Jakob Kudsk Steensen | Lied, Land und virtuelle Installationen

Schon seit seiner Kindheit ist Jakob Kudsk Steensen vom Medium der Videospiele fasziniert. Seine Fähigkeit, die Welt um einen herum zu verändern, hat viele seiner immersiven virtuellen Kunstwerke inspiriert. Jakobs Leidenschaft für die virtuelle Realität verband sich bald mit seiner Begeisterung für die natürliche Umgebung, insbesondere für Feuchtgebiete. Indem er seine beiden Leidenschaften zusammenbringt, erforscht Jakob vergangene und gegenwärtige Geschichten, die mit unserer Landschaft interagieren und unsere Wahrnehmung der Welt um uns herum neu gestalten.

FOLKLORE UND GESANG: DIE STIMMEN DER NATUR

Wer ist Jakob Kudsk Steensen und was ist Ihre Vision?

Ja, mein Name ist Jakob Kudsk Steensen, ich bin ein Künstler. Ich komme aus Dänemark, aber in den letzten zehn Jahren habe ich in New York gearbeitet und bin vor kurzem nach Berlin gezogen. In meiner Praxis arbeite ich viel mit Videospieltechnologien, ich denke viel darüber nach, wie man sie jenseits des üblichen Sprachgebrauchs von Videospielen einsetzen kann. Diese sind sehr ziel- und ebenenorientiert und folgen eher einer rationalen Erfahrung und einem Design, bei dem man Dinge berühren oder mit ihnen interagieren muss, und zwar eins zu eins. Ich spezialisiere mich also auf eine sehr intuitive, kollaborative und ökologische Art der Nutzung von Videospieltechnologien, um übersehene oder vergessene Perspektiven auf die Geschichte der Natur, verschiedene Arten und Dinge zu vermitteln, über die man in der Natur vielleicht nicht so viel nachdenkt. In letzter Zeit habe ich auch viel mit Liedern und verschiedenen Arten von Folklore gearbeitet und mich mit verloren gegangenen Gefühlen und Worten beschäftigt, mit denen wir unsere Beziehung zu verschiedenen Umgebungen beschreiben und darüber sprechen. Ich fange jetzt auch an, einen Song zu bearbeiten und diese Art von rhythmischen, fast hypnotischen Instrumenten zu kreieren, die die Leute ansprechen - das ist eine kurze Beschreibung dessen, was ich mache.

 Ja, das klingt wirklich gut. Offensichtlich ist Ihre Kunst also ziemlich frei und sehr eindringlich. Können Sie erklären, was Sie als Künstler zu diesem Medium hingezogen hat? Waren Sie schon immer daran interessiert? War es eine Art Reise für Sie?

Ja, darüber habe ich auch gerade nachgedacht. Ich war gerade schwimmen, und als ich auftauchte, musste ich an diese Erinnerung denken. Als Kind war mein Freund Simon bei mir zu Hause und wir haben oft zusammen Videospiele gespielt. Das ist also eine langjährige Leidenschaft von mir, seit ich acht Jahre oder so alt war. Ich bin also mit der Liebe zu Videospielen aufgewachsen, und zwar genau zu der Zeit, als kompliziertere 3D-Welten verfügbar wurden, insbesondere diese Art der Ego-Perspektive. Das ist heute sehr verbreitet, aber es bedeutet, dass man wirklich durch den Raum navigieren kann. Mein Freund Simon hatte immer Angst, wenn er ein Videospiel spielte, vor allem, wenn wir unter Wasser sein mussten. Denn unter Wasser kann man sich in all diese verschiedenen Richtungen bewegen, die man normalerweise physisch nicht kann. Und wenn man vor einem Computer sitzt, hat man dieses seltsame Gefühl im Gehirn, wenn man sich bewegt. Als ob man die Hand auf der Maus oder die Finger auf der Tastatur sieht. Es ist irgendwie taktil, aber plötzlich verschiebt sich deine Perspektive und bewegt sich auf all diese unmöglichen Arten. Für mich war das etwas, zu dem ich mich immer sehr hingezogen gefühlt habe. Ich erinnere mich noch gut an meine Kindheit, und als Teenager wurden wir von der Explosion dieses neuen Mediums und den komplexen 3D-Welten regelrecht überrollt.

