Sofie Aaldering | Artesanía lenta, textiles deadstock y arte humano

La artista neerlandesa Sofie Aaldering transforma textiles deadstock, fibras de vidrio y un minucioso trabajo manual en obras escultóricas que exploran la vulnerabilidad, el crecimiento y la conexión. En esta entrevista, reflexiona sobre el poder meditativo del proceso creativo, el valor de los materiales descartados y por qué la artesanía hecha a mano importa más que nunca en la era de la inteligencia artificial.

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A través del trabajo de Sofie Aaldering, se pone en valor la artesanía lenta y hecha a mano, transformando textiles descartados en intrincadas esculturas que exploran la vulnerabilidad, el crecimiento y la conexión. Su delicada práctica, que requiere un intenso trabajo manual, invita al espectador a mirar más allá del objeto terminado y a considerar el tiempo, los materiales y el toque humano presentes en cada pieza.

Tu trabajo se construye a través de un proceso manual lento y laborioso en un mundo obsesionado con la velocidad. ¿Qué pasa por tu mente, a nivel emocional, durante esas horas de repetición? ¿Es una forma de meditación?

Para mí, el aspecto artesanal es muy importante. Creo que la gente a menudo no se da cuenta de cuánto tiempo y trabajo hay detrás de una sola pieza. Puedes ver el objeto terminado, pero no necesariamente todas las horas que se esconden en su interior. Emocionalmente, depende mucho del estado mental en el que me encuentre.

Para determinadas obras, como cuando fijo cuentas a las fibras de vidrio, necesito tener la mente tranquila. De hecho, prefiero trabajar en esas piezas completamente sola en el estudio. Cuando estoy en ese estado, puedo trabajar durante horas y el proceso se vuelve muy meditativo. Suelo poner la música bastante alta, cantar y simplemente desconectar la mente. Me encanta esa sensación.

Pero cuando estoy inquieta o tengo muchas cosas en la cabeza, la repetición puede tener el efecto contrario. En lugar de calmarme, todas mis frustraciones y pensamientos pueden salir a la superficie. Cuando eso ocurre, suelo pasar a otra pieza y retomo el trabajo repetitivo cuando me siento más en paz conmigo misma.

Así que, para mí, la repetición no siempre es meditación. A veces, en realidad, me muestra lo que está sucediendo dentro de mi cabeza. Creo que eso también forma parte de lo que me resulta interesante de trabajar lentamente y con las manos.

Transformas materiales deadstock, tejidos descartados, no deseados o sobrantes. ¿Sientes que los estás rescatando o que estás haciendo una especie de duelo por ellos? ¿Existe una tristeza en el material que intentas transformar en algo diferente?

Siento que estoy dando una nueva oportunidad a estos materiales, más que lamentando su pérdida. Así que no, realmente no siento tristeza cuando trabajo con ellos. En realidad, me hace feliz encontrar un material con el que puedo trabajar y al que puedo dar una nueva vida.

Creo que lo que me interesa es que estos materiales a menudo siguen siendo bellos y perfectamente utilizables, pero, como son sobrantes o la industria ya no los necesita, de repente se consideran menos valiosos. Para mí, trabajar con deadstock es una forma de volver a mostrar ese valor. Quiero que la gente vea lo bello que es el material y se pregunte por qué dejó de ser deseado en primer lugar. Me lleva a cuestionar cómo decide la industria qué tiene valor y qué no.

El tul y la malla son delicados, translúcidos. Revelan tanto como ocultan. ¿Sientes que tu trabajo contiene una cierta vulnerabilidad, como la piel o la memoria? ¿Qué parte de ti dejas en el tejido?

Es una forma muy bonita de describirlo. Sí creo que el material tiene cierta vulnerabilidad, pero, al mismo tiempo, el tul y la malla pueden ser increíblemente resistentes. Ese contraste me interesa mucho. El material es transparente, así que puedes ver a través de él, pero cuando empiezas a superponer capas también puede llegar a volverse casi completamente opaco. Revela algo mientras, al mismo tiempo, oculta otra cosa.

