Proyectar una expresión distintiva | Entrevista con Katharina Hinsberg
Tomando sus líneas características como punto de partida, todo en la artista Katharina Hinsberg es distintivo. Le preguntamos cómo percibe el arte, cómo lo crea y cómo lo concibe todo en el más allá.
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Nunca hay una explicación segura cuando se responde a la pregunta "¿Cómo aparece el arte?", pero a veces puede explicarse con otra pregunta. Para la artista afincada en Düsseldorf Katharina Hinsberg, parece que fue "¿Cómo surge exactamente una línea?". Tomando las semblanzas establecidas de una línea, Hinsberg construyó una interpretación contemporánea propia en las artes y creó obras de arte rompedoras con ellas. Adoptó los puntos de articulación de la construcción y la deconstrucción, evaluó la situación de las formas y recientemente ganó un premio Paper Positions al presentar su innovadora visión a través de piezas. Luxiders mantuvo una conversación con Hinsberg sobre cómo es el proceso de creación para la artista, dónde sitúa la sostenibilidad en su arte, cómo la actualidad deja huella en la comunidad de artistas. Para saber más, aquí tienes una interesante entrevista.
(L) Luxiders
(KH) Katharina Hinsberg
L: En primer lugar, ¡enhorabuena por ganar el premio Paper Positions! Como artista galardonada, que también enseña arte, ¿cómo empezó tu historia? ¿Recuerdas algún empujón en su infancia que le llevara a ser artista?
KH: Crecí en un entorno que me dio muchas oportunidades y libertad. Mis padres estudiaron arte para convertirse en profesores. Hacer cosas nosotros mismos, inventar, construir e improvisar desempeñó un papel importante en mi vida. Creo que así es como se crean conceptos y enfoques del "mundo" en el que [una persona] puede y quiere dar forma a algo, independientemente de si es arte u otra cosa. Por eso las asignaturas de arte y música son tan increíblemente importantes en las escuelas de hoy: Dan espacio a la invención y la creación.
L: ¿Qué importancia tiene el uso del papel como material principal en su arte? ¿Influye el valor sostenible de este elemento en su elección?
KH: El papel es un material accesible, ligero y sostenible con aplicaciones increíblemente diversas. Para mí, una hoja de papel es una membrana que puede interponerse entre yo y -en pocas palabras- "otra cosa". Con una superficie de papel blanco delante de mí, se crea un hueco, una pausa, una superficie de proyección, un nuevo espacio de posibilidad. Surgen un antes y un detrás. En mi trabajo, me interesa cómo los agujeros y cortes en el papel crean permeabilidad.
L: Transformas algunos elementos filosóficos, como preguntarse el punto inicial y final de una línea, y los armonizas en su arte. ¿Son estos detalles filosóficos un subtexto predeterminado de tus obras, o evolucionan de forma natural?
KH: En todas las cosas que hacemos con cierta devoción, concentración y cuidado, surgen espacios de pensamiento. Se conectan y expanden con todo lo demás que percibimos, leemos o hacemos.
L: Líneas, siluetas, construcción y deconstrucción... Pero sobre todo líneas. Es fácil identificar tu arte a través de todos estos detalles característicos. ¿Cómo empezaste a construir un estilo tan único? ¿Tuviste algún modelo a seguir durante tu desarrollo?
KH: Las cosas con las que tratamos intensamente se condensan con el tiempo, como un lenguaje que se forma colectivamente a lo largo de siglos. Y sin embargo, las experiencias de cada uno de nosotros surgen como una expresión distintiva muy individual. En mi trabajo, recurro a muchas técnicas tradicionales. Sin duda, hay modelos que han sido importantes para mí, pero no en el sentido de un estilo o una manifestación concreta, sino a través de lo que puedo leer en ellos, que a veces puede ser inquietante, abrumador o delicioso.
L: ¿Cuál es el mensaje de tu arte?
