Esther Perbandt | Zero Point: Donde la moda, el espacio y la percepción de uno mismo convergen

Esther Perbandt no traza límites estrictos entre moda, arte, instalación y performance. En cambio, habita la tensión entre disciplinas, entre libertad y responsabilidad, entre control y disrupción. Durante más de 22 años, ha construido un universo marcado por la estructura, el negro como punto cero y una exploración intransigente de la protección, la autonomía y la profundidad emocional. En esta conversación con Luxiders Magazine, habla sobre la especificidad del espacio, el empoderamiento más allá de la teoría y por qué el futuro de la moda reside en la coexistencia y no en la oposición.

Tu moda existe en la intersección entre arte, performance, música y espacio. ¿Cómo defines personalmente el límite, o la ausencia de límites, entre moda y arte hoy en día?

En mi mundo ideal no existirían límites entre la moda, el arte, la performance, la música o el espacio. Simplemente flotaría y me movería libremente entre todas estas disciplinas. La única limitación real en ese mundo sería el tiempo porque, lamentablemente, el día sigue teniendo solo 24 horas.

Sin embargo, en la realidad me enfrento constantemente a otro tipo de límite: la practicidad. Siempre tengo que hacer una comprobación de realidad con todo lo que creo. ¿Es llevable? ¿Es vendible? ¿Puedo ganarme la vida con ello? ¿Son realistas los costes de producción? Estas preguntas son inevitables cuando la moda también es tu sustento diario. Así que el límite entre moda y arte no es algo que trace conscientemente, sino algo que surge a través de la responsabilidad. Cada vez que me permito alejarme demasiado de aquello que sostiene el negocio, lo siento inmediatamente: una falta de atención, una falta de conexión con la realidad. Eso no significa que valore menos esas exploraciones artísticas, simplemente significa que necesitan encontrar el momento y el contexto adecuados.

El hecho de que yo personalmente no vea límites estrictos es una visión muy subjetiva. Sé que muchas personas trazan líneas mucho más claras entre moda y arte. Para mí, ambas se superponen de manera natural. Vivo en la tensión entre la libertad y la realidad, y esa tensión es exactamente el lugar donde existe mi trabajo.

Tus desfiles funcionan como obras de arte totales más que como presentaciones convencionales de pasarela. ¿Qué te permite comunicar el formato “performance” que un desfile tradicional no puede?

Crear una nueva colección implica una enorme cantidad de pasión y trabajo invisible: artesanía hecha con amor, noches sin dormir, sueños, ideas descartadas, cambios constantes, refinamiento, mejoras, decepciones, volver a levantarse y empezar otra vez. Para mí, ese tipo de proceso merece una forma de presentación que realmente le haga justicia.

Por mucho que ame los grandes desfiles de pasarela, que pueden llegar incluso a ser adictivos, solo ofrecen un momento fugaz de percepción. Una modelo pasa caminando, gira y vuelve. Segundos después, el look desaparece. Muchas veces, cuando el público se va a dormir, ya no recuerda realmente lo que ha visto.

Una instalación o una “performance” crea un tipo de encuentro completamente diferente. Permite a los espectadores quedarse. Hacer una pausa. Situarse frente a un look que les habla y observar cada detalle, cada costura, cada capa de trabajo que hay detrás. Esa profundidad de atención es algo que un desfile convencional rara vez permite.

Pero mi ambición va todavía más lejos. Siempre me pregunto cómo una presentación puede comunicar algo más que ropa, cómo puede evocar una sensación, abrir un espacio para la imaginación, invitar a soñar o incluso contar historias sin narrarlas explícitamente. Para mí, la performance y la instalación son herramientas para traducir el mundo emocional y mental que existe detrás de una colección en algo físicamente experimentable.

En tu trabajo, la moda se convierte en una experiencia que cuestiona tanto la percepción que el espectador tiene de sí mismo como su percepción de la ropa. ¿Por qué es importante para ti esta confrontación con la audiencia?