Für mich scheint es also eine normale, intuitive Sache zu sein, zu der ich mich hingezogen fühle. Und in den letzten fünf Jahren, mit dieser neuen zweiten Welle von Virtual Reality und Augmented Reality und in jüngster Zeit mit der Möglichkeit, wirklich groß angelegte immersive Installationen zu schaffen, haben wir das Gefühl, dass wir jetzt in der Lage sind, über den zweidimensionalen Bildschirm hinauszugehen und die konzeptionellen Dimensionen des 3D-Raums auf eine Weise zu nutzen, wie wir es vorher nicht getan haben. Wir bewegen uns weg von der zweidimensionalen Kunst hin zu etwas anderem, etwas Körperlicherem, etwas Physischem, bei dem der menschliche Körper wirklich im Mittelpunkt der Erfahrung steht. Deshalb fühle ich mich von diesen so genannten immersiven Medien so angezogen.

Das klingt sehr komplex. Es ist eine wirklich schöne Erinnerung und sie fasst wirklich zusammen, was Ihre Arbeit bedeutet, ich denke, was Sie interessiert, es klingt so interessant. Sie hatten vor kurzem eine Ausstellung in Berlin, die von den Feuchtgebieten in Brandenburg inspiriert war.

Ja. Die Region Brandenburg.

Könnten Sie ein bisschen erklären, warum Sie sie als Hauptmuseen für einige Ihrer Arbeiten ausgewählt haben?

Ich denke, dass einige Leute denken, dass Wälder und Blumen natürlich eine große Inspirationsquelle sind, aber Feuchtgebiete kommen einem nicht automatisch in den Sinn, wenn es um etwas Schönes in der Natur geht.

In der Vergangenheit habe ich also mit eher ikonischen Erzählungen gearbeitet, an die wir gewöhnt sind, wenn wir über die natürliche Welt oder den Klimawandel nachdenken. 2016 habe ich ein Projekt mit dem Titel Primal Tourism durchgeführt, das auf einer tropischen Untergangsinsel, der Insel Bora Bora, stattfand und ein anderes Virtual-Reality-Kunstwerk wiederbelebte. Ich arbeite mit den Gesängen ausgestorbener Vögel und auch mit Gletschern und verschiedenen Wäldern. Ich bin also von der Arbeit mit Landschaftstypen ausgegangen, an die wir sofort denken, wenn wir über unsere Beziehung zur Ökologie und zum Klima nachdenken, aber in den letzten zwei Jahren habe ich versucht, noch weiter zu gehen und nach Geschichten über die Umwelt zu suchen, an die wir seltener denken. Dabei habe ich herausgefunden, dass Feuchtgebiete eine absolut wichtige und sehr übersehene Art von Ökosystem sind, denn jede große Stadt und Zivilisation der Welt ist auf einem Feuchtgebiet aufgebaut. Und es gibt die Theorie, dass alle modernen Menschen aus Feuchtgebieten in Afrika stammen. Es ist also so, als ob wir die Bedeutung von Feuchtgebieten vergessen hätten. Und das ist der Grund, warum wir Probleme mit dem Süßwasser haben. Deshalb haben wir giftige Flüsse und Seen in Europa und den. Staaten, weil die Definition eines Feuchtgebietes. ist ein Ökosystem, das in der Lage ist, sein eigenes Süßwasser zu erhalten.

