Esther Perbandt | Zero Point: Wo Mode, Raum und Selbstwahrnehmung verschmelzen

Esther Perbandt zieht keine klaren Grenzen zwischen Mode, Kunst, Installation und Performance. Stattdessen bewegt sie sich bewusst in den Spannungsfeldern zwischen Disziplinen, zwischen Freiheit und Verantwortung, zwischen Kontrolle und Auflösung. Seit mehr als 22 Jahren erschafft sie ein Universum, geprägt von Struktur, Schwarz als Nullpunkt und einer kompromisslosen Auseinandersetzung mit Schutz, Autonomie und emotionaler Tiefe. In diesem Gespräch mit Luxiders Magazine spricht sie über Ortsbezogenheit, Empowerment jenseits von Theorie und darüber, warum die Zukunft der Mode im Miteinander und nicht im Gegensatz liegt.

Ihre Mode bewegt sich an der Schnittstelle von Kunst, Performance, Musik und Raum. Wie definieren Sie persönlich die Grenze – oder das Fehlen einer Grenze – zwischen Mode und Kunst heute?

In meiner Traumwelt gäbe es überhaupt keine Grenzen zwischen Mode, Kunst, Performance, Musik oder Raum. Ich würde einfach durch all diese Disziplinen schweben und mich frei zwischen ihnen bewegen. Die einzige wirkliche Begrenzung wäre die Zeit, denn leider hat auch dieser Tag nur 24 Stunden.

In der Realität jedoch werde ich ständig mit einer anderen Art von Grenze konfrontiert: der Praktikabilität. Ich muss bei allem, was ich erschaffe, immer einen Realitätscheck machen. Ist es tragbar? Ist es verkäuflich? Kann ich davon leben? Sind die Produktionskosten realistisch? Diese Fragen lassen sich nicht umgehen, wenn Mode zugleich die eigene Existenzgrundlage ist.

Die Grenze zwischen Mode und Kunst ist also nichts, was ich bewusst ziehe, sondern etwas, das aus Verantwortung heraus entsteht. Immer wenn ich mich zu weit von dem entferne, was das Geschäft trägt, spüre ich es sofort: eine gewisse Bodenlosigkeit, ein Verlust an Verankerung. Das bedeutet nicht, dass ich diese künstlerischen Erkundungen weniger schätze, sondern nur, dass sie den richtigen Moment und Kontext brauchen.

Dass ich persönlich keine klaren Grenzen sehe, ist eine sehr subjektive Sichtweise. Viele Menschen ziehen deutlich stärkere Linien zwischen Mode und Kunst. Für mich überlagern sich diese Bereiche ganz selbstverständlich. Ich lebe in der Spannung zwischen Freiheit und Realität, und genau in diesem Spannungsfeld existiert meine Arbeit.

Ihre Shows funktionieren eher als Gesamtkunstwerke denn als klassische Runway-Präsentationen. Was ermöglicht Ihnen das performative Format zu vermitteln, was eine traditionelle Modenschau nicht leisten kann?

Die Entwicklung einer neuen Kollektion ist mit enorm viel Leidenschaft und unsichtbarer Arbeit verbunden: liebevolle Handarbeit, schlaflose Nächte, Träume, das Verwerfen von Ideen, erneutes Überarbeiten, Verfeinern, Verbessern, Enttäuschung, Aufstehen und wieder von vorne beginnen. Für mich verdient dieser Prozess eine Präsentationsform, die ihm wirklich gerecht wird.

So sehr ich große Runway-Shows liebe – und sie können durchaus süchtig machen – bieten sie oft nur einen flüchtigen Moment der Wahrnehmung. Ein Model läuft vorbei, dreht sich, geht zurück. Sekunden später ist der Look verschwunden. Oft erinnern sich die Zuschauer am Abend schon nicht mehr daran, was sie eigentlich gesehen haben.