Para mí, la ropa siempre ha tenido dos funciones esenciales: protección y expresión. Pero la protección viene primero. Sin sentirse protegido, la expresión se vuelve performativa o incómoda. Esa comprensión nace de mi propio recorrido. Me llevó muchos años desarrollar mi propio lenguaje visual, mi propio tipo de armadura protectora.

Cuando la moda se convierte en una experiencia, tiene el potencial de confrontar suavemente a las personas consigo mismas. No de una forma agresiva o intelectual, sino muy física y emocional. He observado esto innumerables veces en mi tienda. Muchas personas dudan antes de entrar o de probarse algo. A menudo dicen que es por mí o por la marca, pero creo que tiene más que ver con ese momento de confrontación personal. Probarse una prenda significa preguntarse: ¿Cómo quiero sentirme? ¿Qué necesito ahora mismo? ¿Dónde quiero límites y dónde quiero apertura?

Ese momento de confrontación es importante para mí porque puede ser empoderador. He visto a personas ponerse una prenda, mirarse en el espejo y de repente cambiar su postura: erguirse un poco más, respirar de otra manera. La prenda no cambia quiénes son, pero puede acompañar un cambio en la percepción.

No veo esto como enseñar o guiar a otros. Yo también formo parte del mismo proceso. La moda, en ese sentido, se convierte en un espacio compartido de exploración: una herramienta que permite tanto a quien la lleva como a quien la observa encontrarse consigo mismos con un poco más de honestidad y valentía.

A menudo das una gran importancia a la especificidad del lugar. ¿Cómo moldea el espacio en el que se presenta tu trabajo la narrativa y el impacto emocional de una colección o performance?

El espacio nunca es neutral para mí. Muy a menudo, ya tengo una localización específica en mente antes de que una colección o performance esté completamente formada: un lugar capaz de contar la historia casi por sí solo, sin demasiadas explicaciones. En esos momentos, el espacio se convierte en un narrador silencioso. Contiene atmósfera, historia, tensión y emoción mucho antes de que aparezca una sola prenda.

Por supuesto, después entra en juego la realidad. Presupuestos, logística, disponibilidad… no todos los lugares ideales son posibles. Ahí es donde el compromiso pasa a formar parte del proceso creativo. Y cuando el compromiso es necesario, creo que hay que añadir un poco más de magia. Empiezas a trabajar más intensamente con la luz, el sonido, el movimiento o la instalación para transformar el espacio en aquello que necesita convertirse.

Pero los lugares moldean indudablemente mi trabajo. Puedo entrar en un espacio y mi mente comienza inmediatamente a jugar. No veo solo la habitación. Veo la presentación terminada, el movimiento de los cuerpos, el ritmo emocional. A veces incluso ocurre al revés: un espacio se convierte en el punto de partida de toda una colección.

Eso fue lo que ocurrió con Zero Point. La colección comenzó durante un momento de calma frente a mi instalación favorita en Dark Matter, en Berlín. Sentada allí, rodeada de movimiento, quietud y energía, algo hizo clic. La atmósfera de ese lugar – sus círculos, su pulso, su sensación de suspensión – plantó la primera semilla. A partir de ahí, la narrativa empezó a desplegarse.

Para mí, la especificidad del espacio no consiste en presentar moda en un entorno espectacular. Se trata de permitir que el espacio amplifique la emoción, abra la imaginación y cree un diálogo entre el cuerpo, la prenda y el entorno. Cuando eso funciona, la experiencia queda grabada como un recuerdo.

Más allá de la moda, trabajas con instalaciones y esculturas. ¿Qué te atrae de estos formatos y cómo amplían las ideas exploradas en tus prendas?

Construir mi propia marca durante más de 22 años ha requerido – y sigue requiriendo – una enorme cantidad de energía. La moda no es solo mi trabajo; ocupa la mayor parte de mi tiempo, de mis pensamientos e incluso de mis momentos libres. Realmente no tengo hobbies en el sentido clásico.

