Sofie Aaldering | Slow Craft, Deadstock-Textilien und die Kraft handgefertigter Kunst

Die Arbeit von Sofie Aaldering rückt den Wert langsamer, handgefertigter Kunst in den Mittelpunkt. Sie verwandelt ausrangierte Textilien in filigrane Skulpturen, die Verletzlichkeit, Wachstum und Verbundenheit erforschen. Ihre zarte und zugleich arbeitsintensive Praxis lädt die Betrachtenden dazu ein, über das fertige Objekt hinauszublicken und die Zeit, das Material und die menschliche Handschrift wahrzunehmen, die in jedem Werk stecken.

Ihre Arbeit entsteht in einem langsamen, arbeitsintensiven Prozess von Hand – in einer Welt, die von Geschwindigkeit besessen ist. Was geht Ihnen in den vielen Stunden der Wiederholung emotional durch den Kopf? Ist es eine Form der Meditation?

Der handgefertigte Aspekt ist für mich sehr wichtig. Ich glaube, den Menschen ist oft nicht bewusst, wie viel Zeit und Arbeit in einem einzigen Werk stecken. Man sieht das fertige Objekt, aber nicht unbedingt all die darin verborgenen Stunden. Wie ich mich dabei fühle, hängt stark von meiner jeweiligen mentalen Verfassung ab.

Bei bestimmten Arbeiten, etwa wenn ich Perlen in den Glasfasern befestige, brauche ich einen ruhigen Geist. An solchen Werken arbeite ich am liebsten völlig allein im Atelier. In diesem Zustand kann ich stundenlang arbeiten, und der Prozess wird sehr meditativ. Normalerweise läuft dabei ziemlich laute Musik, ich singe mit und schalte meine Gedanken einfach ab. Dieses Gefühl liebe ich sehr.

Wenn ich jedoch unruhig bin oder mir vieles durch den Kopf geht, kann die Wiederholung den gegenteiligen Effekt haben. Statt mich zu beruhigen, bringt sie all meine Frustrationen und Gedanken an die Oberfläche. Dann widme ich mich meist einem anderen Werk und kehre erst zu der repetitiven Arbeit zurück, wenn ich mich wieder mehr im Reinen mit mir selbst fühle.

Wiederholung ist für mich also nicht immer Meditation. Manchmal zeigt sie mir, was gerade in meinem Inneren vor sich geht. Ich glaube, genau das ist ein Teil dessen, was ich an der langsamen Arbeit von Hand so interessant finde.

Sie verwandeln Deadstock-Materialien – Stoffe, die aussortiert wurden, unerwünscht waren oder übrig blieben. Haben Sie das Gefühl, sie zu retten oder um sie zu trauern? Trägt das Material eine Form von Trauer in sich, die Sie in etwas anderes verwandeln möchten?

Ich habe eher das Gefühl, diesen Materialien eine neue Chance zu geben, als um sie zu trauern. Nein, bei der Arbeit mit ihnen empfinde ich keine Trauer. Ich freue mich, wenn ich ein Material finde, mit dem ich arbeiten und dem ich ein neues Leben schenken kann.

Mich interessiert, dass diese Materialien häufig noch schön und vollkommen brauchbar sind. Weil sie jedoch übrig geblieben sind oder von der Industrie nicht mehr benötigt werden, gelten sie plötzlich als weniger wertvoll. Meine Arbeit mit Deadstock ist für mich eine Möglichkeit, diesen Wert wieder sichtbar zu machen. Ich möchte, dass die Menschen die Schönheit des Materials erkennen und sich fragen, warum es überhaupt nicht mehr gewollt war. Dadurch hinterfrage ich, wie die Branche entscheidet, was einen Wert besitzt und was nicht.

Tüll und Mesh sind zart und durchscheinend – sie enthüllen ebenso viel, wie sie verbergen. Tragen Ihre Arbeiten eine Form von Verletzlichkeit in sich, ähnlich wie Haut oder Erinnerung? Welchen Teil Ihrer selbst hinterlassen Sie im Stoff?

Das ist eine schöne Art, es zu beschreiben. Ich finde tatsächlich, dass das Material eine gewisse Verletzlichkeit besitzt. Gleichzeitig können Tüll und Mesh unglaublich robust sein. Dieser Kontrast interessiert mich sehr. Das Material ist transparent und lässt den Blick hindurch. Wenn man jedoch mehrere Schichten aufbaut, kann es nahezu vollständig undurchsichtig werden. Es zeigt etwas und verbirgt gleichzeitig etwas anderes.

Ich glaube, dieser Kontrast spiegelt auch etwas in mir wider. Ein Teil von mir kann sehr offen und verletzlich sein, während ein anderer, starker Teil schützt und verbirgt. Vielleicht ist es genau das, was ich im Stoff hinterlasse – keine bestimmte Erinnerung oder Geschichte, sondern etwas von dieser Spannung zwischen dem Sich-Zeigen und dem Sich-Schützen.