Eine Installation oder performative Präsentation schafft eine ganz andere Form der Begegnung. Sie erlaubt es den Betrachtern zu verweilen. Innezuhalten. Vor einem Look stehen zu bleiben, der sie anspricht, und jedes Detail zu studieren, jede Naht, jede Schicht Arbeit, die darin steckt. Diese Tiefe der Wahrnehmung ermöglicht eine klassische Modenschau nur selten.

Doch mein Anspruch geht noch weiter. Ich frage mich immer, wie eine Präsentation mehr vermitteln kann als Kleidung allein – wie sie ein Gefühl erzeugen kann, einen Raum für Vorstellungskraft öffnet, zum Träumen einlädt oder sogar Geschichten erzählt, ohne sie explizit auszusprechen. Performance und Installation sind für mich Werkzeuge, um die emotionale und mentale Welt hinter einer Kollektion in etwas physisch Erfahrbares zu übersetzen.

In Ihrer Arbeit wird Mode zu einer Erfahrung, die die Selbstwahrnehmung der Betrachter ebenso hinterfragt wie ihre Wahrnehmung von Kleidung. Warum ist diese Konfrontation mit dem Publikum für Sie wichtig?

Für mich hatte Kleidung immer zwei wesentliche Funktionen: Schutz und Ausdruck. Doch der Schutz steht an erster Stelle. Ohne das Gefühl von Schutz wird Ausdruck schnell zu etwas Unangenehmem oder rein Performativen. Dieses Verständnis ist aus meiner eigenen Entwicklung heraus entstanden. Es hat viele Jahre gedauert, bis ich meine eigene visuelle Sprache und eine Art schützende Hülle für mich gefunden habe.

Wenn Mode zur Erfahrung wird, kann sie Menschen auf sanfte Weise mit sich selbst konfrontieren. Nicht aggressiv oder intellektuell, sondern auf eine sehr körperliche, emotionale Art. Ich habe das unzählige Male in meinem Laden beobachtet. Viele Menschen zögern, hereinzukommen oder etwas anzuprobieren. Oft sagen sie, es liege an mir oder an der Marke, doch ich glaube, es geht eher um diesen Moment der Selbstbegegnung. Ein Kleidungsstück anzuprobieren bedeutet, sich zu fragen: Wie möchte ich mich fühlen? Was brauche ich gerade? Wo setze ich Grenzen, und wo öffne ich mich?

Dieser Moment der Konfrontation ist für mich wichtig, weil er empowernd sein kann. Ich habe gesehen, wie Menschen ein Kleidungsstück anziehen, in den Spiegel schauen und sich plötzlich anders halten – ein wenig aufrechter stehen, anders atmen. Das Kleidungsstück verändert nicht, wer sie sind, aber es kann eine Verschiebung in der Wahrnehmung unterstützen.

Ich verstehe das nicht als Belehrung oder Anleitung. Ich bin selbst Teil dieses Prozesses. Mode wird so zu einem gemeinsamen Erfahrungsraum – ein Werkzeug, das sowohl Träger als auch Betrachter dazu einlädt, sich selbst mit mehr Ehrlichkeit und Mut zu begegnen.

Sie legen häufig großen Wert auf Ortsbezogenheit. Wie prägt der Raum, in dem Ihre Arbeiten präsentiert werden, die Erzählung und die emotionale Wirkung einer Kollektion oder Performance?

Raum ist für mich niemals neutral. Sehr oft habe ich bereits einen konkreten Ort im Kopf, bevor eine Kollektion oder Performance vollständig entsteht – einen Ort, der die Geschichte fast von selbst erzählt, ohne viele Erklärungen. In solchen Momenten wird der Raum zu einem stillen Erzähler. Er trägt Atmosphäre, Geschichte, Spannung und Emotion, lange bevor ein einziges Kleidungsstück erscheint.