Trabajar con instalaciones y esculturas funciona casi como una escape room para mí. Son momentos en los que se me permite apartarme un poco, quejarme de la moda si lo necesito y regresar al juego. La presión cambia. De repente, no estoy pensando en costes de producción, plazos o ventas. Simplemente estoy jugando, experimentando y siguiendo la intuición.

Lo que me fascina es la rapidez con la que cambia mi mentalidad. Hay una emoción muy infantil que acompaña estos proyectos, una ligereza que me aporta nueva energía y fuerza. Esa energía no desaparece; la llevo de vuelta a mi trabajo en moda. Y también sucede al contrario. Una vez termino un proyecto más artístico, siento el deseo de regresar a las prendas, al cuerpo, a la sastrería y a la artesanía. Ambos mundos se nutren mutuamente. Las instalaciones permiten que las ideas se expandan libremente, mientras que la ropa las devuelve a una realidad física y llevable.

Para mí, estos formatos son una manera de mantener viva mi relación con la moda, curiosa y emocionalmente honesta.

El textil, la estructura y la materialidad aparecen de forma recurrente tanto en tu arte como en tu moda. ¿Cómo crean estos elementos compartidos un marco conceptual más amplio más allá de la estética?

Para mí, el textil, la estructura y la materialidad no son conceptos abstractos, sino herramientas con las que he trabajado cada día durante más de 22 años. Lo que conecta mi trabajo en moda y mi trabajo artístico es esta larga experiencia práctica dentro de la industria de la moda: comprender cómo se comportan los materiales, cómo contienen peso, tensión, suavidad y resistencia.

Por eso, mis instalaciones y obras escultóricas no parten de la teoría, sino de un conocimiento adquirido a través de la práctica. Cada pieza de tejido, cada estructura, ya lleva consigo una historia de decisiones, errores y procesos de aprendizaje. Eso le da al trabajo una profundidad conceptual que va más allá de la pura estética.

Al mismo tiempo, estos elementos compartidos me permiten seguir aprendiendo. Cuando utilizo el textil en un contexto artístico, lo percibo de forma diferente a cuando está sobre el cuerpo. Y cuando regreso a las prendas, esa perspectiva permanece conmigo. De esta manera, la moda y el arte se convierten en un mismo campo continuo de investigación: arraigado en la experiencia, pero en constante evolución.

El negro es central en tu lenguaje visual y aparece de forma constante. ¿Qué potencial sigue teniendo el negro para ti como espacio de exploración?

El negro sigue siendo mi punto cero. Es la superficie desde la cual todo puede comenzar. Para mí, el negro nunca es ausencia. Es densidad, totalidad y posibilidad. Como el color desaparece, todos los demás elementos se vuelven más nítidos: la estructura, la textura, la proporción, el movimiento. Lo que sigue fascinándome es que el negro nunca se agota. Cuanto más trabajo con él, más descubro. Un nuevo corte, un nuevo material o una transparencia diferente pueden transformar completamente su carácter. El negro es estable, pero nunca estático.

Como espacio de exploración, el negro me permite profundizar en lugar de expandirme. En vez de añadir, refino. En vez de multiplicar, intensifico. Me da la libertad de experimentar – emocional, estética y conceptualmente – sin perder claridad.

No veo el negro como una firma que necesite defender. Lo veo como un campo abierto al que puedo regresar una y otra vez y seguir encontrando algo inesperado esperándome allí.

Tu trabajo juega a menudo con la tensión entre orden y disrupción, control y liberación. ¿Cómo moldean estas fuerzas opuestas tu proceso creativo?

Mi proceso creativo está moldeado por un constante ping-pong entre orden y disrupción, control y liberación. Necesito una gran cantidad de estructura y disciplina para trabajar como lo hago: sin ellas, nada funcionaría. Los plazos, los sistemas, la repetición y la precisión crean el marco que me permite moverme libremente.