Können Sie uns einige Künstlerinnen oder Künstler nennen, die Ihre Kreativität inspirieren, und erklären, warum?

Es gibt nicht eine bestimmte künstlerische Persönlichkeit, die mich inspiriert. Meine Inspiration finde ich eher im Handwerk selbst. Ich sehe mir nach wie vor sehr gerne Haute-Couture-Shows an und achte dabei besonders auf die unglaubliche Handarbeit und die textilen Techniken, die in den einzelnen Kreationen stecken. Ich kann viel Zeit damit verbringen, die Details zu betrachten und darüber nachzudenken, wie etwas hergestellt wurde. Dieser Entstehungsprozess und die Möglichkeiten, die Textilien und die eigenen Hände bieten, inspirieren mich am meisten.

Lassen Sie uns über Ihre Kollektionen sprechen. Der Titel „Unravel“ deutet auf ein Auflösen hin – auf Befreiung oder einen Bruch. Gab es in Ihrem Leben oder Ihrer künstlerischen Praxis einen Moment, in dem Sie etwas auseinanderfallen lassen mussten, bevor Sie es neu aufbauen konnten?

Ja, definitiv. Es gab einen Wendepunkt, der sowohl für mich als auch für meine Arbeit entscheidend wurde. Damals arbeitete ich noch in Teilzeit als Stylistin in einem Einrichtungsgeschäft und baute abends und an den Wochenenden parallel meine künstlerische Praxis auf. Das war manchmal ziemlich schwierig – vor allem, wenn ich gerade gut in den kreativen Prozess gefunden hatte und aufhören musste, weil ich zu meiner anderen Arbeit gehen musste.

Gleichzeitig befand ich mich in einer Beziehung, die achteinhalb Jahre gedauert hatte und dann zu Ende ging. Eine Zeit lang hat mich das wirklich gebrochen. Seltsamerweise gab mir diese Erfahrung aber auch den Mut zu einer Entscheidung, die ich sonst vermutlich nicht getroffen hätte: vollständig selbstständig als Künstlerin zu arbeiten.

Noch im selben Monat kündigte ich meinen Job und begann, nach einem Atelier zu suchen. Zum Glück ging dann alles sehr schnell. Ich erinnere mich an den Gedanken: Wenn sich ohnehin alles verändert, kann ich dem Ganzen auch eine echte Chance geben und herausfinden, was passiert, wenn ich mich vollständig auf mich selbst und meine Arbeit einlasse. Danach entwickelte sich vieles sehr schnell. Neue Möglichkeiten mit Galerien, Messen und Verkäufen ergaben sich, und meine künstlerische Praxis begann wirklich zu wachsen. „Unravel“ ist für mich daher eng mit der Vorstellung verbunden, dass Dinge auseinanderfallen und dadurch zugleich Raum entsteht, um etwas neu aufzubauen, das sich authentischer anfühlt.

Manchmal muss man das Leben loslassen, von dem man dachte, man würde es führen, bevor man entdecken kann, was man tatsächlich möchte.

„Inflore“ weckt Assoziationen an Aufblühen, Öffnung und Entwicklung. Ist Wachstum auch mit Angst verbunden? Mit der Sorge, dass das, was Sie erschaffen, über Sie hinauswachsen könnte oder dass Sie sich selbst darin nicht mehr wiedererkennen?

Ja, definitiv. Interessanterweise spüre ich diese Angst jedoch nicht, während ich mich mitten im Wachstum befinde. Wenn viel passiert und ich von dieser Dynamik getragen werde, bleibt mir keine Sekunde, um Angst zu haben. Ich arbeite einfach, erschaffe und gehe weiter voran.

Die Angst kommt meist dann, wenn es ruhiger wird und ich Zeit zum Nachdenken habe. Dann frage ich mich manchmal: Was, wenn das bereits der Höhepunkt war? Kann es von hier aus noch besser werden? Und muss ich überhaupt immer wollen, dass es besser wird? Ich lerne außerdem, dass es in Ordnung ist, wenn meine Arbeit über mich hinauswächst.

So funktioniert das Leben – man selbst verändert sich, und die eigene Arbeit verändert sich mit. Ich versuche, meinen jetzigen Stand so lange wie möglich zu genießen, obwohl ich weiß, dass ich noch so viel mehr machen möchte. Es muss auch nicht alles in den nächsten Jahren geschehen. Oft versuche ich, das Gesamtbild zu betrachten. Wenn ich hundert Jahre alt werde, ist dieser Moment noch immer nur der Anfang. Diese Sichtweise hilft mir, mich weniger unter Druck zu setzen und nicht so streng mit mir zu sein, wenn ich darüber nachdenke, wo ich eigentlich schon sein sollte.