Und Süßwasser ist natürlich wichtig für Säugetiere und das menschliche Überleben. Wir haben also diese schlammige, sehr wichtige Landschaft direkt unter unseren Füßen irgendwie vergessen. In Berlin habe ich dieses Kunstwerk mit dem Namen Berl Berl geschaffen, die ersten vier Buchstaben des Wortes Berlin. Es ist eigentlich ein altes slawisches Wort, das die Menschen in der Region im Mittelalter benutzten, und es bedeutet Sumpf. Schon der Name Berlins bedeutet Sumpf.

Ich wurde also zu dieser Kunstausstellung in Berlin eingeladen und schuf diese immersive Installation im Hallmarks, das normalerweise ein Nachtclub ist. Und dann verwandelte ich es in ein lebendes virtuelles Sumpfinstrument, in das die Leute eintauchen und irgendwie hypnotisiert werden oder darin versinken. Die Leute verbrachten zwischen einer und drei Stunden im Inneren des Kunstwerks und legten sich dann auf Kissen, liefen herum, setzten sich und wurden wirklich hypnotisiert und in diese ursprüngliche Sumpfsuppe hineingezogen. Das ist der Grund, warum ich das Kunstwerk Berl Berl in Berlin gemacht habe.

 Ich weiß natürlich, dass Sie in letzter Zeit einiges gemacht haben. Sie haben neue Elemente in Ihrer Arbeit erwähnt, wie Sie zum ersten Mal angefangen haben, mit Musik und Gesang zu arbeiten. Sie haben erwähnt, dass Sie mit einem Sänger, Arca und Matt McCall gearbeitet haben. Könnten Sie etwas darüber sagen, wie diese Reise zur Einbeziehung von Musik in Ihrer Arbeit aussah, wie Sie dabei vorgegangen sind, was Sie zuerst dazu inspiriert hat, solche Dinge in Ihre Arbeit einzubeziehen?

 Ja, auf jeden Fall. Es begann mit einem Buch, das ich von einer britischen Autorin namens Melanie Challenger gelesen habe, mit dem Titel On Extinction. Dieses Buch hat mich auf den Weg gebracht, mich viel mit Folklore, Volkswörtern, Liedern und dieser eher übersehenen Landschaft unter unseren Füßen zu beschäftigen. Michelle schreibt nämlich, dass die Worte, mit denen wir die Welt beschreiben, auch die Worte sind, mit denen wir sie schützen können. Und so war ich fasziniert, besonders von Berlin und seiner Naturgeschichte. Dass es vor dem Mittelalter in der ganzen Region eine Vielzahl von verschiedenen Kulturen und Sprachen gab. Und diese sprachen viele verschiedene Dialekte des Slawischen und andere wie osteuropäische Dialekte. Und dann ging man zum Deutschen über. Und diese Dialekte werden oft als singende Kulturen bezeichnet. Auch in Irland ist das so. In einigen Gegenden Dänemarks sind viele Feuchtgebiete von diesen singenden, verschiedenen Dialekten umgeben.

Und die Kulturen haben Lieder, um sich in der Welt zurechtzufinden. Anstelle einer schriftlichen Kultur, in der wir unsere Geschichten über die Welt dokumentieren und aufschreiben, hat ein Lied verschiedene Strophen und kann sich im Laufe der Zeit verändern, um sich dem Wandel eines bestimmten Wertesystems oder einer Landschaft anzupassen. Ein Lied ist also etwas sehr Formbarem, sehr Mutationsfähigem, aber auch etwas sehr Beschreibendem und etwas, das ein starkes Gefühl der Zugehörigkeit schaffen kann. In der Anzeigenarbeit Bell Bell habe ich die Sängerin Arca eingeladen, mit einer Reihe von kurzen Versen und Worten zu antworten, die auf Bildern und Folklore basieren, die ich ihr von dem jeweiligen Ort schicken würde. So schickte ich ein altes slawisches Lied über ein Wort aus Feuer, ich schickte ein Märchen, eine kleine Geschichte über diese Nymphen und wie sie singen und die Menschen in die Flüsse locken würden. Ich schickte Geschichten über einen Froschkönig, der die Feuchtgebiete regierte. Und ich schickte verschiedene Bilder von Motten, von Insekten, Blättern, Schlamm, Pilzsystemen, alles mögliche Material, das ich von den Flügeln um Berlin herum habe. Und dann hat sie kleine Verse in Konversationsklängen zu dem Material geschickt.