Creo que ese contraste también refleja algo de mí. Hay una parte de mí que puede ser muy abierta y vulnerable, pero, al mismo tiempo, también existe una parte fuerte que protege y oculta. Quizá eso sea lo que dejo en el tejido. No necesariamente un recuerdo o una historia concreta, sino algo de esa tensión entre mostrarse y protegerse.

¿Puedes hablarnos de algunos de los artistas que inspiran tu creatividad y contarnos por qué?

En realidad, no hay un artista concreto que me inspire. Encuentro la inspiración más bien en la propia artesanía. Me sigue encantando ver los desfiles de alta costura, sobre todo observar todo el increíble trabajo manual y las técnicas textiles que hay detrás de las piezas. Puedo pasar mucho tiempo contemplando los detalles y pensando en cómo se ha creado algo. Creo que ese proceso de creación, y descubrir todo lo que es posible hacer con los textiles y con las propias manos, es lo que más me inspira.

Exploremos tus colecciones. El título Unravel sugiere deshacerse, liberarse o romperse. ¿Hubo algún momento en tu vida o en tu práctica artística en el que tuvieras que dejar que algo se desmoronara antes de poder reconstruirlo?

Sí, sin duda. Hubo un punto de inflexión que terminó siendo crucial tanto para mí como para mi trabajo. En aquel momento todavía trabajaba a tiempo parcial como estilista en una tienda de interiorismo, mientras desarrollaba mi práctica artística por las noches y durante los fines de semana. A veces podía resultar bastante difícil, sobre todo cuando estaba completamente inmersa en mi trabajo y tenía que interrumpirlo porque debía ir a mi otro empleo.

Al mismo tiempo, mantenía una relación desde hacía ocho años y medio, y esa relación llegó a su fin. Durante un tiempo, aquello realmente me rompió. Pero, curiosamente, también me dio el valor para tomar una decisión que creo que, de otro modo, no habría tomado: dedicarme por completo a trabajar por mi cuenta como artista.

Dejé mi trabajo ese mismo mes y empecé a buscar un estudio. Por suerte, todo sucedió muy rápido. Recuerdo pensar que, si todo iba a cambiar de todas formas, también podía darme una oportunidad de verdad y ver qué ocurría si apostaba plenamente por mí misma y por mi trabajo. Y después de aquello, todo empezó a avanzar muy rápido. Surgieron nuevas oportunidades con galerías, ferias y ventas, y mi práctica artística comenzó realmente a crecer. Así que, para mí, Unravel está profundamente vinculada a esa idea de que las cosas se desmoronen, pero también de crear el espacio necesario para reconstruir algo que sea más fiel a quien realmente eres.

A veces tienes que dejar atrás la vida que pensabas que ibas a tener antes de poder descubrir qué es lo que realmente quieres.

Inflore evoca florecer, abrirse, transformarse. ¿Existe cierto miedo asociado al crecimiento? ¿El miedo a que aquello que estás creando termine superándote o a que dejes de reconocerte en ello?

Sí, sin duda. Pero, curiosamente, no siento realmente ese miedo cuando estoy en pleno proceso de crecimiento. Cuando están sucediendo muchas cosas y estoy inmersa en ese impulso, no tengo ni un segundo para sentir miedo. Simplemente hago, creo y sigo avanzando.

El miedo suele aparecer cuando todo se calma y tengo tiempo para reflexionar. Entonces, a veces pienso: ¿y si este ha sido el punto más alto? ¿Puede mejorar a partir de aquí? ¿Y tengo que querer siempre que sea mejor? También estoy aprendiendo que no pasa nada si mi trabajo termina superándome.

Así funciona la vida. Tú cambias y tu trabajo cambia contigo. Intento disfrutar del lugar en el que estoy durante todo el tiempo que pueda, sabiendo al mismo tiempo que todavía quiero hacer muchísimas cosas. Y no todo tiene que suceder en los próximos años. A menudo intento mirar las cosas con perspectiva. Si llego a vivir cien años, este momento seguirá siendo solo el principio. Pensarlo de esta manera me ayuda a presionarme menos y a no ser tan exigente conmigo misma respecto al lugar en el que supuestamente debería estar.

