflanzenarten aufzunehmen und zu verbreiten.

Dennoch blickt die Designerin optimistisch in die Zukunft. Projekte wie „Rewild the Run“ zeigen, welches Potenzial in der Verbindung von Mode, Design und ökologischer Innovation steckt. Sie eröffnen neue Perspektiven darauf, wie selbst alltägliche Kleidungsstücke und Accessoires künftig dazu beitragen könnten, unsere Umwelt positiv zu beeinflussen.

HAIXI REN

Auf der anderen Seite des Atlantiks, in New York City, revolutioniert die in China geborene Designerin Haixi Ren die Welt der Haute Couture mit innovativen Techniken, bei denen kaum oder gar keine Textilabfälle entstehen. Wer die viral gegangenen lavendelfarbenen Kleider gesehen hat, die Kendall und Kylie Jenner auf Instagram trugen, oder das transparente schwarze Oberteil von Billie Eilish, dürfte bereits mit der faszinierenden Ästhetik ihrer Kreationen vertraut sein.

Obwohl Ren noch am Anfang ihrer Karriere steht und ihren Universitätsabschluss erst vor vier Jahren gemacht hat, hat sie bereits Kollektionen geschaffen, die durch außergewöhnliche Originalität und eine unverwechselbare gestalterische Handschrift überzeugen. Ihr Stil ist sinnlich, sanft und, wie sie selbst sagt, „malerisch“. Für Ren ähnelt der Entstehungsprozess eines Kleidungsstücks dem Malen eines Bildes. Bei ihrer ersten Kollektion ließ sie sich von Künstlerinnen wie Joan Mitchell und der expressionistischen Bewegung inspirieren. Dabei orientierte sie sich insbesondere an „den philosophischen Grundlagen der reinen Kunst, wie sie erstmals von Clement Greenberg formuliert wurden. Ähnlich wie Greenberg eine flache Leinwand betrachtet, verstehe ich den menschlichen Körper als einen Raum, in dem bestehende Kleidungsformen reproduziert, neu gestaltet, ausgedrückt und analysiert werden können. Deshalb habe ich neue Textilien entwickelt, die sich auf den Körper ‚malen‘ lassen.“

Diese Technik, bei der Stoffstücke wie einzelne Pinselstriche übereinandergelegt werden, bildet einen wesentlichen Bestandteil von Rens abfallvermeidendem Designansatz. Während ihrer Studienzeit und ihrer Praktika bei großen New Yorker Modehäusern beobachtete sie die strukturellen Probleme der konventionellen Bekleidungsproduktion:

„Die meisten Marken arbeiten innerhalb eines Systems, das zwangsläufig Abfälle erzeugt. Insbesondere bei traditionellen Zuschnitt- und Nähverfahren fallen Stoffreste an. Bevor ein Entwurf in Produktion geht, werden zahlreiche Muster angefertigt, darunter Nesselmodelle, Prototypen, Showroom-Muster und sogenannte TOP-Muster zur Produktionsfreigabe. Viele dieser Muster und später verworfene Designs landen letztendlich auf Mülldeponien. Hinzu kommen Mindestbestellmengen für Rohmaterialien, die Marken dazu zwingen, mehr einzukaufen, als sie tatsächlich benötigen, um von Großhandelspreisen profitieren zu können. Auch Fabriken verlangen häufig Mindestproduktionsmengen. Dadurch entstehen unverkaufte Kleidungsstücke, die sowohl finanzielle Belastungen als auch erhebliche Mengen an Abfall verursachen.“

Ren ist sich bewusst, dass ihre sorgfältige und ressourcenorientierte Herstellungsmethode auch Herausforderungen mit sich bringt. Vor allem kann sie weder mit der Geschwindigkeit noch mit den Produktionskapazitäten großer Modehäuser konkurrieren.

„Ein Großteil meiner Arbeit findet in unserem eigenen Atelier statt, um die Integrität unserer verantwortungsbewussten Produktionsmethoden zu bewahren. Das ist arbeitsintensiv und zeitaufwendig. Die Nachfrage nach Wachstum mit den Prinzipien der Nachhaltigkeit in Einklang zu bringen, erfordert kontinuierliche Innovation und großes Engagement.“

Neben der Mode interessiert sich Ren auch dafür, ihre kreative Arbeit künftig auf den Bereich der Innenarchitektur auszuweiten.

„Ich fände es unglaublich spannend, mit meinen Textilien Möbel, Tapeten, Teppiche und Wohnaccessoires zu gestalten. Indem ich die Intensität der Stickereien auf meinen Stoffen variiere, kann ich ihre Festigkeit gezielt beeinflussen. Es wäre wunderbar, eine ganze Reihe weicher Skulpturen und formgebender Möbelstücke zu schaffen, die meine unverwechselbare malerische Ästhetik widerspiegeln.“

Das kreative Potenzial dieser jungen Designerin scheint nahezu grenzenlos, und ihre Entwicklung steht noch ganz am Anfang. Ihre Entwürfe erfreuen sich bereits wachsender Beliebtheit unter internationalen Persönlichkeiten und Stars. Dennoch bleibt Ren jener Überzeugung treu, die sie ursprünglich dazu inspirierte, ihren eigenen Weg einzuschlagen:

„Letztendlich kämpfe ich für eine nachhaltigere Zukunft unserer geliebten Modeindustrie.“

Highlight Image: © Human Touch