Natürlich tritt irgendwann die Realität hinzu. Budgets, Logistik, Verfügbarkeit … nicht jeder ideale Ort ist umsetzbar. Dann wird der Kompromiss Teil des kreativen Prozesses. Und wenn Kompromisse notwendig sind, muss man ihnen, finde ich, ein wenig mehr Magie hinzufügen. Man beginnt intensiver mit Licht, Klang, Bewegung oder Installation zu arbeiten, um den Raum in das zu verwandeln, was er sein muss.

Orte prägen meine Arbeit jedoch unbestreitbar. Ich betrete einen Raum und mein Kopf beginnt sofort zu spielen. Ich sehe nicht nur den Raum, ich sehe die fertige Präsentation, die Bewegung der Körper, den emotionalen Rhythmus. Manchmal funktioniert es sogar umgekehrt: Ein Raum wird zum Ausgangspunkt einer ganzen Kollektion.

So war es bei Zero Point. Die Kollektion entstand in einem stillen Moment vor meiner Lieblingsinstallation bei Dark Matter in Berlin. Dort sitzend, umgeben von Bewegung, Stille und Energie, hat sich etwas geöffnet. Die Atmosphäre dieses Raumes – seine Kreise, sein Puls, sein Gefühl von Schwebe – hat den ersten Impuls gesetzt. Von dort aus hat sich die Erzählung entfaltet.

Für mich geht es bei Ortsbezogenheit nicht darum, Mode in einer spektakulären Kulisse zu inszenieren. Es geht darum, dass der Raum Emotion verstärkt, Vorstellungskraft öffnet und einen Dialog zwischen Körper, Kleidungsstück und Umgebung schafft. Wenn das gelingt, wird die Erfahrung zu einer Erinnerung, die bleibt.

Neben der Mode arbeiten Sie auch installativ und skulptural. Was zieht Sie an diesen Formaten an, und wie erweitern sie die Ideen, die Sie in Ihren Kleidungsstücken erforschen?

Eine eigene Marke über mehr als 22 Jahre aufzubauen, hat – und fordert noch immer – enorm viel Energie. Mode ist nicht nur mein Beruf, sie nimmt den größten Teil meiner Zeit, meiner Gedanken und sogar meiner freien Momente ein. Klassische Hobbys habe ich eigentlich nicht.

Das Arbeiten im installativen und skulpturalen Bereich ist für mich fast wie ein Escape Room. Es sind Momente, in denen ich einen Schritt zurücktreten darf, in denen ich mich auch einmal über Mode beschweren kann, wenn mir danach ist, und in denen ich auf den Spielplatz zurückkehre. Der Druck verschiebt sich. Plötzlich denke ich nicht mehr an Produktionskosten, Zeitpläne oder Verkäufe. Ich spiele einfach, experimentiere und folge meiner Intuition.

Was mich daran fasziniert, ist, wie schnell sich meine innere Haltung verändert. Diese Projekte bringen eine fast kindliche Begeisterung mit sich, eine Leichtigkeit, die mir neue Energie und Kraft gibt. Diese Energie verschwindet nicht, ich nehme sie wieder mit in meine Modearbeit. Und es funktioniert auch umgekehrt. Wenn ich ein künstlerisches Projekt abgeschlossen habe, entsteht in mir der Wunsch, zu den Kleidungsstücken zurückzukehren, zum Körper, zum Handwerk. Beide Welten nähren sich gegenseitig. Installationen lassen Ideen frei wachsen, während Kleidung sie wieder in eine physische, tragbare Realität zurückführt.

Für mich sind diese Formate eine Möglichkeit, meine Beziehung zur Mode lebendig, neugierig und emotional ehrlich zu halten.

Textil, Struktur und Materialität kehren sowohl in Ihrer Kunst als auch in Ihrer Mode immer wieder zurück. Wie schaffen diese gemeinsamen Elemente einen über die Ästhetik hinausgehenden konzeptuellen Rahmen?