En Finery, te alejaste del cuerpo humano y creaste una escultura textil. También mencionas que una reflexión crítica sobre tu propio trabajo te llevó a darte cuenta de que la profundidad y el contraste habían permanecido hasta entonces en un segundo plano. ¿Te dio miedo dejar de utilizar el cuerpo como punto de referencia? ¿Y qué descubriste sobre ti misma al hacerlo?

Sí, al principio me resultó bastante difícil. Me cuestionaba mucho: ¿sigue teniendo sentido? ¿Puedo permitirme hacer esto? Pero cuando llegó ese momento en el que pensé: sí, esto es, sentí una libertad increíble. Creo que muchas veces la mayor lucha es con una misma. ¿Por qué pensaba que no podía alejarme del cuerpo por mi formación en moda?

He aprendido a escuchar más aquello que me entusiasma. Si estoy creando algo y me hace realmente feliz, intento confiar en esa sensación y seguirla.

Si miras atrás y piensas en la persona que eras cuando comenzaste la colección Finery y en la persona que eres ahora, ¿te reconoces? ¿Es cada nueva obra también una forma de encontrarte con una versión de ti misma que todavía no conocías?

Sin duda me reconozco, pero ahora tengo mucha más confianza en mí misma. Creo que me atrevo a ocupar más espacio, tanto en mi trabajo como personalmente, y a reivindicar realmente ese espacio.

Cuando empecé Finery, todavía estaba intentando descubrir qué podía permitirme hacer dentro de mi práctica artística y hasta dónde podía llevarla. Ahora confío mucho más en mi propia intuición. Estoy más dispuesta a seguir una idea sin cuestionarme inmediatamente si tiene sentido o si encaja con lo que he hecho anteriormente. Así que sí, cada nueva obra es también una forma de conocer una nueva versión de mí misma. Pero no siento que esté dejando atrás a la persona que era.

Sigo reconociéndome en mi trabajo y espero que los demás también lo hagan. Es más bien como ir descubriendo y desarrollando diferentes facetas de mí misma sin perder la conexión con el lugar desde el que empecé.

Si alguien pudiera leer una de tus obras como si fuera un diario, ¿qué descubriría sobre ti que nunca hayas dicho en voz alta?

Creo que descubriría que crear estas obras es algo muy reconfortante y sanador para mí. También tiene mucho que ver con la conexión. Creo muchas de mis obras junto a mi madre, por lo que existe en ellas una historia personal y compartida que no necesariamente resulta visible cuando contemplas la pieza terminada. Quizá eso sea algo que no siempre digo en voz alta: hasta qué punto estas obras están conectadas con las personas que quiero y cómo crearlas puede convertirse en una forma de conectar, procesar lo vivido y encontrar consuelo.

Celebras el arte hecho a mano en una era dominada por las máquinas y la inteligencia artificial. ¿Temes alguna vez que este tipo de trabajo, esta forma de entrega, pueda caer en el olvido? ¿O es precisamente ese temor lo que te impulsa a seguir creando?

Sí, sin duda. Creo que ese temor es, en realidad, parte de lo que me impulsa. Cuando me gradué en 2021 y presenté mi trabajo por primera vez en la Dutch Design Week, hubo personas que se acercaron y me dijeron: «Vimos fotografías de tu trabajo, pero pensamos que era IA, así que vinimos para comprobar si era realmente real».

Miraban los pompones flotantes y no podían creer que estuvieran allí de verdad. Para mí era evidente que se trataba de algo hecho a mano, pero aquella experiencia me hizo darme cuenta de que quizá ya no resulte tan evidente para todo el mundo. Y, de hecho, me encantó ese momento de asombro, esa sensación de: «Guau, esto está realmente hecho a mano. De verdad se puede crear algo así con las propias manos».

Disfruto muchísimo trabajando con las manos y creo que lo hacemos demasiado poco. Quizá también deberíamos enseñar con más frecuencia a los niños lo bien que se siente crear algo por sí mismos, en lugar de recibir siempre las cosas de forma inmediata y ya terminadas.