Al mismo tiempo, la creatividad solo ocurre realmente cuando permito que el caos entre. Cuando me suelto. Cuando salto al agua fría sin saber exactamente cuán profunda es. “Saltar tan alto que golpeas la cabeza contra el techo y luego aterrizar con suficiente fuerza como para sentirlo en los pies”. Esa frase describe dolorosamente bien mi proceso de trabajo.

A menudo me excedo de forma intuitiva, a veces ingenuamente. Llevo las ideas demasiado lejos, choco contra los límites, recalibro y vuelvo a empezar. Dolores de cabeza por apuntar demasiado alto, pies doloridos por aterrizar demasiado rápido… ese ritmo forma parte de mi energía, de la manera en que aprendo y avanzo. El orden me da estabilidad. El desorden me da impulso. La tensión entre ambos es algo que cultivo activamente. Esa fricción es donde mi trabajo cobra vida.

Más que vestir a las personas, tu trabajo busca empoderarlas. ¿Cómo traduces ideas abstractas como autonomía, individualidad y fuerza en formas físicas?

No parto de conceptos abstractos como empoderamiento, autonomía o fuerza. Nunca fueron una estrategia ni un objetivo predefinido. Lo que las personas perciben hoy como el resultado de mi trabajo es consecuencia de muchos años de práctica, repetición y evolución personal.

Estas cualidades surgieron intuitivamente con el tiempo, escuchando mis propias necesidades, trabajando de cerca con los cuerpos y observando cómo las personas se mueven, sienten y se comportan cuando llevan determinadas prendas. El proceso nunca fue teórico. Fue físico, emocional y, muchas veces, inconsciente.

La fuerza, por ejemplo, proviene de la construcción, del peso, de cómo una prenda sostiene el cuerpo sin restringirlo. La autonomía reside en la flexibilidad: en piezas que permiten a quien las lleva decidir cuánto quiere revelar, proteger o enfatizar. La individualidad crece cuando la ropa no impone una identidad fija, sino que deja espacio para la interpretación.

Lo que hoy puede leerse como empoderamiento es, para mí, simplemente el resultado de la experiencia y la intuición. Las ideas no llegaron primero; el trabajo sí. Y solo más tarde el lenguaje alcanzó aquello que ya llevaba años ocurriendo.

Mirando tu práctica en conjunto, ¿cómo ves la evolución del futuro de la moda cuando se aborda como una forma de arte interdisciplinaria en lugar de como un producto estacional?

No creo que podamos hacer retroceder el reloj. La fast fashion ha llegado para quedarse. ¿Por qué la gente renunciaría voluntariamente a tener acceso instantáneo a infinitos estilos, tendencias e inspiración? Esa realidad no va a desaparecer.

Lo que puede existir junto a ella es otra cosa. Un sistema paralelo. Un nicho – pero un nicho significativo. Cuando la moda se aborda como una forma de arte interdisciplinaria, su valor cambia. Ya no se trata de velocidad o novedad, sino de profundidad, intención y cuidado. La responsabilidad de los creativos hoy no es luchar frontalmente contra la fast fashion, sino seguir ofreciendo alternativas. Educar de forma sutil. Mostrar otros ritmos. Volver a hacer tangibles y emocionalmente accesibles la artesanía, la materialidad y el proceso.

La moda como arte nunca será para todo el mundo. Pero existen personas que coleccionan ropa del mismo modo que otros coleccionan arte. Conviven con las prendas durante décadas, las cuidan, dejan que envejezcan, desaparezcan y reaparezcan. Para esas personas, la moda no es estacional. Forma parte de una relación duradera. Creo que el futuro reside en aceptar esta coexistencia. No en intentar convertir a las masas, sino en seguir creando espacios donde la moda pueda desacelerarse, profundizar y sentirse… más allá de las tendencias, más allá de las temporadas.