Und darüber hinaus sang sie auch zu dem Kunstwerk, als wäre es eine Kathedrale, denn dieser Ort fühlt sich an wie eine Kirche und wird als Kirche von Berlin bezeichnet. Es ist wie der berühmteste Nachtclub der Stadt, in dem die Ausstellung stattfand. Also sang sie auch dazu, wie zu einer Kathedrale, eher wie eine christliche Art, sich auf den Raum zu beziehen, aber auch sehr schamanisch und sehr intuitiv und persönlich. Man erhält also eine Mischung aus etwas Religiösem, etwas Persönlichem und etwas sehr Konstruiertem oder Gesprächigem. Und dann war da noch Matt McCall, mit dem ich schon oft zusammengearbeitet habe. Er ist Tontechniker am Natural History Museum in New York und Experte für Naturaufnahmen. Wir sind also zusammen losgezogen und haben Geräusche aufgenommen, und wir arbeiten mit dem Natural History Archive in Berlin zusammen, um Geräusche aufzunehmen. Wir mischen wirklich die Lieder von Archivaufnahmen von Feuchtgebieten und Sümpfen. Und das wird in Echtzeit von Bell Bell zusammengemischt, das im Grunde eine virtuelle Welt und ein lebendiges Instrument ist.

Es hört sich also nie gleich an und sieht nie gleich aus. Es werden einfach all diese verschiedenen Elemente in Echtzeit zusammengemischt und es wird zu dieser seltsamen Sache, die sich bewegt und verschiebt und sich manchmal wie ein Aufruhr und manchmal wie eine Naturdokumentation anfühlt, und es bringt einen wirklich durch verschiedene emotionale Spektren und verschiedene Perspektiven und Feuchtgebiete. Das ist der Grund, warum ich mich jetzt für Folklore, Lieder und Verse interessiere, weil es eine Art ist, ein Ökosystem mit etwas sehr, aber weniger Statischem zu betrachten, es ist etwas, das sich verändern kann. Verschiedene Wörter können in verschiedenen Sequenzen kombiniert werden, sie können die Tonalität und den Ausdruck verändern, und damit auch das Gefühl der Landschaft. Und in Berl Berl steuert alles, was man im Kunstwerk in diesem virtuellen Sumpf sieht, was mit den Klängen passiert. Wenn es also sehr regnerisch und schlammig ist, sind bestimmte Ausbrüche im Sound archaischer. Wenn es sonnig ist und man sich inmitten von Bäumen befindet, klingt es realistischer und wie Vögel. Während man also durch die Umgebung reist, folgen die Lieder und umgekehrt. Es ist also wie ein duales System, in dem all diese verschiedenen Elemente miteinander verbunden sind, und niemand weiß wirklich genau, was jedes Mal passieren wird, wenn es ausgestellt wird.

JAKOB KUDSK STEENSEN: WAS NUN?

Ja, es ist ehrlich gesagt so schön, Sie darüber sprechen zu hören. Man spürt förmlich  Ihre Leidenschaft und Ihren Antrieb für Ihre Kunst in Ihrer Arbeit, und das ist wunderbar.  Ihre jüngste Gruppenausstellung für das Sonar-Festival in Spanien wurde auch von einer anderen Art von Feuchtgebieten inspiriert. Viele Menschen stellen sich Feuchtgebiete als eine Art undurchsichtigen Raum zwischen Wasser und Leben und als eine Art Grenzraum vor, in dem wir uns sozusagen dazwischen befinden. Spüren Sie dieses Gefühl auch? Und was ist das Besondere an Feuchtgebieten, das Ihre Aufmerksamkeit erregt hat?

