Copenhagen Fashion Week 2026 | Por qué la artesanía y la conexión humana importan más que nunca
En la edición del 20.º aniversario de la Semana de la Moda de Copenhague, los temas que emergieron giraron en torno a la tactilidad, la durabilidad emocional y la experiencia humana. Las marcas presentaron colecciones que se sentían auténticas, personales y sensibles, reforzando las ideas y preguntas exploradas tanto en las conversaciones como en los desfiles. Muchas de las presentaciones estuvieron acompañadas de actuaciones musicales en directo y poesía recitada. Elementos táctiles como la arena y las formaciones de piedra envolvieron las colecciones, mientras modelos con el cabello agitado por el viento caminaban descalzas junto a los canales de Copenhague, expresando la necesidad de sentir y experimentar algo conectado con el mundo que nos rodea.
La serie de conversaciones reunió a representantes de la industria para debatir sobre el cambio en el sector de la moda. Hillary Taymour, fundadora de Collina Strada, habló sobre la importancia de compartir conocimiento. En un panel dedicado a la artesanía, los participantes reflexionaron sobre el oficio como legado y sobre su capacidad para restaurar y regenerar, dejando a las comunidades en mejores condiciones de las que las encontramos, en lugar de limitarse simplemente a preservarlas.
Los participantes analizaron el reciente resurgir de las técnicas artesanales, visible en la Lagos Fashion Week, fundada por Omoyemi Akerele, y en el trabajo de Madhu Vaishnav con Saheli Women. La conversación evolucionó hacia cómo la artesanía puede ayudarnos a desarrollar vínculos emocionales con nuestra ropa al comprender quiénes son las personas que participan en su creación, prolongando así la vida de las prendas a través de la durabilidad emocional. Preservar la artesanía no es importante únicamente para mantener vivo el conocimiento textil, sino también para proteger nuestra relación con la ropa que vestimos. En una conversación sobre los medios de moda, se destacó el valor de las perspectivas de calidad, singulares y valiosas, así como la creciente importancia que tendrá el pensamiento original. Estas conversaciones pusieron de manifiesto hasta qué punto la creación humana, la mirada personal y las habilidades artesanales ocupan hoy un lugar esencial en la industria de la moda.
La conversación evolucionó hacia cómo la artesanía puede ayudarnos a desarrollar vínculos emocionales con nuestra ropa al comprender quiénes son los artesanos que participan en su creación, prolongando así la vida de las prendas a través de la durabilidad emocional.
Ecologías Sagradas, de Iamisigo
Iamisigo exploró en su colección SS27, Sacred Ecologies, cómo los objetos albergan conocimiento y cómo los seres humanos lo transmiten. Este concepto tomó forma a través del uso de materiales autóctonos y locales, junto con técnicas tradicionales. La diseñadora Bubu Ogisi afirma identificarse más como artista textil que como diseñadora, dando lugar a un enfoque en el que los materiales, el arte y la espiritualidad ocupan un lugar central. Utilizando el cuerpo como lienzo, la colección se centró en crear prendas que actúan como archivos vivos del conocimiento textil ancestral.
A través del movimiento entre distintos territorios y de la observación de cómo evolucionan los procesos artesanales y las formas de entender el oficio, los materiales se obtienen de diferentes lugares de África: fibra de plátano de Uganda, algodón y cuentas de madera de Nigeria, sisal de Tanzania, y vidrio reciclado y tintes naturales de Kenia. Los materiales sobrantes se reincorporan a las propias piezas, mientras que los hilos que quedan en el telar encuentran una nueva vida en creaciones de crochet. El proceso se describe más como un ritual que como una producción industrial, donde los materiales se convierten en vehículos capaces de comunicar ideologías. En ellos permanece la huella del tiempo necesario para crearlos y de las manos que participaron en su elaboración.
Utilizando el cuerpo como lienzo, la colección de Bubu Ogisi se centró en crear prendas que actúan como archivos vivos del conocimiento textil ancestral.
Sastrería y ropa de trabajo de René
El enfoque de Rene en la sastrería y la ropa de trabajo de género neutro ofreció un sólido punto de partida para explorar el concepto de las comunidades marítimas de los países nórdicos. En el debut de Rene sobre la pasarela de la Semana de la Moda de Copenhague, la conexión con la cultura marinera se manifestó a través de tejidos que evocaban velas, ajustados mediante cordones y botones, y remendados como si hubieran sido concebidos para resistir un uso intenso. Los detalles utilitarios aportaron a la colección una funcionalidad vinculada a la forma de vestir de pescadores y marineros.
La colección presentó seda con textura granulada y tejidos que recordaban a las rocas erosionadas por las olas, cada vez más brillantes y pulidas con el paso del tiempo. Tonalidades de nácar aparecieron sobre los textiles más sedosos, mientras que finas rayas de aspecto desgastado recorrían el lino seco. Los accesorios de cuerda reforzaron esa relación entre el ser humano y el mar. Los creativos detrás de la colección, Jens Skov Østergaard y Kridipat Østergaard, aportaron sus propias sensibilidades culturales, conectando las tradiciones y los materiales textiles daneses con la artesanía y las narrativas asiáticas, como la tradición tailandesa de tejer peces, a los que se atribuye la capacidad de atraer la buena suerte.
