Amber Cowan | Sobre el vidrio, la memoria, la artesanía y la belleza de los fragmentos rotos

A través del trabajo de Amber Cowan, el vidrio desechado se transforma en intrincadas esculturas que entrelazan artesanía, historia y memoria. Su enfoque singular da una nueva vida a fragmentos de objetos olvidados y antiguas fábricas de vidrio ya desaparecidas, invitándonos a observar con mayor atención las historias, tradiciones y memorias que permanecen inscritas en el propio material.

Tus esculturas se construyen a partir de fragmentos que alguna vez pertenecieron a otras personas. ¿Sientes alguna vez una conexión, o incluso una tensión, entre la nueva vida de una pieza y su pasado?

En el pasado he recibido algunas donaciones realmente interesantes. Una mujer de Michigan me envió un azucarero que había sido ganado en una feria estatal y regalado a su bisabuela a finales del siglo XIX. La pieza estaba rota y ella no quería simplemente tirarla. La incorporé a una de mis obras, haciendo que el azucarero ocupara un lugar destacado. Con esa pieza sentí que, de alguna manera, estaba honrando aquella donación.

No te limitas a reciclar vidrio, sino que le otorgas una identidad completamente nueva. ¿Qué te lleva a decidir qué fragmento rescatar? ¿Te guía la practicidad, la intuición o una combinación de ambas?

Soy coleccionista y busco constantemente piezas que creo que algún día podrían encontrar su lugar en una obra. En mi estudio tengo toda una pared de estanterías con piezas organizadas por colores que potencialmente utilizaré algún día. A veces la elección es práctica, porque una pieza encaja por su escala, y otras veces responde a una sensación que me provoca o a la atracción que siento por su textura. Me encanta el vidrio que posee una textura o un patrón interesante.

Hay algo paradójico en tu obra: el vidrio parece frágil y, sin embargo, sobrevive durante generaciones. ¿Tus propias experiencias artísticas han cambiado tu forma de entender la vulnerabilidad?

He aprendido a dejar ir las cosas con mucha más facilidad. El vidrio es un material tan impredecible que, durante el proceso, siempre termino rompiendo algo. Hace mucho tiempo tuve que aprender simplemente a dejarlo ir y decir: ¡siguiente! Pero, una vez terminadas, mis piezas son muy estables y, sí, sobrevivirán durante generaciones. Me siento orgullosa de mi trabajo artesanal.

Tus esculturas tienen una cualidad onírica, como si pertenecieran a escenas de cuentos de hadas. Describes tu obra como instintivamente inclinada hacia el horror vacui. ¿Qué tiene este tipo de estética que te conmueve artísticamente?

Siempre me ha atraído este tipo de estética, desde mi infancia hasta hoy. Me encantaba “¿Dónde está Wally?”, así como otros libros y obras de arte que puedes observar una y otra vez y en los que siempre descubres algo nuevo.

La pérdida parece habitar bajo la superficie de tu práctica, no solo en la desaparición de las fábricas de vidrio, sino también en la de recuerdos y tradiciones. ¿Se ha convertido la creación en una forma de duelo o tiene más que ver con la sanación?

En realidad, no pienso en ello en términos de duelo o sanación. Lo veo más bien como una forma de contar historias olvidadas. De ofrecer al espectador una historia detrás de la obra en la que pueda adentrarse si desea explorarla más allá de la superficie. Y también como una manera de honrar aquellas piezas que son excepcionales y que nunca volverán a fabricarse.

Trabajar con fragmentos rotos implica aceptar que la perfección es imposible. ¿Tu relación con la imperfección en el arte ha cambiado la forma en que te relacionas con tus propias imperfecciones como persona?

No estoy segura de haber pensado alguna vez en cómo las imperfecciones del vidrio han influido en la manera en que me relaciono con mis propias imperfecciones… Lo que sí sé es que se trata de un material muy complejo con el que trabajar y que cada color que utilizo tiene sus propias particularidades, a las que tengo que adaptarme. Desde un punto de vista técnico, algunos colores son mucho más difíciles de trabajar que otros. Literalmente utilizo vidrio desechado y lo transformo en algo bello. En ese sentido, supongo que soy capaz de ver mucho valor en algo que otras personas consideran basura.

Flores, enredaderas y formas orgánicas emergen repetidamente de tus esculturas, casi como si la naturaleza se apropiara de aquello que la industria dejó atrás. ¿Qué significa para tu arte ese encuentro entre lo manufacturado y lo orgánico?

Creo que la yuxtaposición de las formas orgánicas e inorgánicas del vidrio da vida a las piezas. Muchas de mis obras parten de un jarrón del que surge materia orgánica que se extiende alrededor de la pieza, como un jarrón con flores sobre una mesa. Pero entonces el espectador tiene que tomar conciencia de que todo lo que está viendo es vidrio. También suelo añadir gotas, mariposas o pájaros para aportar movimiento a la composición. Quiero que el espectador perciba vida y movimiento al contemplar la obra y que recuerde que, cuando trabajo con él, el vidrio se encuentra en estado fluido.

Cuando estás inmersa en el proceso de creación de una de tus obras, ¿qué emoción predomina en ti? ¿Cambia con cada pieza?

Mis obras son como un rompecabezas. Siempre estoy intentando descubrir cómo encajan las distintas partes entre sí y cómo completar la historia. Me entusiasma resolver ese rompecabezas. Es muy satisfactorio cuando las piezas encuentran su lugar y puedo empezar a visualizar el aspecto final de la obra.

Tu trabajo nos invita a detenernos y prestar atención a aquello que ha pasado desapercibido. En una cultura obsesionada con la novedad constante, ¿crees que hemos olvidado cómo conectar emocionalmente con lo que tenemos justo delante?

Creo que la gente necesita desesperadamente bajar el ritmo. La artesanía, en general, nos recuerda la enorme importancia de lo hecho a mano. Creo que, especialmente con el auge de la inteligencia artificial en el arte, las personas están volviendo la mirada hacia la artesanía en busca de esa sensación de tactilidad que sienten que les falta.

Imagina que, dentro de cien años, alguien descubre una de tus esculturas sin conocer tu nombre ni tu historia. ¿Qué mensaje te gustaría que permaneciera preservado en el vidrio para que esa persona pudiera descubrirlo?

Creo que, en un primer nivel, las personas apreciarán la belleza de las piezas, la complejidad de sus formas y sus detalles. En otro nivel, espero que comprendan el grado de destreza técnica que requiere trabajar con este material, así como la dedicación y la práctica necesarias para dar vida a piezas como las mías. Y, finalmente, espero que puedan percibir el profundo respeto por la historia que se manifiesta en las diferentes épocas del vidrio utilizado en cada obra.

También me gustaría añadir que la mayor parte del material que utilizo es cullet, vidrio de desecho o residuo industrial procedente de fábricas de vidrio que ya han desaparecido. El material se presenta como fragmentos rotos o incluso como una especie de piedras de vidrio. Caliento estas piezas, las fundo y les doy forma para crear la mayoría de los elementos que se pueden ver en una escultura. Las piezas antiguas se integran en estas formas mediante una especie de collage para crear una apariencia fluida y sin interrupciones. Es una especie de juego de búsqueda entre las antigüedades y las piezas que creo mediante el trabajo con soplete a partir de fragmentos de vidrio roto.

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© Cortesía de Amber Cowan