KH: El mensaje se crea entre el espectador y la propia obra, y yo ya no participo en él. Las obras de arte llevan su propia vida, cuelgan de las paredes de las personas más diversas, que asocian a ellas sus propias historias. Un amigo me contó que vio una obra mía a través de una ventana abierta en París. Estaba colgada en la pared. Es una historia preciosa y enseguida me hago una idea de la imagen sin saber cuál es. Aquí el mensaje lo crea el mensajero.
L: Como artista visual, ¿crees que la era de las redes sociales repercute en tu reputación? En caso afirmativo, ¿puedes decir si es negativo o positivo? ¿Cuáles son los retos y los beneficios de la era digital para un artista?
KH: Por encima de todo, las redes sociales son un enorme devorador de tiempo. La atención que buscamos y recibimos y la atención que damos a los demás están ahí simultáneamente, pero luego falta en la realidad. Creo que nuestros valores están cambiando; ya no se trata de hacer, ver y percibir físicamente, sino de aparecer. Esto influirá cada vez más en la producción y recepción del arte. Como casi todo el mundo, yo soy una pequeña parte del proceso.
L: ¿Buscas algún impacto social que irradie a través de tu arte? ¿Puedes explicarlo un poco?
KH: El arte siempre es un tipo de comunicación. Sin embargo, la eficacia social sería algo más: Una concatenación de acontecimientos en los que puedo influir (indirectamente) pero no directamente. Mi trabajo, mientras tanto, es más una interpretación. Para mí, la omisión parece tener una eficacia cada vez más importante. Surgen lagunas y rupturas en los hábitos, y es apasionante ver qué márgenes de maniobra y perspectivas surgen cuando no hacemos algunas cosas (nunca más) o las hacemos menos.
L: Me pregunto cómo es el proceso de creación artística de Katharina Hinsberg. Normalmente, la inspiración es un concepto que se asocia estereotipadamente con el arte. ¿Necesitas estar motivada por la inspiración para crear o tienes un proceso de creación alternativo? Si es la inspiración lo que te motiva, ¿puedes decirnos qué suele inspirarte?
KH: Mis obras se crean con bastante lentitud. Tengo que tomarme el tiempo que necesito para ello. Cuando estoy trabajando, no puedo hacer otra cosa. Es un buen periodo de concentración. E incluso mientras respondo a tus preguntas, no puedo hacer otra cosa durante ese tiempo. Sin embargo, la mitad del tiempo miro por la ventana y veo pequeños mosquitos bailando al sol.
L: ¿Cómo es ser mujer en el arte? ¿Cuáles son las experiencias relacionadas con el género que reconoces?
KH: Mis experiencias como mujer artista, especialmente como estudiante de arte, fueron a menudo muy malas. Las dependencias y, por tanto, la sensación de no poder hacer nada al respecto me paralizaban a veces. Las condiciones están cambiando poco a poco; ahora hay muchas más mujeres artistas de éxito, pero sigue habiendo muy pocas profesoras en las facultades de arte.
L: ¿Cuáles serían tus recomendaciones para los artistas que acaban de empezar a hacer arte?
KH: Además de intensidad, aconsejo viajar, apertura y estrategias de autocapacitación: Buscar o crear marcos en los que te gustaría participar activamente, unir fuerzas y acercarte a personas que puedan ayudarte. Además, es útil adquirir tantos conocimientos y habilidades como sea posible, lo que ayuda a llegar a fin de mes y trabajar por cuenta propia.
L: ¿Tienes algún proyecto artístico próximamente y, en caso afirmativo, puedes hablarnos un poco de él?
KH: Entre otros proyectos, estoy preparando una exposición conjunta con Monika Grzymala en la Kunsthalle de Mannheim. Es interesante para ambas seguir desarrollando nuestros propios enfoques en relación con nuevos espacios, y aún más emocionante hacerlo ahora con referencias mutuas.
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