Für mich sind Textil, Struktur und Materialität keine abstrakten Konzepte, sondern Werkzeuge, mit denen ich seit mehr als 22 Jahren täglich arbeite. Was meine Mode und meine künstlerische Arbeit verbindet, ist diese langjährige, praktische Erfahrung in der Modeindustrie – das Verständnis dafür, wie Materialien sich verhalten, wie sie Gewicht, Spannung, Weichheit oder Widerstand tragen.

Deshalb beginnen meine Installationen und skulpturalen Arbeiten nicht bei der Theorie, sondern bei einem Wissen, das aus der Praxis gewachsen ist. Jedes Stück Stoff, jede Struktur trägt bereits eine Geschichte von Entscheidungen, Fehlern und Lernprozessen in sich. Das verleiht der Arbeit eine konzeptuelle Tiefe, die über reine Ästhetik hinausgeht.

Gleichzeitig ermöglichen mir diese gemeinsamen Elemente, weiter zu lernen. Wenn ich Textilien im künstlerischen Kontext einsetze, sehe ich sie anders als am Körper. Und wenn ich wieder zu Kleidungsstücken zurückkehre, bleibt diese Perspektive bestehen. Auf diese Weise werden Mode und Kunst zu einem fortlaufenden Forschungsfeld – verwurzelt in Erfahrung und doch ständig in Bewegung.

Schwarz ist zentral für Ihre visuelle Sprache und kehrt immer wieder. Welches Potenzial birgt Schwarz für Sie weiterhin als Raum der Exploration?

Schwarz ist für mich nach wie vor mein Nullpunkt. Es ist die Oberfläche, von der aus alles beginnen kann. Für mich ist Schwarz niemals Abwesenheit. Es ist Dichte, Ganzheit und Möglichkeit. Weil Farbe wegfällt, wird jedes andere Element schärfer: Struktur, Textur, Proportion, Bewegung. Was mich weiterhin fasziniert, ist, dass Schwarz sich nie erschöpft. Je mehr ich damit arbeite, desto mehr entdecke ich. Ein neuer Schnitt, ein neues Material, eine andere Transparenz können seinen Charakter vollständig verändern. Schwarz ist stabil, aber niemals statisch.

Als Raum der Exploration erlaubt mir Schwarz, in die Tiefe zu gehen statt in die Breite. Anstatt hinzuzufügen, verfeinere ich. Anstatt zu vervielfältigen, intensiviere ich. Es gibt mir die Freiheit, zu experimentieren – emotional, ästhetisch und konzeptuell – ohne dabei an Klarheit zu verlieren.

Ich sehe Schwarz nicht als Signatur, die ich verteidigen muss. Ich sehe es als ein offenes Feld, zu dem ich immer wieder zurückkehren kann und in dem dennoch stets etwas Unerwartetes auf mich wartet.

Ihre Arbeit spielt oft mit Spannungen zwischen Ordnung und Störung, Kontrolle und Loslassen. Wie prägen diese Gegensätze Ihren kreativen Prozess?

Mein kreativer Prozess ist geprägt von einem ständigen Pingpong zwischen Ordnung und Störung, Kontrolle und Loslassen. Ich brauche ein hohes Maß an Struktur und Disziplin, um so arbeiten zu können, wie ich es tue. Ohne sie würde nichts funktionieren. Deadlines, Systeme, Wiederholung, Präzision: Sie bilden das Gerüst, das mir überhaupt erst ermöglicht, mich frei zu bewegen.

Gleichzeitig entsteht Kreativität erst wirklich dann, wenn ich Chaos zulasse. Wenn ich loslasse. Wenn ich ins kalte Wasser springe, ohne genau zu wissen, wie tief es ist. „So hoch springen, dass man mit dem Kopf an die Decke stößt und so hart landen, dass man es in den Füßen spürt.“ Das beschreibt meinen Arbeitsprozess ziemlich genau.