Ja, es ist eigentlich witzig, dass ich, als ich anfing, mich explizit mit Feuchtgebieten zu beschäftigen, vor allem mit Berl Berl und dem Kunstwerk Liminal Lands, das Sie erwähnten, herausfand, dass meine Lieblingskunstwerke aus der Vergangenheit eigentlich in urbanisierten Feuchtgebieten stattfanden oder diese darstellten. Das war nicht wirklich eine rationale Absicht. Es ist einfach so, dass dieses Kunstwerk, das animiert ist, in einem gebirgigen Feuchtgebiet spielt. Eines meiner anderen Werke, Aqua Phobia, spielt in einem Feuchtgebiet, in den Brooklyn Galleries in London. Ich habe festgestellt, dass mich diese schwebenden, sich wandelnden, undefinierbaren Landschaften anziehen. Sie geben einem den Raum, sich die Welt auf neue Weise vorzustellen. Sie geben einem den Raum, über die realistische Darstellung hinauszugehen. Sie geben uns eine Art Dimension, eine weniger rationale Dimension, weniger Druck, alles, was wir sagen und tun, zu definieren, und man kann sich in sie hineinversetzen und sie ausspielen.

In diesen weniger definierbaren Bereichen gibt es weniger Grenzen für das, was im Boden lebt, was in den Bäumen lebt, was im Wasser lebt, alle Lebewesen haben sehr enge Beziehungen. Es ist wie ein artenübergreifendes Ökosystem. Und es gibt auch einen Ort, an dem das Leben auf verschiedenen Ebenen, sagen wir ein Reh und Bakterien im Boden, ein Vogel in einem Baum, sie alle beeinflussen sich gegenseitig sehr eng. Man kann also wirklich über die Verflechtung des Lebens in verschiedenen Maßstäben nachdenken und das Ganze mit viel Mythologie und Fantasie ausstatten. Und ich bin jemand, der mit Videospieltechnologien und industriellen 3D-Werkzeugen gearbeitet hat. Die meiste Zeit meines Lebens war ich neugierig auf diese Art von Freiheit der Fantasie. Dennoch ist es für mich sehr reizvoll, mich an Geschichten aus einem bestimmten Ort zu halten. Es ist fast wie, wie würden Sie sagen, wie ein Synonym für die heutige Welt, in der wir all diese Kontrolle durch Technologie haben. Wir glauben, dass wir organische Muster in der Welt haben, und unser Unterbewusstsein, unsere Träume und alles andere, können wir nicht wirklich vollständig kontrollieren. Es ist also nur eine Möglichkeit, mit Feuchtgebieten zu arbeiten, die man mit all dieser Vorstellungskraft durchdringen kann.

Dieses Kunstwerk, Limited Lands, entstand 2021 in Zusammenarbeit mit einer Kunststiftung namens Luma. Ich habe ein ganzes Jahr damit verbracht, die Veränderungen einer Landschaft zu dokumentieren, die auf Salz, Süßwasser, Bakterien und Algen basieren, und wie sie das Aussehen der Dinge verändern. So kann zum Beispiel ein Ast an einem Baum an einem Tag braun sein und so aussehen, wie man sich einen Baum vorstellt. Eine Woche später kann er sich in einen weiß beschichteten Kristall verwandeln. Eine Woche später kann er rosa und grün werden, weil sich die Algen und der Salzgehalt ändern. Es handelt sich also um eine sehr transmutative Zone. Das spezielle Feuchtgebiet namens Kamak liegt zwischen Süßwasser, Salzwasser, dem Mittelmeer und landwirtschaftlich genutzten Böden. Es handelt sich also um eine Art Membran, die wirklich immer zwischen den Welten existiert. Manche Dinge sterben und leben sehr schnell. Ich habe zum Beispiel diesen Vogel gesehen, der ins Wasser gefallen war, und dann wurde das Wasser salziger, also trank er es wahrscheinlich und starb. Und dann hat er sich in einen riesigen Kristall verwandelt, weil es eine Woche später sehr viel Sonne gegeben hat. Und wenn es viel Sonne gibt, verdunstet das Wasser und alles wird zu Salz.

Und dann wächst das Salz, diese verschiedenen rosa und grünen Algen. Man sieht diese rosa kristallisierte Möwe in der Landschaft und alle möglichen Formationen, die real sind und durch diese Art von 3D-Raumfotografie dokumentiert werden. Aber wenn man sie isoliert betrachtet und die Perspektive wechselt, sieht es fast wie Science-Fiction aus. Es war also die Idee, diese phantasievollen Science-Fiction-Welten direkt unter unseren Füßen zu finden, um zu zeigen, dass man nicht unbedingt auf das Leben auf dem Mond schauen muss, um starke Science-Fiction zu bekommen. Wir haben sie überall um uns herum. Wir vergessen nur irgendwie, dass die Welt viel seltsamer sein kann, als man denkt, und dass wir das vergessen, je mehr wir in das, sagen wir, virtuelle Medium hineingezogen werden. Das Liminal Land ist also ein Virtual-Reality-Kunstwerk, das Menschen zusammenbringen soll. Normalerweise verändert die Bewegung den Klang der Landschaft, in der sie sich befinden. Auch hier geht es also darum, mit Instrumenten und Klang zu arbeiten. Wenn sich die Menschen also physisch in dem Kunstwerk bewegen, verändern sie die Klänge und Texturen in dieser virtuellen Landschaft. Und die virtuelle Landschaft besteht vollständig aus Klängen und digitalisierten Elementen aus dem Land.

Das ist eine wirklich schöne Art, über Feuchtgebiete nachzudenken. Und ich finde es so poetisch, dass man bei seiner Lieblingskunst gar nicht gemerkt hat, dass es sich um Feuchtgebiete handelt. Und ich finde, das ist ein bisschen gruselig, aber auch eine Art von Schicksal. Die letzte Frage, die ich Ihnen stellen möchte, ist: Was sind Ihre Zukunftspläne? Haben Sie irgendwelche anstehenden Projekte? Was haben Sie im Moment vor?

Ja, ich habe ein kleineres Kunstwerk, das diesen Sommer herauskommt. Es ist ein öffentliches Kunstwerk in der Schweiz, das darauf basiert, dass ich in den letzten Jahren nur an diesen großen Kollaborationen gearbeitet habe. Im Februar dieses Jahres war ich zwei Wochen lang in einer Gletscherhöhle in der Schweiz, habe sie gescannt und bin mit einem Freund von mir, Joe Kunan, einem Autor, hingefahren. Er schreibt gerade eine kleine Kurzgeschichte für dieses Kunstwerk. Wir waren zwei Wochen lang in dieser Gletscherhöhle, haben sie eingescannt, und er arbeitet an einer kleinen Geschichte dazu. Wir haben also etwas sehr impulsives und intuitives in den Schweizer Bergen gemacht. Daraus wird eine Videoinstallation werden, aber das ist eine Art Zwischenprojekt, denn das, woran ich als nächstes arbeiten möchte, ist eine Art opernhaftes, immersives Videospiel und eine Reihe von Ausstellungen. Nächsten Monat halte ich außerdem einen Vortrag im finnischen Opernhaus, weil ich wirklich neugierig darauf bin, diese neuen Wege der Zusammenarbeit zwischen der zeitgenössischen Kunstwelt und diesen immersiven Installationen zwischen Musik und Natur zu erforschen. Musik ist eine Möglichkeit, Geschichten zu erzählen und Charaktere und Kostüme und alles andere zu haben, und dann vollständig verteilte Online-Welten, in die die Menschen eintreten können, um die Kunstwerke zu erleben, das ist also der Punkt, an dem ich in die Zukunft blicke.