Ich schieße oft intuitiv über das Ziel hinaus, manchmal auch naiv. Ich treibe Ideen zu weit, stoße an Grenzen, justiere neu und beginne wieder von vorn. Kopfschmerzen vom zu hohen Zielen, schmerzende Füße vom zu schnellen Landen … dieser Rhythmus ist Teil meiner Energie, Teil meiner Art zu lernen und weiterzugehen. Ordnung gibt mir Stabilität. Unordnung gibt mir Bewegung. Die Spannung zwischen beidem kultiviere ich ganz bewusst. Genau in dieser Reibung wird meine Arbeit lebendig.

Anstatt Menschen zu „kleiden“, zielt Ihre Arbeit darauf ab, sie zu stärken. Wie übersetzen Sie abstrakte Ideen wie Autonomie, Individualität und Stärke in eine physische Form?

Ich beginne nicht mit abstrakten Konzepten wie Empowerment, Autonomie oder Stärke. Sie waren nie eine Strategie oder ein vorab definiertes Ziel. Was heute als Ergebnis meiner Arbeit wahrgenommen wird, ist das Resultat vieler Jahre Praxis, Wiederholung und persönlicher Entwicklung.

Diese Qualitäten sind mit der Zeit intuitiv entstanden: durch das Hören auf meine eigenen Bedürfnisse, durch die enge Arbeit mit Körpern und durch die Beobachtung, wie Menschen sich bewegen, fühlen und verhalten, wenn sie bestimmte Kleidungsstücke tragen. Der Prozess war nie theoretisch. Er war körperlich, emotional und oft unbewusst.

Stärke entsteht zum Beispiel durch Konstruktion, durch Gewicht, durch die Art, wie ein Kleidungsstück den Körper hält, ohne ihn einzuengen. Autonomie liegt in der Flexibilität: in Teilen, die es der Trägerin oder dem Träger ermöglichen zu entscheiden, wie viel sie zeigen, schützen oder betonen möchten. Individualität wächst dort, wo Kleidung keine feste Identität vorgibt, sondern Raum für Interpretation lässt.

Was heute als Empowerment gelesen wird, ist für mich schlicht das Ergebnis von Erfahrung und Intuition. Die Ideen standen nicht am Anfang, die Arbeit tat es. Und erst später hat die Sprache das eingeholt, was längst entstanden war.

Wenn Sie Ihre Praxis als Ganzes betrachten, wie sehen Sie die Zukunft der Mode, wenn sie als interdisziplinäre Kunstform und nicht als saisonales Produkt gedacht wird?

Ich glaube nicht, dass wir die Zeit zurückdrehen können. Fast Fashion ist gekommen, um zu bleiben. Warum sollten Menschen freiwillig darauf verzichten, sofortigen Zugang zu unendlich vielen Stilen, Trends und Inspirationen zu haben? Diese Realität wird nicht verschwinden.

Was daneben existieren kann, ist etwas anderes. Ein paralleles System. Eine Nische – aber eine bedeutungsvolle. Wenn Mode als interdisziplinäre Kunstform gedacht wird, verschiebt sich ihr Wert. Es geht nicht mehr um Geschwindigkeit oder Neuheit, sondern um Tiefe, Intention und Sorgfalt. Die Aufgabe der Kreativen heute ist es nicht, Fast Fashion frontal zu bekämpfen, sondern Alternativen anzubieten. Sanft zu vermitteln. Andere Rhythmen zu zeigen. Handwerk, Materialität und Prozess wieder erfahrbar und emotional zugänglich zu machen.

Mode als Kunst wird nie für alle sein. Doch es gibt Menschen, die Kleidung sammeln wie andere Kunstwerke. Sie leben mit ihnen über Jahrzehnte, pflegen sie, lassen sie altern, verschwinden und wieder auftauchen. Für diese Menschen ist Mode nicht saisonal. Sie ist Teil einer langen Beziehung. Ich glaube, die Zukunft liegt darin, dieses Nebeneinander zu akzeptieren. Nicht die Masse überzeugen zu wollen, sondern weiterhin Räume zu schaffen, in denen Mode sich verlangsamen, vertiefen und spürbar werden kann … jenseits von Trends, jenseits von Saisons.